juin 2012

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Honoré d’O: ‘Air and Inner’
Belgian artist Honoré d’O turns everyday materials into spectacular artistic scenarios. Here, he takes that most exceptionally everyday of objects – paper – and uses it in giant, sweeping quantities to occupy much of the length, width and, impressively, height of the cavernous Pier 2/3 space.

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Agenda Juillet 2012

Olivier Foulon

– Liège (B), Galerie Nadja Vilenne, Tokonoma, jusqu’au 30 septembre.
– Bruxelles (B), Wiels, Un-Scene II, du 22 juin au 26 août. Olivier Foulon invite Jacqueline Mesmaeker et Walter Swennen.

Audrey Frugier

– Liège (B), Open Airs, place Saint Barthelemy, 12 mai – 30 septembre

Honoré d’O

– Séoul (Sud Korea), Artsonje Center,  Wanderluts (Francis Alÿs, Marcel Broodthaers, Honoré d’0, Joëlle Tuerlinckx, Panamarenko, 23 juin – 12 août.
– Sydney (Australie),  18e Biennale de Sydney, 27 juin – 16 septembre
– Antwerpen (B), Cinq siècles d’images à Anvers, exposition inaugurale du Museum aan Stroom, 12 mai 2011 – 31 déc. 2012.

Eleni Kamma

– Weimar (D), On dilletantism, ACC Galerie Weimar, jusqu’au 12 août.
– Athène (Gr), P like Politics, P. like Parrots, Macedonian Museum of Contemporary Art (solo). 12.06-23.09.2012

Suchan Kinoshita

– Liège (B), Galerie Nadja Vilenne, Tokonoma, jusqu’au 30 septembre.

Aglaia Konrad

– Genk – Waterschei (B), Manifesta 09, biennale européenne d’art contemporain, jusqu’au 30 septembre.
– Liège (B), Galerie Nadja Vilenne, Tokonoma, jusqu’au 30 septembre.

Jacques Lizène

– Paris (F), Les Maîtres du désordre, Musée du Quai Branly,  11 avril – 29 juillet
– Antwerpen (B), Cinq siècles d’images à Anvers, exposition inaugurale du Museum aan Stroom, 12 mai 2011 – 31 décembre 2012.
– Nice (F), Villa Arson, A la vie délibérée, une histoire de la performance sur la côte d’Azur, 1er juillet – 28 octobre

Capitaine Lonchamps

– Bruges (B), Hallen, Kamarama, du 1er mai au 1er août.

Emilio Lopez Menchero

– Marchin (B), L’Homme Bulle, Bibliothèque communale de Marchin, jusque septembre 2012
– Gent (B), Track, SMAK, 12 mai – 16 septembre
– Zulte (B), Musée Roger Raveel, Biennale van de Schilderkunst – Biennale de peinture, du 1er juillet au 14 octobre

Jacqueline Mesmaeker

– Hornu (B), MAC’S, Le miroir et les chemins, Peter Downsbrough – Jacqueline Mesmaeker – Philippe Durand, jusqu’au 14 octobre.
– Bruxelles (B), Wiels, Un-Scene II, du 22 juin au 26 août. A l’invitation d’Olivier Foulon
– Liège (B), galerie Nadja Vilenne, jusqu’au 15 août.

Eran Schaerf

– Liège (B), Galerie Nadja Vilenne, Tokonoma, jusqu’au 30 septembre.

Valerie Sonnier

– Liège (B), galerie Nadja Vilenne, jusqu’au 15 août

Walter Swennen

– Liège (B), Galerie Nadja Vilenne, Tokonoma, jusqu’au 30 septembre.
– Antwerpen (B), Cinq siècles d’images à Anvers, expo sition inaugurale du Museum aan Stroom, 12 mai – 31 dec 2012.
– Bruxelles (B), Wiels, Un-Scene II, du 22 juin au 26 août. A l’invitation d’Olivier Foulon

 

Emilio Lopez Menchero participe à la biennale de la peinture organisée par le Musée Raveel. 01.07 – 14.10. 2012

Roger Raveelmuseum / Museum D&D.

Gildestraat 2-8
9870 Machelen-Zulte België

De Biënnale van de Schilderkunst is dit jaar aan haar derde editie toe. Dit tentoonstellingsproject ontstond uit de museale ambitie van  zowel het Roger Raveelmuseum als het Museum Dhondt-Dhaenens om het recente kunsthistorische verleden van de schilderkunst te contextualiseren en actualiseren. De bedoeling van de biënnale is om elke twee jaar een specifieke invalshoek te nemen die de schilderkunst van de laatste honderd jaar gericht benadert.

De intentie van de biënnale is in ieder geval niet om objectiviteit of volledigheid na te streven, maar wel om het werk van kunstenaars van verschillende generaties in dialoog te plaatsen en zo een subjectief onderzoek te doen naar een aantal sporen die de schilderkunst sinds de voorlaatste eeuwwisseling heeft gevolgd. Voor de editie 2012 staat het Mensbeeld centraal: hoe hebben kunstenaars sinds het einde van de negentiende eeuw de mens voorgesteld en et welke bedoelingen?

We kiezen er voor om in beide instellingen een andere benadering van het thema uit te werken. In het Museum Dhondt-Dhaenens worden relatief uitgebreide ensembles van een beperkt aantal kunstenaars getoond, terwijl het Raveelmuseum eerder focust op afzonderlijke werken van een uitgebreider aantal schilders. Zo streven we naar een complementariteit, waarbij de keuzes van de werken ook is ingegeven door de specifieke ruimtelijke condities van beide musea.

In de geschiedenis van de westerse schilderkunst is de representatie van de mens een bijna obsessionele bezigheid geworden. In tegenstelling tot andere culturen hebben de Europese en Noord-Amerikaanse kunst de menselijke figuur prominent naar voor geschoven. Over de historische grondslagen hiervan – o.m. de klassieke Griekse en Romeinse kunst en het ontstaan van de moderniteit en het humanisme ten tijde van de Renaissance – hoeven we op deze plaats niet verder uit te wijden.  Talloze kunsthistorische studies zijn hieraan besteed, de afgelopen decennia ook meer en meer vanuit een niet westers en globalistisch perspectief.  Vanaf de jaren 1990 hebben alle edities van de Documenta in Kassel de hedendaagse kunst in een wereldwijde context geplaatst.  Met de Biënnale van de Schilderkunst 2012 trachten we te achterhalen hoe deze verbrede horizon zijn neerslag heeft gekregen in de individuele artistieke praktijk van een beperkt aantal kunstenaars.

Voor de samenstelling van deze biënnale heeft het Raveelmuseum gepoogd om een veelheid van artistieke posities in de schilderkunst van de 19de tot de 21ste eeuw te belichten die geleid hebben tot het gediversifieerde mensbeeld in de schilderkunst van vandaag.  We hebben zijdelings ook aandacht voor de invloed van de schilderkunst op de fotografie die het picturale van meet af aan heeft omhelsd en de typische voorstellingen van de mens in de schilderkunst heeft overgenomen en verder ontwikkeld. Verder gaan we  binnen het algemene thema van het mensbeeld in op deelthema’s zoals de plaats van een genre als het portret in de hedendaagse schilderkunst.

A propos d’Emilio Lopez Menchero :

Emilio Lopez-Menchero is eerder als performance- en videokunstenaar bekend, maar heeft zich recent opnieuw geconcentreerd op de schilderkunst. Ook in dit medium, dat hij op een typisch hedendaagse en vrije manier beoefent, behandelt hij thema’s uit de populaire cultuur of beeldt hij zichzelf af, vermomd als een bekend figuur uit de kunst en de literatuur.

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Walter Swennen, Vetonia, huile sur toile 2007
Olivier Foulon, le souffleur ou l’homme assis (dans le carré) de la peinture, 2008, suite de diapositives.

Les œuvres de Walter Swennen s’inscrivent dans le champ d’une liberté visuelle complète, cette liberté que l’artiste saisit pleinement pour peindre au sujet de quoi que ce soit et sans souci de hiérarchie. Ainsi cette toile récente, « Véronica », représentation d’une ménagère qui étend son linge sur les cordes d’un séchoir de jardin ; des draps de toutes les couleurs et de toutes dimensions. Un tableau ordinaire, en quelque sorte.
Est-ce le titre du tableau qui a inspiré Olivier Foulon ? Peut-être. Cette femme qui étend son linge ne porte en effet pas n’importe quel prénom : Véronique est patronne des lingères. Son voile est célèbre, « vera icona », image vraie, mystère de la figure et de son apparition. Cela n’a certes pas échappé à Olivier Foulon qui a proposé à Walter Swennen de se projeter dans sa peinture, ou plutôt de projeter des diapositives sur le fond clair du tableau, dès lors voile, toile, écran. Il est vrai qu’au carrousel de diapositives correspond le sèche linge, ce manège de jardin sur lequel semblent tournicoter ces carreaux de draps colorés. La métaphore ouvre déjà d’autres perspectives, et sachant que les préoccupations d’Olivier Foulon tiennent entre autres de la lecture des images, de leur reproduction et de l’histoire de l’art ; le tableau s’enrichit de sens.
Voici donc le « Souffleur ou L’homme assis (dans le carré de) la peinture », titre de cette projection de quarante diapositives, qui souffle l’esprit de la peinture tandis que le vent souffle dans les draps de cuisine du tableau. Et le souffleur s’installe dans le « carré de la peinture », non seulement parce que le tableau est quadrangulaire, comme le sont la plupart des linges qui sèchent sur les cordes (hormis quelques petites culottes), mais aussi parce que le fond du tableau est constitué de carrés, ce jeu d’équilibre au bord de la matière, là où l’abstrait et la figuration se rencontrent dans une totale absence de perspective qui ne manque pas de profondeur. Plus précisément, le souffleur s’assoit dans le carré de la peinture, ou dans le carré de peinture, situé en bas et à droite du tableau. De carrés, de carreaux, il sera dès lors bien évidemment question dans la suite de diapositives projetées sur le tableau, des images subtilement sélectionnées et qu’Olivier Foulon, tout en chaînant cette suite de reproductions à ses travaux précédents, choisit autant pour leurs qualités intrinsèques que pour le sens, parfois sous-jacent, qu’elles ont les unes par rapport aux autres, ou en l’occurrence, par rapport au tableau de Swennen, ou encore en fonction de ses propres affinités, déroutant parfois le spectateur mais le ramenant toujours au centre du carré de la peinture. Défilent donc le Carré Noir sur Fond Blanc de Malevitch, celui peint sur un tableau-socle de plâtre, les restaurateurs de celui-ci, Malevitch lui-même dans un champs, ou la tombe de l’artiste constituée du simple carré noir sur fond blanc de l’Absence, la porte de son studio ou une étudiante de l’artiste, assise sous un tableau quadrangulaire. Défilent de la même manière les toiles monochromatiques de Blinky Palermo dont on connaît le sophistiqué sens de l’humour, les études pour « To the people of New-york », ses derniers travaux (1976-77), des clichés de son studio, photographié par Imi Knoebel, lui aussi héritier de l’enseignement de Düsseldorf tout comme d’ailleurs du formalisme spirituel de Kazimir Malevitch. S’enchaînent les carreaux de couleurs du pourpoint de l’Arlequin de Picasso, les chartes de couleurs de Goethe et de Gournes, mais au même titre que Samuel Bekket buvant un soda, Thomas Bernhard roulant à vélo dans son château, René Daniels jetant des toiles dans un conteneur chez lui à Eindhoven, Kurt Schwitters en barque ou, magnifique cliché, peignant en plein air sous un parapluie face à une chaîne de montagnes enneigées. Il y a même Buster Keaton accompagné de Brouwn Eyes, la jeune vachette qui se prend d’amitié pour lui dans le film « Go West ». Il y a là aussi un simple carton publicitaire pour l’eau minérale San Pelegrino, mais annoté de cette question : Wast ist aura ? par Walter Benjamin, lui-même. Olivier Foulon s’empare une fois encore des stratégies broodtharciennes : cette projection est comme une fiction qui permet de saisir la réalité et en même temps ce qu’elle cache. Marcel Boodthaers est d’ailleurs bien présent avec « Amuser, Le plus beau tableau de monde », ce qui nous rappelle que Walter Swennen entretient d’étroits rapports entre le texte, le graphe, l’aphorisme, l’image et la peinture, comme avec Marcel Broodthaers. Olivier Foulon fait là un clin d’œil à ses aînés, de même lorsqu’il glisse une « Totenkopf », une tête de mort de Cézanne, un sujet qui parcourt les toiles et dessins de Swennen depuis longtemps. Le « Souffleur » enfin, ce sont deux reproductions de peintures de Foulon lui-même, deux simples… carrés colorés posés chacun sur une page blanche. Ce carré de couleur, c’est le trou du souffleur. (JMB)

Jacqueline Mesmaeker, 17 Doutes 1992, encore sur papier. Olivetti Typewritter.

Olivier Foulon, Sans titre, 2009 / 2011 / 2012. Technique mixte sur papier quadrillé.

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Triple vernissage ce jeudi 28 juin à la galerie Nadja Vilenne, dans le cadre des Parallel Events de Manifesta 09

Tokonoma (titre provisoire)

Suchan Kinoshita, Aglaia Konrad, Willem Oorebeek, Eran Schaerf, Olivier Foulon, Walter Swennen, Kris Kimpe (architect), Joerg Franzbecker (curator). And guests.

Le processus de ce dispositif commun, de cette œuvre collective, est en route depuis le début du mois de mai. On trouvera trace des premières étape de ce processus sur le blog de la galerie : #tokonoma. Nous vous invitons à venir découvrir un premier statement, avant que ce processus de création collective ne reprenne. Il ne se terminera que le 30 septembre.

Jacqueline Mesmaeker (Franz Hals / Paul Claudel)

Après son premier solo à la galerie fin 2011/2012, alors qu’elle est l’invitée d’Olivier Foulon au Wiels à Bruxelles dans le cadre de Un-Scene II et qu’elle exposera durant l’été aux côtés de Peter Downsbrough et de Philippe Durant au Musée des Arts Contemporains du Grand Hornu dans le cadre de l’exposition « Le Miroir et les Chemins » (commissaire Denis Gielen), Jacqueline Mesmaeker dévoile une œuvre à la galerie : « Franz Hals / Paul Claudel », réactivation d’un travail montré en 1990 au Franz Hals Museum de Haarlem. Jusqu’au 15 août.

Valerie Sonnier (Faire le photographe)

Le public de Art Brussels a pu découvrir quelques uns de ses dessins. En voici d’autres. Ainsi qu’un livre, récemment publié aux Editions Yellow Now, avec des textes de Bruno Girveau et Dominique Païni : « Le Cahier des morts minuscules ».

Dans les premières pages des Cahiers de Malte Laurids Brigge, Rainer Maria Rilke écrit : « On savait jadis (ou peut-être sentait-on) que l’on avait la mort en soi tel un noyau dans le fruit. Les enfants avaient une petite mort en eux, les adultes une grande. » […]
C’est peut-être l’idée d’une échelle réduite de la mort qui a conduit Valérie Sonnier à réaliser ces séries de dessins, il y a maintenant un peu plus de vingt ans, pour l’éloigner, cette mort, la rendre moins terrifiante, jouer avec elle. Jouer, ce n’est pas autre chose que s’emparer d’un monde en modèle réduit pour s’en rendre maître. Or, seuls les jouets permettent d’appréhender le monde des adultes tout en s’en préservant.

Née en 1967, Valérie Sonnier vit et travaille à Paris.
Elle est professeur de dessin et de morphologie aux Beaux-arts de Paris depuis 2003. Diplômée de cette même école en 1993, elle a suivi le séminaire de Jeff Wall à l’Université de British Columbia à Vancouver pendant la dernière année de son cursus. Elle développe, depuis, un travail personnel à travers une pratique multimédia. Elle utilise le dessin, la peinture, la photographie et le film Super 8 pour tisser des liens entre ses souvenirs intimes et la mémoire collective de l’enfance, et pour aborder les notions de présence, absence, apparitions fantomatique.
Exposition à la galerie jusqu’au 15 août. Signature du livre le 28 juin.

Durant l’été, jusqu’au 15 août, la galerie est accessible sur Rendez Vous. 00.32.4.227.19.91 – 00.32.475.90.52.26.

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Dans Beaux-Arts Magazine, Jean de Loisy joint le geste à la parole. Chamanique.

Jacques Lizène, Petit Maître à la fontaine de cheveux, 1980.
« La photo de Jacques Lizène, artiste contemporain belge qui se définit comme « le petit maître liégeois » et aussi petit maître du désordre, fait écho, avec sa fontaine de cheveux dressée sur la tête, au dispositif de la houpette de clown Auguste qui lui permet de faire jaillir un jet d’eau au sommet de son crâne. Cela rappelle également les bouffons rituels de l’Amérique du Nord comme, dans la vitrine, le masque d’origine Seneca qui permet d’établir une connexion avec le souffle du Grand Esprit. »
Beaux-Arts Magazine / juin 2012, Une visite chamanique, avec Jean de Loisy commissaire des « Maîtres du Désordre », p.101.


 

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Lu dans H.ART, sous la plume de Colette Dubois

 

 

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Jacques Lizène participe à l’exposition « A la vie délibérée, une histoire de la Performance sur la Côte d’Azur de 1951 à 2011 », organisée à la Villa Arson à Nice. Du 1er juillet au 28 octobre.

« A la vie délibérée ! » est conçue comme l’aboutissement d’un programme de recherche mené par la Villa Arson depuis septembre 2007  sur l’histoire de la performance sur la Côte d’Azur de 1951 à nos jours. Il s’agit de restituer au public lors de l’été 2012 le fruit de ces investigations par la mise en ligne d’une base de données la plus exhaustive possible sur le sujet, une publication et une exposition réunissant photos, vidéos, documents, récits écrits ou oraux pour la plupart inédits, dans une scénographie conçue comme une revue dispersée dans l’espace, une publication à visiter.

L’aventure débute en 1951 et 1952 avec la présence des Lettristes au Festival de Cannes, avec notamment la projection en 1952 du film sans images et sans pellicule Tambours du Jugement Premier de François Dufrêne conçu comme une véritable performance collective. La recherche passe ensuite par les inventions formelles d’Yves Klein et d’Arman dès le milieu des années 1950, puis par le Nouveau Réalisme, Ben et son Théâtre Total et Fluxus, la présence de George Brecht et de Robert Filliou à Villefranche-sur-Mer avec  La Cédille qui Sourit entre 1965 et 1968.

Cet immense inventaire en forme d’enquête révèle une contre histoire de la Côte d’Azur, érigée face aux fastes et aux strass de la Riviera, portée par plusieurs générations d’artistes qui ont tous pour but de déstabiliser les codes et les conventions sociales, culturelles ou politiques. En ce sens, cette aventure s’inscrit dans une véritable étude sociologique et anthropologique de toute une région, tout en épousant ou en croisant la plupart des préoccupations esthétiques des soixante dernières années. Si la performance est l’art de la limite des genres, des formes, des espaces et de la pensée et bien sûr du corps, elle est avant tout une ode à la vie et un choix de vie. Le commissariat de ce vaste projet a été confié à Eric Mangion et Cédric Moris Kelly.

Jacques Lizène a produit pour l’occasion un récit de ses performances d’art comportemental menées en 1965 à Antibes et Juan les Pins. Un témoignage sonore de 8 minutes 49 dont voici le verbatim.

Verbatim

Enregistrement. Clac.

– Jacques Lizène : A Liège, en 1964,  afin d’essayer d’intéresser les jeunes femmes, j’ai commencé l’Art comportemental. Mais comme cela ne les intéressait pas du tout, j’ai continué de le faire comme passe-temps,  un peu comme, aux cartes, on fait une patience. C’était un peu inspiré du Théâtre Invisible, mais ce n’était pas du théâtre invisible. C’était invisible, imperceptible, perçu non perçu. Non, ce n’était pas du théâtre invisible, c’était de l’art comportemental déambulatoire. Je l’ai également fait à Juan les Pins et Antibes. Comme il faisait très chaud, durant les vacances, et que durant la journée je préférais rester au frais, je faisais cela en soirée. L’art comportemental déambulatoire, ce sont des attitudes.

Ainsi, je me promène dans les rues d’Antibes et de Juan les Pins et je m’arrête, même quand il n’y a personne, et je prend une pose de sculpture. Ou alors, surtout quand il n’y a personne, je marche, je m’arrête et je retourne mon jeans. Je mets mon jeans à l’envers et je continue à me promener ainsi. (Rires). J’insiste : ce sont des arts comportementaux destinés à être carrément imperceptibles ou invisibles. Ce ne sont pas des performances, d’ailleurs on n’appelait pas cela ainsi à cette époque-là. Ce n’est pas non plus de l’art action ; ce n’est qu’en 1970 que j’en apprend l’existence. Je me souviens que la musicienne – artiste – plasticienne qui chantait « O Superman, o, o, o, o », … Laurie Anderson, et qui en 1981 passe au Cirque Divers à Liège, déclare à Michel Antaki  qu’elle ne comprend pas le sens donné en Europe au terme même de performance, puisqu’aux Etats Unis, une performance, ce peut être un violoniste jouant du Bach. « Art action », terme utilisé à la fin des années 60 et durant les années 70 est plus juste. Je faisais donc, sans le savoir, de l’Art action. Moi j’appelais cela « Art comportemental déambulatoire ». En fait cela ressemblait également à la dérive urbaine des pré – situationnistes, mais sans le côté politique, ce qui en fait n’est pas du tout pré – situationniste, plus proche de l’attitude baudelairienne, celle de la promenade dans Paris ; plus proche aussi de certains surréalistes : je pense aux promenades d’Aragon. Dans mon cas, c’était plutôt pour passer mon temps. Dans un premier temps, ce fut pour tenter d’intriguer les jeunes filles, qui s’en fichaient complètement. Ensuite, ce fut, simplement, pour faire quelque chose.

– C’était en quelle  année ces comportements à Antibes et Juan les Pins ? Et plus précisément, en quoi consiste ce quelque chose ?

– En 1965. J’avais vu la sculpture de Giacometti, « L’Homme qui marche », à la Fondation Maeght. Oui, elle venait d’être installée. J’avais également vu des photos des années 50 de Picasso faisant le pitre dans son atelier, ce sont des photos du belge Paul Haesaerts. Picasso s’habille d’un drap de lit, par exemple, et fait la statue grecque, ou il fait la statue égyptienne, de profil. J’ai donc aussi fait la statue égyptienne en me promenant ou l’Homme qui marche. Dans la foule, je m’arrêtais brusquement en pointant quelque chose du doigt, sans raison. (Rires). En fait, c’était plutôt des attitudes d’étudiant des Beaux Arts, ou de carabins, ou de potaches. Je suis un peu potache. Un grand artiste comme Jarry était aussi un peu potache. Ce n’est donc pas péjoratif. Jarry a fait bien mieux dans le genre : il va avec sa sœur à l’opéra, il est affublé d’une fausse cravate en carton, il est au pigeonnier et juste au moment des premières mesures, il se lève et déclare très fort : « Je ne vois pas pourquoi ceux qui sont aux premiers rangs ont eu le droit d’apporter leur instrument ». (Rires). Voilà de l’art comportemental magnifique. Dès 1965, je marche très lentement aussi, ce qu’a fait Orlan en 1969. (Rires). Mais elle ne me connaissait pas et je ne la connaissais pas non plus, à cette époque là. Marcher très lentement, c’est très amusant. Ou marcher à l’envers, mais je ne l’ai pas fait très longtemps, parce que c’est assez dangereux. (Rires). Et comme j’ai toujours été méfiant… Donc marcher lentement, ou marcher à l’envers, ou s’arrêter brusquement en pointant quelque chose du doigt, ou prendre des poses en référence à l’art égyptien ou à Giacometti, voilà ce que j’appelais de l’art comportemental déambulatoire. Est-ce que cela vaut la peine d’en parler ? Oui, parce qu’il y a là les prémices de l’art d’attitude (1965), du perçu et non perçu, de la Vasectomie sculpture interne invisible. Dans l’art comportemental, il y a les ferments – je crois que cela se dit – de toute l’œuvre du Petit Maître, jusqu’aux expositions invisibles ou virtuelles. Toutes ces positions sont déjà en prémices dans l’Art Comportemental déambulatoire, 1965, Antibes Juan les Pins. (On passait très facilement d’Antibes à Juan les Pins). Voilà. (Rires). (8 min 49).

Note

A ces manifestations d’art comportemental, on peut en ajouter quelques-unes également datées des années 1964 et suivantes. Faire le tour de la ville de Liège avec le tram 4 comme s’il s’agissait d’un grand carrousel forain. Ne pas descendre du tram 4 au terminus et refaire le tour de la ville (comme dans un circuit fermé). Traverser dans un sens et dans l’autre un passage pour piéton, pendant un certain laps de temps. Descendre et monter les escalators d’un grand magasin dans un sens et dans l’autre pendant une heure. (Circuit fermé). Cette dernière action a été menée à Liège avec Charles Bresmal.

Les actions d’art comportemental ont fait l’objet de remakes. Je suis le témoin de l’une d’elles, menée à l’été 2010 à Malaucène, au pied du Mont Ventoux.

A l’aube, prenant le frais sur un banc devant l’hôtel où je rentrais après une fort longue soirée passée chez Guy Scarpetta, j’ai vu au loin dans la rue le Petit Maître sortir de chez le même Guy Scarpetta, dans un état proche de ce que peut être l’état d’un Petit Maître après une très longue soirée. Se croyant seul en rue, au petit jour naissant, le Petit Maître a fait à diverses reprises « L’homme qui marche » et la « statue égyptienne ». Il marchait fort lentement, mais sans doute pour d’autres raisons que des raisons d’art comportemental.

Vito Acconci a soigneusement archivé ses « Street Works, situations using street, walking, running ». Voir à ce sujet : Vito Acconci, diary of a body 1969-1973. Jacques Lizène n’a jamais archivé ses actions d’art comportemental. Mon témoignage d’une action, alors que le Petit Maître se croyait non perçu, peut dès lors être considéré comme première archive directe d’une «  action d’art comportemental déambulatoire pour prémisse d’art d’attitude en remake ».

Jean –Michel Botquin

 

 

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Museum Alex Mylona – Macedonian Museum of Contemporary Art presents Eleni Kamma’s exhibition P like Politics, P like Parrots”, curated by Denys Zacharopoulos and Alexios Papazacharias and produced by Eleni Kamma in collaboration with the Museum Alex Mylona – MMCA.  The installation presented has been specifically developed for the Museum Alex Mylona – MMCA in collaboration with Belgian architect Breg Horemans and is accompanied by a special edition-200 copies only-catalogue designed by Salome Schmuki. The exhibition will remain open until the 23rd September 2012.

 “What is unlikely to happen never goes alone. With this happy closing phrase, a real golden key for a sonnet, breakfast came to an end.”
Jose Saramago, Seeing

Eleni Kamma’s solo exhibition, P like Politics, P like Parrots, is the first part of a trilogy investigating possible and manifested contemporary European notions of common place created at the crossroads of music and architectural practices. Kamma examines the notion of spectacle in spaces of production such as the Lijnbaankwartier, the back stages of Architecture Museum in Stockholm, or public spaces like the piazalle Michelangelo in Florence. Through folding and  unfolding gestures in emblematic places and spaces, a series of paradoxical hypotheses and strange identification experiments develop in her latest videos, drawings, and objects. Each result of these experiments verifies a hypothesis, which enables the creation of relations that reveal hidden common ground between different models and systems in Kamma’s work.

The exhibition develops, extends, engages and connects the two videos the artist created in Sweden in 2011, with the architectural space of Museum Alex Mylona. Inspired by the social phenomenon of choirs in Scandinavian countries, the videos P like Politics, P like Parrots and Malin and Τor: two architects in conversation mark the starting points of a single installation, where the whole and its parts coexist in order to create an interlude. Kamma undermines identification mechanisms and concept- generating procedures, gradually revealing the manipulation and speculation of experience, opinion, aesthetics, knowledge and history.

In Greece, museums are usually defined as places of preservation and exhibition of Greek antiquities and Greek tradition. Kamma’s work strongly comments on the role of the museum as a dynamic social structure with an active social role, turning the museum into a place of social coexistence, where the creation of meaning and history is not due to a single man or authority. At a turning moment of big economic and social uncertainty in Greece, Kamma’s solo exhibition at Museum Alex Mylona-Macedonian Museum of Contemporary Art, Athens and later at Macedonian Museum of Contemporary Art, Thessaloniki, is an open invitation to the citizens of both cities. Self-mirroring, self-reflective processes  introduce the public to different social forms and practices, proving that ideas and interpretations emerge from the actions and choices taken by an open and wide society.

Eleni Kamma was born in 1973 in Athens. She studied painting at Athens School of Fine Art (1995-2000) and at Chelsea College of Art & Design, London (MA Fine Art 2001-2002). Between 2008 and 2010 she was a Post-Graduate Fine Art Researcher at the Jan van Eyck Akademie in Maastricht, on a scholarship from the Dutch state.  She lives and works in Maastricht and Brussels, where she participated in the 2010 WIELS Artist-In-Residency Program.

In 2007, Eleni Kamma was a nominee for the 5th Deste Award and was awarded the Premio Stima Lissone Award. Solo exhibitions include:From Bank to Bank on a gradual slope ,Villa Romana,Florence (2012), Enlever et Entretenir IΙ, WIELS, Centre d’Art Contemporain, Brussels (2011), Enlever et Entretenir I, HEDAH,Maastricht (2010), Forgotten Ties, Nadja Villene, Lieges, (2009), Once past the years of green emotion, Lorainι Alimantiri/gazonrouge, Athens (2007). Her work has been included in numerous group shows, such as: On Dilettantism, ACC Weimar (2012), Found in Translation,Chapter L, Casino Luxembourg, (2011), Botanies of Desire, SALT Beyoglu, Istanbul (2011), Animacall-The Animation project, State Museum of Contemporary Art, Thessaloniki, (2011), Weaving In and Out, No Longer Empty/Tapestry, New York (2010), Visual Dialoges, Onassis Cultural Centre (2010), Expanded Ecologies, National Museum of Contemporary Art, Athens (2009), Chanting Baldessari, Museum Bonnefanten, Maastricht, Holland (2008), 1stInternational Moscow Young Biennial, Moscow, Russia (2008), L’Art en Europe, Domain Pommery, Rheims, France (2008), In Present Tense. Young Greek Artists. National Museum of Contemporary Art, Athens (2007), Lissone 2007 Award, Lissone, Museum of Contemporary Art, Milan (2007), 10th International Istanbul Biennial, Istanbul (2007), Other Spaces, 1st Thessaloniki Contemporary Art Biennial: “Heterotopias”, Thessaloniki (2007), 5th DESTE Prize, DESTE Foundation, Athens (2007).

In 2011 Kamma was a resident artist at the IASPIS Residency Program of Stockholm, at Villa Romana, Florence and at Duende, Rotterdam.

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Le Wiels communique :

Vouloir formater le dynamisme artistique d’un pays sous le label plus ou moins précis de ‘scène’. C’est dans ce contexte quelque peu intangible, bâti lui-même sur des fondements linguistiques, historiques et culturels pluriels que l’exposition Un-Scene II tente de représenter ce qui pourrait être appelé la scène artistique belge émergente. Un-Scene II dresse un portrait subjectif d’un lieu, d’un moment et, plus encore, d’un ensemble de préoccupations artistiques portées par la pratique d’artistes belges ou ayant choisi la Belgique comme terrain de développement pour leur travail.

Un-Scene II est la deuxième édition d’une triennale mise en place par WIELS et le résultat de l’engagement continu de l’institution vis-à-vis des démarches et des questionnements artistiques qui l’entourent. A travers les langages singuliers et les pratiques spécifiques de douze artistes invités ; faisant usage de médiums aussi variés que la photographie, la peinture, la sculpture, l’installation, la performance ou la vidéo ; Un-Scene II est une exposition qui esquisse quelques-unes des questions qui animent et bousculent la production artistique belge actuelle.

Les artistes :

Nel Aerts
Harold Ancart
Abel Auer
Olivier Foulon invite Jacqueline Mesmaeker & Walter Swennen
Steinar Haga Kristensen
Gerard Herman
Dorota Jurczak
Vincent Meessen
Sophie Nys
Eléonore Saintagnan
Michael Van den Abeele
Peter Wächtler

Commissaires : Elena Filipovic & Anne-Claire Schmitz
Vernissage jeudi 21 juin à partir de 19h30
Exposition du 22 juin au 26 août

 

 

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Exposition de clôture de la résidence d’Eleni Kamma à la Villa Romana à Florence : From Bank to Bank on a Gradual Slope.

Eleni Kamma’s practice is informed by the inherent gaps and contradictions within existing cultural narratives and structures. By revisiting systems of classification and strategies of description and taxonomy, she examines the relation of the cliché, the banal and the stereotype, to the formation of history and the production of meaning. Her recent body of work examines how can words and images co-exist and create meaning by disrupting it; make sense by seemingly letting meaning collapse.

The starting point for this exhibition, whose title is taken from the sonnet of Averardo Genovesi from 1838, is the film “Georgofili”*, a 27 minutes HD film produced in 2012, for the purposes of which Kamma conducted research during her residency at the Villa Romana, as an international visiting artist in 2010 and 2011. Throughout “Georgofili”, an assemblage of different in time voices of Italy takes place. The old genre of Tuscan “Contrasto” verbal duels, in which the performers-poets Emilio Meliano and Realdo Tonti use their arguing skills to debate the politics and morality of contemporary Italy, meets historical educational dialogues from the age of enlightened despotism, performed and commented by the young Italian actors Lavinia Parisi and Marco Rustioni.

The exhibition “From Bank to Bank on a Gradual Slope” stages the premiere of the film among a selection of found objects placed on shelving structures developed specifically for the rooms of the Villa Romana in collaboration with the Belgian architect Breg Horemans. Windows and doors of the main exhibition rooms are projected along their own axis, until the point where they interfere. These crossing points shape the outline of the flexible and adjustable shelving structures.

The exhibition is accompanied by a printed edition of the Georgofili script, designed by Salome Schmuki. “From Bank to Bank on a Gradual Slope” openly invites the viewer to a spatial exploration between lived experience and a simultaneous reflection of contemporary Florence.

Eleni Kamma was born in 1973 in Athens and lives and works in Brussels and Maastricht. She was nominated for the 5th DESTE Prize and received the Lissone Award in 2007. Solo exhibitions include Enlever et Entretenir II, Wiels Project Room, Brussels (2011), Enlever et Entretenir I, HEDAH, Maastricht (2010), Forgotten Ties, Nadja Villene, Lieges, (2009). She has participated in numerous group exhibitions such as Found in Translation, Chapter L, Casino Luxembourg (2011), Expanded Ecologies. Perspectives in a time of emergency, National Museum of Contemporary Art, Athens (2009), Freeze! Who is there? 1st International Moscow Young Biennial, Moscow (2008); Chanting Baldessari, Bonnefanten Museum, Maastricht (2008); 10th International Istanbul Biennial, Istanbul (2007); Other Spaces, 1st Thessaloniki Contemporary Art Biennial: Heterotopias, Thessaloniki (2007); Take My Breath Away, Galerie La Centrale-Powerhouse, Montréal (2006).

* The Accademy of the Georgofili was founded in Florence in 1757 in order to promote science in favour of agriculture.

Georgofili, 2012
25 minutes, HD video, color, stereo sound, 16:9, Italian spoken, English Subtitles, NL
Tuscan Contrasto in Ottava Rima Verbal Duel
performed by Emilio Meliano and Realdo Tonti
19th century Tuscan Agricultural Dialogues
read,performed and commented by
Lavinia Parisi and Marco Rustioni

V.R.62.LA.21, mixed media, 2012

V.R.41.65.SE, mixed media, 2012

V.R.12.40.S5, mixed media, 2012

V.R.13.I3, mided media, 2012

photos : Ela Bialkowska

Voir sur Vimeo l’interview d’Angelika Stepken, directrice de la Villa Romana

 

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PREFAB, Frankfurter Küche also stands for women in kitchens, but great chefs are men, 2012. Installation, variable dimensions.

Dans le catalogue, « Manifesta 09, The Deep of the modern. A subcyclopedia », Katerina Gregos écrit :

The photo-based work of Aglaia Konrad revolves around a long-term research into modernist architecture, the social housing utopias of the twentieth century, and the transformations or mutations of these models in the new millennium.
For Manifesta, Konrad investigates the development of housing during the industrial years of the early twentieth century, with the increasing need for workers’ housing and for functional, cheap, pragmatic solutions and pre-fabricated systems. She examines paradigms such as those of the modernist architects Konrad Wachsmann (1901-1980) who developed the mass production of building components, Ernst May (1886-1970), who conceived large scale housing development programs based on egalitarian ideals, and Margarete Schütte-Lihotzky (1897-2000), who designed the famous’ Frankfurt Kitchen’, which is considered the forerunner of modern fitted kitchens and a milestone in interior design aimed to facilitate the domestic life of the new working woman. Bringing together a plethora of archival photographic material and quotations, Konrad presents her work as an architectural installation with several stands or booths divided across a grid and arranged in the space. The installation provides a wealth of visual information and comparative case studies that provide insight into the thinking, development and organisation of prefab housing and domestic life/ space for the working classes, highlighting issues regarding the economy of space, the question of social engineering through housing, and the architectural repercussions of social and political reform that came with the rise of the need for social housing.

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16 juin

Des murs derrière des murs. Je me rends compte que ce Tokonoma est une partie où les joueurs avancent leurs pions sur un échiquier où tout se répond, comme s’il s’agissait, consciemment ou intuitivement, d’enchaîner, de rebondir, de mettre en situation des propositions qui, tout en restant singulières, participent au tout et donnent lieu à de nouvelles lectures. Ainsi, le dessin de Walter Swennen, daté de 1997, accroché sur le plan de carreaux de plâtre, non loin de cette trahison des images revisitée par Eran Schaerf agit presque commune une mise en abyme. N’est-il pas la superposition de deux plans, l’un blanc, surface kaolin, l’autre mur de briques rouges, ces deux plans ponctués à gauche d’une tache, là même où serait accroché ce dessin ? Il brouille même, et complexifie, cette idée qu’ « un objet fait supposer qu’il y en a d’autres derrière lui ».

Nouveaux trucs, nouvelles combines, dirait Marcel Broodthaers, Walter Swennen aime les systèmes D. La peinture serait plus une affaire de tactique que de stratégie. Lorsque Suchan Kinoshita l’a invité à participer à ce Tokonoma, Walter Swennen ne lui a pas parlé peinture mais a fait savoir qu’il était prêt à venir planter des clous. Les châssis de Walter Swennen sont parfois de magnifiques systèmes D. Ses sculptures aussi, lorsqu’il bâtit une cabane dans une galerie d’art, s’empare de deux pinces à linge pour créer un avion (celui de Joseph Beuys, dira-t-il) ou compose une fontaine à l’aide de trois pots de Sigma satin, d’une plante maigrichonne et de quelques canettes ou boîte de conserve. Walter Swennen a créé cette fontaine alors que, littéralement, il plantait sa tente, littéralement, en guise d’atelier temporaire dans l’un des espaces de Tour & Taxis  à Bruxelles pour l’exposition « Belgian System », un système B en quelque sorte, en 2001.  Walter Swennen a placé sa fontaine au sein du dispositif, légèrement en retrait tandis qu’il accroche sur la cimaise la plus brute, celle en carreaux de plâtre, une petite huile au couteau, comme un souvenir de cette journée où, collectivement, il fut question de l’inclinaison de la rampe diagonale du « Tokonoma ». Sept traits colorés apparaissent sous le couteau du peintre. Ils sont comme les plans verticaux du dispositif, les quatre premiers traversés par une diagonale. Quatre entailles, un trait diagonal, c’est là, aussi, le système D de toute numération.

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« Wanderlust » au Artsonje Art Center de Séoul (Corée) regroupe des oeuvres de Marcel Broodthaers, Panamarenko, Francis Alys, Joëlle Tuerlinckx et Honoré d’O. Du 23 juin au 12 août.

Artsonje Center is pleased to present WANDERLUST: A Never Ending Journey to the Other Side of the Hill from June 23 to August, 2012. WANDERLUST is an exhibition project developed in Belgium and realized in close collaboration with Samuso in Seoul. It is focused on five major Belgian visual artist, among whom some of the most infuential classical figures in Western art history of the 20th century such as Marcel BROODTHAERS or PANAMARENKO. WANDERLUST is conceived and curated by Prof. Hans de Wolf from the Free University of Brussels (VUB).
WANDERLUST is probably one of the most beautiful words in the German language and is universally understood as referring to a profound desire to leave the conventions of everyday life behind, in order to discover other cultures and other habits. It could be said that WANDERLUST is as old as mankind, however it obtained a particular meaning when at the beginning of the 19th century the artists of German romanticism embraced it as a key concept in their struggle against the cold heritage of rationalism and the age of enlightment.

WANDERLUST is for instance what brought Francis Alys to Mexico City, and although nowadays he is creating his work in such difficult places as Afghanistan (his contribution to DOCUMENTA this year), Mexico became his safe haven, and an unlimited source of inspiration for his work; a place where, according to one of his famous drawings, everything goes and even goes fine… as long as he is walking. Moving, as a primarily condition for opening the artist’s mind, making him accessible for the poetry that is around, and that nobody ever noticed before, is also fundamental for the mindset of Honore d’O. During the Venice Biennial in 1999, both d’O and Alys entered into the city at the same day, but by other means of transport. During three days they walked on looking for each other. The first carried the lower part of a Tuba Helicon, the other the upper part.

For the WANDERLUST exhibition in Seoul, d’O created a spectacular installation piece that became the icon of the poster. Laying on the water, the pedestrian strip not only suggests the desire to reach the other side of the river, it also brings the WANDERLUST idea on a mental level and refers to the old European tradition of Christianity, where walking on the water is a matter of inner conviction.

This exhibition in Seoul could not pass beside the inventive genius of PANAMARENKO.? For more than forty years the artist used a scientific and technological knowledge in order to discover the most exiting devices that would all have been extraordinary inventions, if only they had worked. For the first time in Korea the exhibition contains some of his work in robotics and a series of plans and designs.

WANDERLUST can also be experienced as a necessity to travel away from the present and the oppressing stupidity of society by the mere force of the artist’s imagination. It is in this sense that the spectacular Jardin d’Hiver (Winter garden) by Marcel BROODTHAERS has to be understood. Composed out of domestic palm trees, modest garden chairs and exotic pictures found in an illustrated encyclopedia, this installation accompanied by a film and melancholic musical score is focusing on the difficult position of the artist as a mediator society. This type of installations has been, and still is, highly influential on several generations of artists in Europe.
The work of Joelle Tuerlinckx reflects a similar mindset. As an artist Tuerlinckx is trying to constitute the basic principles that connect our mind with our environment. In the exhibition two of her major systems (and obsessions) are brought together for the first time: stones and birds. They are installed as representative for two different instruments to investigate the world.

The WANDERLUST exhibition comes with a wide variety of documents, objects and artworks that help to contextualize and deepen its basic arguments, including original artworks by Duchamp and Boetti, documents on Goethe, Sterne and Klebnikov. May it lead to a profound Korean WANDERLUST experience.

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Honoré d’ O participe à la 18e biennale de Sydney conçue, cette année,  par Catherine de Zegher and Gerald McMaster. Du 27.06 au 16.09.

Le communiqué :

We are moving on from a century in which the radical in the arts largely adopted principles of separation, negativity and disruption as strategies of change. Based on oppositional thinking, such modernist principles proved tenacious and acted as a default criticality in a world in which the drive to progress became more complicated and the consequences more ambiguous.

A changing reality is apparent in a renewed attention to how things connect – how we relate to each other and to the world we inhabit. Art is a part of this growing awareness. Where once there was an emphasis on alienation and distance, there are now concurrent shifts of thinking that are informing the work of artists and writers across the world. These shifts – incipient and partly unformed – are only now beginning to be acknowledged, but are of real significance.

In the arts, as elsewhere, analytical reflection has led to an understanding that human beings are highly dependent upon our often overlooked relationships with others and with our common world. While this connective model is still embedded in a few societies, established western cultural patterns have tended to emphasise the fragmentation and isolation of the individual. As a result, there are relatively few remaining models of participatory forms of perception and sensibility. A reciprocal relation calls for a profound re-evaluation and the development of new models of working together within our changing reality. One of the things that art can do is to allow us a space for such attention – for thinking together that is open-ended.

The 18th Biennale of Sydney focuses on inclusionary practices of generative thinking, such as collaboration, conversation and compassion, in the face of coercion and destruction. With the creation of conditions for an encounter in consonance with our surrounding world, this event brings emphasis to what is already happening at large. Drawing on the possibility of the present, the Biennale emerges from the engagement of all participants by using a model that begins with two curators in dialogue. This matrix of conversation extends to both artists and audiences in a multi-vocal correspondence.

all our relations relies on these various exchanges, affinities and empathies as its dynamic structure, the vascular and cellular structure and sinew of a kind of living, breathing organism, from which the Biennale’s meanings grow. Artists work in a context that allows for mutual recognition and audiences from differing backgrounds are part of this continual development, finding their own direction in these connections. It is in this altered attention to one another, in the meeting and making of ideas together, that constructive consequence can follow.

In seeking conjunctive energies, this collaboration has taken place on many different levels: in co-existence, conversation and juxtaposition but also in purposeful connectivity. Within this framework of mutuality, recognition and thoughtfulness, disparate ideas – some distantly and some closely related – are brought together in an exhibition process of composition; much akin to the process of thought itself. Artists, who can often feel isolated in their practice, come together with neighbouring artists. Rather than one work appearing to link to one or two other works, an attunement between all creative impulses takes place in time. Projects correspond as if evolving from each other and progress through the sequence of venues and buildings. This interconnection and interdependency occurs in the knowledge that audiences will take elements from the exhibition and connect them with their own experiences. In this shared space, the meaning and consequence of the artists’ works is engendered.

all our relations has its roots in storytelling as it is currently being re-imagined, as a coming-into-being in relation. In the reciprocity that is storytelling, both teller and listener inhabit the space of the story. Telling stories connects us and allows us to care, to be: it fosters collaboration; it aggregates knowledge and generates new ideas; it ignites change; and, ultimately, it builds community. In this matrix, the different projects can be compared to a set of storylines, which artists, curators and audiences relate and translate. Through this process, a collective composition or new Gesamtkunstwerk is accomplished in the active generation of meanings realised by all those who take part, each taking their stories home and beyond …

Honoré d’O’s sculptures, videos and installations create participatory scenarios involving the audience. Using down-to-earth materials, d’O evokes a situation that subtly and potentially brings about small changes in how people look at and react to everyday things. His installations are informed by underlying meanings and connections that constantly merge life and art and vice versa. The method he uses is to take the work of art out of the usual prescribed framework and to integrate it in the outer environment. The artist then invites the audience to interpret the work. In this way, the artwork puts the viewer in front of a question that needs to be answered, setting in motion complicated machinery of actions, reflections and emotions.

Artist Statement

Since ‘tomorrow’ is a real product and time is pushed to become a trading technique, the lyrics of life hardly escape the machine of functions. Our inversed freedom easily throws words in the infrastructure of humanity, though an operational soul only discusses art as a condition. A hot plot for behaviour won’t endanger oneself if air could squat down in the inner topologics of our derelict environment. Air and inner! A longing wave configures the fl ux of vice-versas between the subject of the constituent and the horizon of the clause, to synchronise a vision with an experience. In that scenery, according to a reflective tradition that can be tracked back to Aristotle and to the never-written deeper down, the project mirrors its contraject: urgent inner commanding implants mental investigation in the vertical subject of ‘the open body of art’, textualises more mythological alchemy, generates wind philosophy and sacroabsurd grammar, before climate and culture will apply our senses into purely social need. During the authorisation of a linguistic constellation – if classic drama forced me to choose: I’d prefer the tongue and split the ear. For humanity: little alternative. For the eye: no relevant pseudonym. For the air: extra inner.

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