Michael Dans @ Arco Madrid, une introduction


In his Naturalis Historia, Pliny the Elder tells the intriguing tale of the contest between the two great painters of the fth century B.C., Zeuxis and Parrhasius, both masters of trompe-l’œil realism. Zeuxis, whose lot it is to go rst, presents the jury with a painting of a bunch of grapes so lifelike that a bird appears and begins trying to peck at them. To the astonishment of the crowd, the bird hurls itself against the wall and falls to the ground. Certain of his victory, Zeuxis then calls to see the work by his rival; he personally goes to raise the curtain covering the painting by Parrhasius. It is then, as he reaches to lift it, that he realises the curtain has in fact been painted. And so, the artist himself is fooled: this curtain veiling the work is, in fact, the work itself.

Perusing the collection of  ower photographs in the form of still lifes by Michael Dans, this archetypal tale comes to mind. Almost two years in the making, it is a remarkable series; a somewhat unexpected turn, in fact. Revisiting the ques- tion of illusion and trompe-l’œil, it embraces an artefact of the  ne arts tradition, the still life, historically considered a minor genre in the hierarchy of subjects, exploring another facet of the genre, Vanitas paintings, allegories of futility and the passage of time. In our contemporary, visually saturated world awash in snapshots and virtual images, the still life may seem obsolete, trivial or pointless. But it is quite the contrary.

In his ever-expanding body of work, Michael Dans is prodigiously eclectic, rang- ing from monumental installations to performance, drawing and photography. Time and again, he makes his – often playful – escape, creates discrepancies or  oats subversive plans, astutely exploring the codes of art and how it is made today. The recurring themes are childhood, loneliness, a certain melancholy, introspection, eroticism and death. All of which are very much present in his  oral still lifes. While our day-to-day surroundings are gradually growing more stand- ardised and sterile, these photographs question the status of the image at the heart of a consumerist society which, like the images it generates, is undergoing a shift from the real towards the hyperreal. I saw the  rst  oral still lifes by Michael Dans at an exhibition evocatively titled: That kind of wonderful. In a sense, that says it all.

Everything is illusion. Michael Dans is no scavenger of bouquets of  owers as private statements of taste. The image is never ‘found’; its components, on the other hand, are; they are patiently assembled. One can only imagine the jumble of vases, tablecloths and napkins, textiles and wallpapers that the artist has painstakingly compiled and curated, nds that are not particularly remarkable in themselves, ordinary objects that are common and commonplace. It’s all in the assembly and composition. The studio is a place of experimentation and staging, the artist is the photographer slash director slash set designer and, in advertising lingo, the prop stylist for all these elements which, in the image, become more than mere props. Photography, in this particular instance, is not just about capturing an image, it is the culmination of a process of conception and realisation, carefully nurtured arti ce, with just the right framing, lighting and point of view. To be clear, this is not an appropriation of advertising aesthetics, it’s more like ri ng on them, though at arm’s length, as if they are not to be trusted. At stake here is no contemporary lifestyle but rather a universal still life. Exemplary in this respect is the image of the  owers arranged in a straight vase in clear glass,  aunting its transparency alongside three cans of Freshona pineapple, the ones in light syrup, balanced atop one another. The sky is deep blue, the pattern on the tablecloth a cheesy abstraction, the entire composition so very picturesque, and – yet another enticement – the labels on the cans have an endearing, sunny, nostalgic sort of charm. We could just dive into the arti ce of the wide blue lagoon. Because the wide lagoon can only be blue. Just as the pink light su using the hyperreal scene of another bouquet, pink roses, had to be so, the perfect device, a hallucinatory, intoxicating pink for faded roses. Yes, there is plenty of irony, the innuendo is sharp, acerbic and the genre is turned inside-out, genres themselves, the advertising image as well as that particular branch of the history of painting. Michael Dans tricks the eye. He calls upon all our reference systems. The black rose, for example, or perhaps the white rose shown on a wooden table in stark chiaroscuro. The medallion on the  ank of the vase contains a painting, a scene from a di erent genre, Susanna and the Elders. Everything here, the composition and the framing, points to an unmis- takeable pictorial classicism.

Constantly plunging us into doubt and questioning, the artist seems to take mischievous pleasure in the game. The objects that occasionally show up in the compositions, do they have a meaning or none at all? And the netting and gauze that covers certain  ower arrangements, are they there merely to preserve their own mystery? One searches in vain for a metaphor. Some semblance of allegory would be reassuring. But no, de nitely no, what matters here are these con- stant shifts back and forth between photography, painting and graphic art; what dominates above all are the impeccable, highly painterly visual constructions in which nothing is left to chance. In considering the image of the strelitzias, the tropical  owers known as Birds of Paradise, as their shape resembles a bird’s head, Michael Dans admits that he only found out what they were called in the course of our conversation. No, he does not know the names of the  owers he buys and does not care. He assigns no importance to their rarity, symbolism or social signi cance. He simply chooses them according to their potential, their shapes and colours

Finally, there is the wallpaper and the oral-patterned tablecloths. Backdrop pa- per, ordinary wallpaper that is vulgar, kitschy, dated, the décor of many of these photographs, in a sense the curtain of Parrhasius, motifs of owers painted and drawn by others. They are tokens of disharmony, at times of ‘poor taste’ or vulgarity, which only deepens the undeniable attraction and fascination that these images exert over our imagination. Michael Dans has pushed the logic of the game to the extreme, dissecting wilted  owers, recomposing them on kitchen tablecloths or  oral wallpapers. There’s bound to be trouble, the act is not with- out a certain cruelty.

Stilleven, Still-life. A life that has been immobilised. On this point too, one may have doubts. Of course each image is a frozen scene, no question there. And yet, many of them seem to be imbued with a breath, at times a last gasp, even. Each of these images is a chosen moment, a memento of life, memento mori. Out of this entire series of photographs, there is one that o ers a clue. It is a vase of wilted  owers placed on a book, a photography book on Kazuma Ogaeri who, himself, captures illusions. The Japanese artist takes pictures of very young girls. His aesthetic is frozen, charged with sexual tension, an erotic illusion set in a natural world that is omnipresent, sensual and soothing. Some bouquets by Michael Dans are in dazzling bloom, others have lost their freshness; and  nally, there are those that are de nitively withered, like cemetery leftovers. Yes, all these still lifes are imbued with the passage of time, this movement of life and death. All that is left is a tremendous fragility, an immense solitude, memories of childhood or other times gone by. Only a relentless lucidity remains. Everything here is illusion. Everything, too, is misleading.

Jean-Michel Botquin . November 2018.


Dans ses Histoires Naturelles, Pline l’Ancien nous rapporte cette anecdote piquante, ce concours entre deux peintres célèbres du cinquième siècle avant notre ère, Zeuxis et Parrhasios, tous deux maîtres du trompe-l’œil. Lors de ce coup de dé, Zeuxis, le premier, propose au jury la représentation d’une grappe de raisins si réaliste et naturelle, qu’un oiseau se pose à côté d’elle et se met à la picorer. Devant l’assemblée médusée, l’oiseau se heurte au mur et tombe sur le sol. Sûr de sa victoire, Zeuxis demande alors que l’on découvre l’œuvre de son challenger ; il s’avance lui-même afin de soulever le rideau qui cache la peinture de Parrhasios. C’est là, tendant le bras, qu’il s’aperçoit que le rideau est peint. Voici donc l’artiste lui-même leurré : le rideau qui recouvre l’oeuvre est, en effet, l’œuvre elle-même.

Je repense à cette anecdote fondatrice en feuilletant le corpus des photographies de fleurs de Michaël Dans, un ensemble de natures mortes. Cette série, que l’artiste développe depuis près de deux ans, est singulière ; elle semble même inattendue. Elle renoue avec la notion d’illusion et de trompe-l’œil. Elle revisite un héritage des beaux-arts. Et l’histoire des beaux-arts a toujours classé la nature morte comme un genre mineur dans la hiérarchie des représentations. Elle sonde cette autre tradition picturale, celle des Vanités, allégories du vain et du temps qui passe. Dans notre monde actuel, saturé d’images, où règne snapshots et images virtuelles, le genre pourrait sembler désuet, anecdotique, futile même. Que du contraire.

Michaël Dans témoigne au fil d’une production sans cesse grandissante d’un redoutable éclectisme qui le mène de l’installation monumentale à la performance, du dessin à la photographie. Sans cesse, il s’échappe, – souvent de manière ludique -, crée des décalages, échafaude des plans de détournements, explorant avec pertinence l’ensemble des codes de l’art et de sa production contemporaine. L’enfance, la solitude, une certaine mélancolie, l’introspection, l’érotisme, la mort sont autant de fils conducteurs. Tout cela habite assurément ses natures mortes florales. Alors que notre environnement quotidien paraît progressivement se standardiser et s’aseptiser, ces photographies interrogent le statut de l’image au coeur d’une société consumériste qui, tout comme les images qu’elle génère, opère un glissement du réel vers l’hyperréel. J’ai vu apparaître les premières natures mortes florales de Michaël Dans lors d’une exposition au titre évocateur : That kind of wonderful. D’une certaine façon, on ne peut mieux dire.

Tout est illusion. Michaël Dans ne quête pas les bouquets de fleurs au fil de pérégrinations qui le mènerait à la découverte d’univers particuliers témoignant d’autant d’histoires du goût. L’image n’est jamais « trouvée » ; ses composants, eux par contre, le sont ; ils sont même patiemment chinés. On n’ose imaginer l’entassement de vases, de nappes et napperons, de textiles et papiers peints que l’artiste a patiemment recherchés et collectés, des trouvailles qui ne sont pas nécessairement des curiosités, des objets communs, courants, répandus. Car, tout sera construction et composition. L’atelier studio est espace d’expérimentation et de mise en scène, l’artiste est à la fois photographe, concepteur, mais aussi set designer, pour reprendre le terme utilisé dans le monde de la publicité, accessoiriste de tous ces éléments qui, dans l’image, n’auront plus rien d’accessoire. La photographie, en ce cas précis, ne se résume pas à la capture d’une image, elle est l’aboutissement d’un processus de conception et de réalisation, une artificialité recherchée avec soin, cadrage, mise en en lumière et point de vue précisément adaptés. Soyons clairs ; il ne s’agit pas d’adopter une esthétique publicitaire, mais de s’en inspirer, tout en la mettant à distance, comme s’il fallait s’en méfier. Point question d’actuel lifestyle mais bien d’universel still life. Exemplative à cet égard est cette image de ces quelques fleurs plantées dans un vase droit en verre blanc, gage de transparence, voisine de trois conserves d’ananas Freshona, celles au sirop léger, posées en équilibre les unes sur les autres. Le ciel est bleu profond, le motif de la nappe d’une abstraction douteuse, l’ensemble éminemment pictural, – un leurre de plus -, les étiquettes des boîtes de conserve d’une aimable ringardise ensoleillée. Nous sommes prêts à plonger dans l’artifice du grand lagon bleu. Car un grand lagon ne peut être que bleu. Comme cette lumière rose qui baigne l’ambiance hyperréelle de cet autre bouquet, des roses rose, ne peut qu’être affectée, parfait artifice, une lumière rose hallucinante et entêtante pour des roses fanées. Oui, l’ironie est bien présente, la référence incisive, acidulée et le genre revisité, les genres même, tant celui de l’image publicitaire que ce domaine particulier de l’histoire de la peinture. Michaël Dans trompe notre œil. Il met à contribution tous nos systèmes référents. Cette rose noire, par exemple, ou plutôt cette rose blanche baignant dans un clair obscur, posée sur une table en bois. Sur la panse de vase, la représentation d’un tableau, une scène d’un autre genre, Suzanne et les vieillards, en médaillon. Tout ici, dans la composition et le cadrage nous renvoie à un classissisme pictural évident.

L’artiste nous plonge continuellement dans le doute, le questionnement et entretient celui-ci avec un malin plaisir. Les objets qui, parfois, accompagnent la composition sont-ils indiciels ou ne le sont pas du tout ? Et ces tulles, ces gazes qui recouvrent certaines compositions florales n’apparaissent-ils pas pour ne protéger que leur propre mystère ? On cherchera, en vain, une métaphore. On serait rassuré par l’apparition de quelque allégorie. Non, décidément non, ce qui prime, ici, ce sont ces continuels va et vient entre photographie, peinture et art graphique ; ce qui domine le tout, ce sont d’impeccables constructions plastiques, très picturales, où rien n’est laissé au hasard. Alors que nous évoquions l’image aux strelitzias, ces fleurs tropicales que l’on nomme aussi oiseaux de paradis en raison de la forme de la fleur rappelant la tête d’un oiseau, Michael Dans me confia qu’il en découvrait le nom grâce à notre conversation. Non, il ne connaît pas le nom des fleurs qu’il achète et n’en a cure. Il n’attache aucune importance à leur rareté, à leur symbolique, à leurs usages sociétaux. Il les choisit en fonction de leur potentiel, leurs formes et leurs couleurs.

Enfin, il y a ces papiers peints et ces nappes de table aux motifs floraux. Des papiers de fond, des papiers peints communs, vulgaires, kitsch, surannés, le décor de bon nombre de ces photographies, le rideau de Parrhasios en quelque sorte, motifs de fleurs peints et dessinés par d’autres. Ils sont gages d’une disharmonie, d’un « mauvais goût » parfois ou d’une vulgarité, qui ne fera que densifier l’incontestable attraction et fascination que ces images opèrent sur notre imaginaire. Michael Dans a poussé la logique du jeu à l’extrême, disséquant des fleurs fanées, les recomposant sur des nappes de cuisine ou sur des papiers peints floraux. Le trouble est garanti, le geste n’est pas dénué d’une certaine cruauté.

Stillleven, Still-life. Une vie immobile. De cela aussi, on doutera. Certes, chaque image est un plan immobile, je n’en disconviens pas. Et pourtant, bon nombre semblent être habitée d’un souffle, même parfois d’un dernier souffle. Chacune de ces images est un moment choisi, mémento de vie, memento mori. L’une de toutes ces photographies nous éclaire, ce vase aux fleurs fanées, posé sur un livre, un livre de photographies consacré à Kazuma Ogaeri qui, lui aussi, capte l’illusion. L’artiste japonais photographie de très jeunes filles. Son esthétique est figée, chargée de tension sexuelle, une illusion érotique dans une nature omniprésente, sensuelle et apaisante. Certains bouquets de Michaël Dans sont d’une éclatante floraison, d’autres ont perdu leur fraîcheur ; il y a enfin, ceux qui sont définitivement flétris, rebus de cimetière. Oui, l’ensemble de ces natures mortes est traversé par le temps qui passe, ce mouvement de vie et de mort. Ne reste qu’une grande fragilité, une immense solitude, des souvenirs d’enfance ou d’autres temps révolus. Ne subsiste qu’une implacable lucidité. Tout, ici est illusion. Tout, aussi, est illusoire.

Jean-Michel Botquin. Novembre 2018.


Nadja Vilenne @ Arco Madrid 2019, booth 7B11-7A11, 27 Feb – 3 Mar

La galerie Nadja Vilenne aura le plaisir de vous accueillir sur son stand 7B11 – 711A
Galerie Nadja Vilenne is pleased to welcome you at booth 7B11 – 711A




27 February – 3 March 2019

Only professionals:
Wednesday 27 and Thursday 28 Feb, from 12 to 8 p.m.
Open to the public:
Friday 1 , Saturday 2 and Sunday 3 Mar , from 12am to 8pm.
Official Inauguration: Thursday 28 at 10 am. By invitation of inauguration only.

Halls 7 and 9

On the Road, revue de presse

Lu dans la Libre, l’article de Roger Pierre Turine : 

Suchan Kinoshita, Vrijheid, revue de presse

Lu dans Vrijheid. De vijftig Nederlandse kernkunstwerken vanaf 1968 de Hans den Hartog Jager les pages suivantes :

Michaël Dans, book lauch @ Wiels Bruxelles, ce dimanche 17 février

Présentation et signature par Michaël Dans de son livre When the water clouded over (aux Edit!ions du Caïd) au bookshop du Wiels ce dimanche 17 février à 15h. 

Introduction par Jean-Michel Botquin, performance de Douglas Park accompagné par Pascal Schyns

Projection du film  Samouraï de Michael Dans (2018, avec le comédien Philippe Grand’Henry) ce même jour à l’auditorium de Wiels. 

Marie Zolamian, Petites histoires et discretions, L’Orangerie, Bastogne

Est-Ouest-Sud-Nord, 2017. Huile sur toile marouflée sur panneau, 43 x 31 cm.

Marie Zolamian expose en duo avec l’artiste londonienne Emma Shoring à l’Orangerie de Bastogne. Petites histoires et discretions, peintures et dessins, du 16 février au 31 mars 2019

Vernissage le samedi 16 février à 15h

L’Orangerie, espace d’art contemporain
30, rue Porte Haute (Parc Elisabeth)
6600 Bastogne.

On the Road, vernissage ce 7 février 2019

La galerie Nadja Vilenne a le plaisir de vous convier au vernissage de l’exposition


Jacques Charlier
Michaël Dans
Maen Florin
Brecht Koelman
Sophie Langohr
Jacques Lizène
Emilio Lopez Menchero
Jacqueline Mesmaeker
Messieurs Delmotte
Benjamin Monti
Valérie Sonnier
Herman van den Boom
Raphaël Van Lerberghe
Willem Vermeersch
Marie Zolamian

Vernissage le jeudi 7 février 2019
Exposition du 8 février au 17 mars 2019

Gaetane Verbruggen, Espace Jeunes Artistes, La Boverie, Liège

Gaëtane Verbruggen expose au musée de la Boverie à Liège, espace Jeunes artistes.

Du 7 Février au 31 mars 2019
Vernissage le mercredi 6 février 2019 à 18h

Les souvenirs sont tous « authentiques». En principe. On s’attache à un endroit, à une personne, à un objet ou encore parfois à un détail futile. Je cherche à révéler des instants, intraduisibles, fragiles, un peu flous. Mon intention n’est pas de les développer clairement mais de laisser l’esprit de chacun les interpréter librement, s’identifier aux images, se remémorer un sentiment, une émotion, une impression fugitive… Je prends plaisir à capter l’âme de ces instants du quotidien, à retranscrire ce trouble qui, parfois, anime le banal et l’insignifiant. Tout en préservant l’humilité. Durant la recherche effectuée sur ces souvenirs personnels, je me suis intéressée aux lieux oubliés, aux sites remplis d’histoires auxquels personne ne prête attention. Ces endroits, sans figure, qu’une lumière diffuse, blafarde, peut nous rappeler un instant, une anecdote. Nous avons alors la possibilité d’imaginer un passé, un souvenir, fussent-ils de quelques secondes seulement. Des récits différents pour chaque lieu, des émotions différentes pour chaque instant. Nous avançons alors dans une fiction que l’on se construit. C’est une manière de découvrir de nouvelles perspectives sur le monde qui nous environne. Qu’il soit donc réalité ou imaginaire, venu d’une réminiscence ou non, le souvenir est commun à notre histoire à tous. Nous pensons dès lors avoir réussi à approcher la trace durable de toutes ces sensations. Et pourtant, « acquisition, conservation, transformation, expression, la mémoire est une symphonie en quatre mouvements». (Descartes) »

Jacqueline Mesmaeker, poésie balistique, La Verrière, Bruxelles, une introduction

Vernissage de l’exposition personnelle de Jacqueline Mesmaeker à la Fondation d’Entreprise Hermès, la Verrière, ce jeudi 31 janvier à 18h.
En guise de préambule cette excellente introduction du commissaire de l’exposition, Guillaume Desanges.

Un cycle d’expositions est un parcours, une aventure qui démarre sans que l’on sache exactement sur quel territoire elle finira. Lorsque j’ai commencé « Poésie balistique» en 2016, je l’avais placé sous l’égide de Marcel Broodthaers, autrement dit sous le régime d’un art dit conceptuel qui n’avait pas renoncé à la poésie, à cette part incompressible de la création qui échappe au programme et à la raison. Au moment de s’achever, ce cycle, comme un serpent lové sur lui-même, revient sur ses prémices après bien des détours, et se termine avec Jacqueline Mesmaeker dans un esprit aussi raffiné que subversif, à l’instar de celui du maître belge.

Depuis le milieu des années 1970, après des débuts dans la mode, l’architecture et le design, Jacqueline Mesmaeker développe une œuvre aussi discrète qu’originale, mêlant installations, dessins, films, sculptures, photographies et éditions. Partant d’intentions analytiques et de protocoles expérimentaux liés au regard et à la représentation, ses formes restent ancrées dans un univers littéraire et poétique, incluant des références à Lewis Carroll, Mallarmé, Melville ou Paul Willems. Minimal, parfois proche de la disparition, ce travail rare et précis n’en est pas moins proliférant. Il s’empare volontiers de l’espace, jouant avec l’architecture réelle et symbolique dont il révèle les structures et les lignes de force, mais aussi les failles, en déjoue les perspectives ou vient les corriger par touches délicates (1). Du tissu rose soulignant les interstices d’un lieu domestique (2) jusqu’à une serre impénétrable support de projection de films (3), des dessins microscopiques à partir des anfractuosités des murs (4) jusqu’à des dispositifs de cinéma multi-écrans présentant des plans d’oiseaux en vol (5) ou une partie de football (6) : c’est à partir d’une attention portée aux détails, aux incidents et aux situations imperceptibles que l’œuvre de Jacqueline Mesmaeker s’insère dans le réel de manière subreptice et clandestine, opérant à différentes échelles de visibilité et d’invisibilité. Car l’essentiel ici se dérobe au regard : une maquette de bateau enserrée dans des poutres en métal (7), un candélabre coulé dans une colonne de béton (8), et donc uniquement visibles par rayon gamma. Cette pratique de l’esquive éprouve la capacité de l’art à exister en dehors d’une reconnaissance ou même d’une conscience, comme s’il s’agissait de préserver l’idée à l’écart du regard, par une sorte d’exotisme de la sensibilité plus que par perversion. À l’échelle de tout l’œuvre, on note le même caractère insaisissable. Comme si le travail n’était jamais à prendre ni à comprendre, et pour ce faire, jamais fixé, mais se déployait dans le temps comme un virus mutant, se modifiant au gré des inspirations des lieux et des désirs du moment.

Érudit sans être doctoral, le travail de Jacqueline Mesmaeker puise aux grands motifs de l’histoire de l’art occidental : la peinture, la figuration, l’histoire, la nature, le paysage, le cadre, la lumière, etc. Mais cette appétence pour le classicisme, y compris une certaine pompe, est sans cesse mise à distance, comme chez Marcel Broodthaers, par une ironie douce qui ne dit pas son nom et affleure à la surface des choses. On pourrait parler ici d’une sorte d’espièglerie critique, laissant percer l’ordinaire et le trivial dans les interstices d’une certaine solennité classique. Évidence oubliée : l’apparat noble ou bourgeois n’est, quoi qu’il arrive, qu’un apparat, c’est-à-dire un jeu de dupes, qui n’empêche ni la magie, ni le désir d’opérer, bien au contraire. Chez Jacqueline Mesmaeker, si l’or n’est que du bronze doré (9) , si la peinture n’est qu’une image imprimée, si les lucioles sont des photocopies (10), c’est en écho aux faux-semblants qui tissent la trame de nos valeurs et de nos goûts. Derrière ces glissements humoristiques pointe néanmoins une forme d’inquiétude ou de mélancolie, dont on pourra déceler la trace dans la récurrence de motifs comme la pluie, la tempête ou la catastrophe. Plus précisément, c’est le naufrage, motif plus littéraire que pictural, qui concentre cette tragédie latente, dont la source serait à chercher du côté d’Edgar Allan Poe et de son Manuscrit trouvé dans une bouteille (1833) ou encore chez Stéphane Mallarmé et son Coup de dés jamais n’abolira le hasard (1914) où il est également question de tempête, d’écume, de clapotis, de tourbillon et d’accident. Chez Jacqueline Mesmaeker, le motif se retrouve littéralement dans L’Androgyne, installation composée de deux images (le ciel et la mer), chacune éclairée par un système de lampes à l’extrémité d’un axe en «fléau », nommées «avion en phase d’approche» et « navire en détresse », mais imprègne plus largement l’œuvre.

L’exposition imaginée par l’artiste pour La Verrière est une libre composition d’œuvres existantes et de productions spécifiques, inspirée par le lieu, son identité et sa topographie. L’œuvre autour de laquelle s’articule le projet est la photographie noir et blanc d’un paysage, silhouettes d’arbres entre ciel et terre, accompagnée d’une mention imprimée sur le passe-partout : «Versailles avant sa construction ». Jouant sur la puissance évocatrice de la nomination, sur le souvenir et la représentation mentale, cette image réaliste est paradoxalement une forme de trompe l’œil qui, observée rapidement, dissimule son anachronisme et en appelle à une nostalgie factice, dont le rappel se fait par le biais d’un miroir en regard évoquant « Versailles après sa destruction ». On sait comment le jardin à la française, dont Versailles est l’emblème, consiste en un découpage rigoureusement géométrique et symétrique de l’espace, qui est une manière autoritaire de dompter la nature et représente, tout comme la perspective dont il est l’héritier, une véritable politique du regard. À cet absolutisme idéal, Jacqueline Mesmaeker oppose des touches dissonantes jouant sur le décalage, la copie, les inflexions de la main et de la pensée. Des bourses en tissu sous vitrine, des livrets discrètement annotés, des cascades de mots sur les murs ou une poire magiquement pétrifiée : autant de ponctuations subtiles qui fonctionnent moins comme un caviardage de l’institution monarchique que comme un sous texte invisible; dont des bribes éparses flotteraient à la surface des choses. Des signes troubles qui se chargent de sens selon ce que le regardeur y projette en cherchant à y déceler une logique. S’y dessine une réflexion sur le paysage et sa construction, sous la forme du jeu de piste et de l’énigme. C’est précisément cette forme généreuse d’hermétisme que nous venons chercher dans l’univers de Jacqueline Mesmaeker, cet art de désigner un ailleurs de la sensibilité malgré ou justement par la rigueur des formes.

Si ce cycle n’aura peut-être eu de balistique que le nom, puisque comme on l’a dit en introduction son développement a été oblique et sinueux, c’es certainement
à l’image de la trajectoire rare et précieuse de Jacqueline Mesmaeker : une stratégie d’impact plus furtive que directe, qui ne peut toutefois pas manquer sa cible. étant donné qu’elle n’en a pas.

Guillaume Desanges dans Le Journal de la Verrière, n°19.

1 Sway/Snow, 2001. Exposition en duo avec Alain Géronnez
2 Introductions roses. 1995
3 La Serre de Maximilien et Charlotte, 1977
4 Contours clandestins, 1995
5 Les Oiseaux, 1978
6 Surface de réparation, 1979
7 Espace croisé, 1981
8 Stèle 29•29″165, 1989
9 Parking en or, 1984
10 Les Lucioles, 2011

Agenda Février 2019

Jacques Charlier
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Michael Dans
– Szczecin (Pol), Anywhere, but Here / 5. Media State of Emergency, The National Museum in Szczecin, du 8 décembre au 24 mars 2019
– Madrid (E), Arco Madrid 2018, galerie Nadja Vilenne, 27 février – 3 mars 2019
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Maen Florin
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Brecht Koelman
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Aglaia Konrad
– Berlin (D), The eggs abns other shells, galerie Thomas Fischer, du 24 novembre au 2 mars 2019
– Turnhout (B), The Gulf Between – over zwart, wit en alles daartussen, De Warande, du 27 janvier au 21 avril 2019

Charlotte Lagro
– New York (US), Sam Branden/ Claudia Cortinez/ Charlotte Lagro, Bible, 31 janvier – 10 février 2019
– Maastricht (Nl), Beating Time, collectiepresentatie hedendaagse kunst, Bonnefantenmuseum, jusqu’au 12 janvier 2020

Sophie Langohr
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Jacques Lizène
– Antwerpen (B), Salon de Peinture, Muhka, 17 janvier – 17 février 2019
– Madrid (E), Arco Madrid 2018, galerie Nadja Vilenne, 27 février – 3 mars 2019
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Emilio Lopez Menchero
– Madrid (E), Arco Madrid 2018, galerie Nadja Vilenne, 27 février – 3 mars 2019
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Jacqueline Mesmaeker
– Bruxelles (B), Jacqueline Mesmaeker, Fondation d’entreprise Hermès, du 31 janvier au 30 mars 2019 (Commissaire : Guillaume Desanges)
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Messieurs Delmotte
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Benjamin Monti
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Valérie Sonnier
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Herman van den Boom
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Raphaël Van Lerberghe
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Gaëtane Verbruggen
– Liège (B), Espace Jeunes Artistes, La Boverie, du 7 février au 31 mars 2019

Marie Zolamian
– Bastogne (B), Petites histoires et discrétions, Emma Shoring et Marie Zolamian, L’Orangerie, du 16 février au 31 mars 2019
– Liège (B), Road Art, galerie Nadja Vilenne, du 7 févier au 31 mars 2019

Jacqueline Mesmaeker, Fondation d’Entreprise Hermès, La Verrière, Bruxelles, vernissage ce 31 janvier

Pour le dernier volet du cycle « Poésie balistique » initié en 2016 à La Verrière, l’espace bruxellois de la Fondation d’entreprise Hermès, le commissaire Guillaume Désanges présente une exposition personnelle de l’artiste belge Jacqueline Mesmaeker. Elle développe, depuis le milieu des années 1970, une œuvre aussi discrète qu’originale, mêlant installations, dessins, films, sculptures, photographies et éditions. C’est à partir d’une attention portée aux détails, aux incidents et aux situations imperceptibles que l’œuvre de Jacqueline Mesmaeker s’insère dans le réel de manière subreptice et clandestine, opérant à différentes échelles de visibilité et d’invisibilité.

Vernissage le 31 janvier 2019 de 18 à 21h
Exposition du 1er février au 30 mars 2019

La Verrière
50, boulevard de Waterloo – 1000 Bruxelles, Belgique

For the last section of the “Ballistic Poetry” cycle, initiated in 2016 at La Verrière, the Brussels space of the Fondation d’entreprise Hermès, the commissioner Guillaume Désanges presents a personal exhibition of the Belgian artist Jacqueline Mesmaeker. Since the mid-seventies, Mesmaeker has been developing a discreet and original artwork, mixing installations, drawing, films, sculptures, photographs and editions. With her attention drawn to details, incidents and imperceptible situations, Jacqueline Mesmaeker’s artwork inserts itself into reality in a surreptitious and clandestine manner, operating at different scales of visibility and invisibility.

Opening on January 31, 2019 from 6 p.m. to 9 p.m.
Exhibition from February 1 to March, 30 2019

La Verrière
50, boulevard de Waterloo – 1000 Brussels, Belgium

Aglaia Konrad, The Gulf Between – over zwart, wit en alles daartussen, De Warande – Turnhout

Aglaia Konrad participe à l’exposition The Gulf Between – over zwart, wit en alles daartussen à de Warande (Turnhout)
27.01 > 21.04.19
Cultuurhuis de Warande
Warandestraat 42
2300 Turnhout

Aglaia Konrad
Full Circle Avebury, 2016
Epreuves à la gélatine argentique sur papier baryté.


Met ‘The Gulf Between’ presenteert de Warande een tentoonstelling over zwart, wit en alles daartussen.
De titel verwijst naar de eerste Amerikaanse filmproductie in technicolor. Deze film uit 1917 is grotendeels verloren gegaan. Slechts enkele fragmenten bleven bewaard.In het werk van de kunstenaars in deze tentoonstelling voeren tonen van grijs de bovenhand. Het verdwijnen van kleur maakt mee deel uit van de kern van hun praktijk. Zo creëren ze een schemerwereld die op een andere wijze connectie maakt met de werkelijkheid. Deze tonale wereld geeft de werkelijkheid weer zoals we haar ervaren als niet-objectieve deelnemer. De werkelijkheid waar herinneringen, visioenen, en bevreemding hun stempel op drukken. Daarom ook dat – in tegenstelling tot wat we bij het woord grijs vermoeden – deze werken verre van saai zijn, maar vaak net een grote spanning in zich houden.
Toen de kleurenfotografie haar intrede maakte, bleken fotografen vast te blijven houden aan zwart wit fotografie. Net omdat de expressiemogelijkheden hierbij anders zijn. Ook in de schilderkunst zijn er al vroege voorbeelden van zwart/wit of grijze werken. Denk maar aan de grisailletechniek die al in de 15de eeuw opduikt. Deze werken zijn eerder een soort spel van illusie of trompe l’oeil. Ze tonen het technisch meesterschap van de kunstenaar. Pas in de 20ste eeuw gingen kunstenaars de mogelijkheden van het weglaten van kleur als expressiemiddel ook in de schilderkunst verkennen, denken we bijvoorbeeld aan de Belgische kunstenaar Léon Spilliaert aan het begin van de eeuw. In de jaren tachtig kwam er dan specifiek in België de beweging binnen de schilderkunst waarin de kleur verschraalde, met schilders als Luc Tuymans en Bert De Beul.. En recenter zijn er kunstenaars die dit nog verder tot extremen hebben gedreven. Zo bijvoorbeeld kunstenaars als Hans Op de Beeck die dit ook in beeldhouwkunst hebben toegepast. Het weglaten van kleur heeft dan ook een vaste plaats veroverd in verschillende media, denk maar aan eerder voor de hand liggend houtskooltekeningen, maar ook in schilderkunst, beeldhouwkunst, videokunst, enzovoort.. De Warande brengt in deze tentoonstelling een rijke selectie samen van hedendaagse kunstwerken in een palet van zwart, wit en grijs die je op verschillende manieren de kracht van de kleurloosheid doen ervaren.
Met werk van Stephan Balleux, Ruben Bellinkx, Charif Benhelima, Tom Callemin, David Claerbout, Stijn Cole, Johan Creten, Bert De Beul, Rik De Boe, Anouk De Clercq, Ode de Kort, Koba De Meutter, Johan De Wilde, Sanne De Wilde, Reinhard Doubrawa, Geert Goiris, Reece Jones, Aglaia Konrad, Mehdi-Georges Lahlou , Tom Liekens, Katja Mater, Peter Morrens, Marc Nagtzaam, Nadia Naveau, Renato Nicolodi, Jaromír Novotný, Hans Op de Beeck, Veronika Pot, Berit Schneidereit, Stefan Serneels, Renie Spoelstra, Hiroshi Sugimoto, Batia Suter, Luc Tuymans, Rinus Van de Velde, Hannelore Van Dijck, Marcel van Eeden, Sine Van Menxel, Philippe Vandenberg, Jan Vanriet, Kevin Vanwonterghem, Dirk Zoete
curators: Annelies Nagels en Glenn Geerinckx.

Jacques Lizène, Salon de Peinture, M HKA

Jacques Lizène participe à l'(exposition  « Salon de Peinture » qui se tient jusqu’au 17 février au M HKA à Anvers. 

Bienvenue dans notre Salon de Peinture, où vous pouvez tranquillement prendre un moment de répit entre les œuvres de plus de cinquante artistes belges (ou résidant en Belgique). Comme il sied à un salon français, vous y serez séduit(e) par la profusion d’œuvres exposées de haut en bas, de la main de valeurs confirmées comme Fred Bervoets, Luc Tuymans et Walter Swennen ou de talents émergents comme Vedran Kopljar, Anna Zacharoff et Gijs Vilnius. Le Salon de Peinture se situe au sixième étage du musée et son accès est libre.. 

Liste des artistes participants :

Atelier Pica Pica, Jurgen Addiers, Nel Aerts, Magnus Andersen, Nick Andrews, Anastasia Bay, Jean-Baptiste Bernadet, Bram Bogart, Fred Bervoets, MichaÎl Borremans, Kasper Bosmans, Jean‑Marie Bytebier, Antoine Carbonne, Michiel Ceulers, Robert Devriendt, Marlies De Clerck, Raoul De Keyser, Damien De Lepeleire, Gery De Smet, Michael Debatty, Gaston De Mey, Catharina Dhaen, Ilse DíHollander, Alfred díUrsel, Sacha Eckes, Justin Fitzpatrick, Jef Geys, Kees Goudzwaard, Kati Heck, Alfons Hoppenbrouwers, Sanam Khatibi, Vedran Kopljar, Serge Largot, Bert Lezy, Jacques Lizène, Werner Mannaers, Geert Marijnissen, Menno Meeuwis, Gijs Milius, Yola Minatchy, Maryam Najd, Otobong Nkanga, Cel Overberghe, Xavier Noiret-ThomÈ, Tessa Perutz, Roger Raveel, Jean Schwind, Timothy Segers, Riyadh Shakir, Ben Sledsens, Boy & Erik Stappaerts, Walter Swennen, Mitja Tusek, Luc Tuymans, Philippe Vandenberg, Koen van den Broek, Carole Vanderlinden, Jan Vanriet, Guy Van Bossche, Dirk Vander Eecken, Philippe Van Snick, Wout Vercammen, Angel Vergara, Jef Verheyen, Pieter Vermeersch, Ane Vester, Leen Voet, Antoine Waterkeyn, Marthe Wéry, Anna Zacharoff / Flexboj & L.A / Fred Bervoets, Hugo Claus & Jan Decleir / Vaast Colson & Dennis Tyfus