novembre 2014

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A propos de l’exposition d’Emilio Lopez-Menchero à la Centrale for contemporary art à Bruxelles

Emilio Lopez Menchero

Emilio López-Menchero
Vu Cumpra ? 1999
Diapositive et Vidéo, couleurs, 4:3, son, 00 :16 :04.

C’est à Venise que sont apparus, au cours des années 70, les premiers vendeurs à la sauvette, le plus souvent des immigrés venus d’Afrique du Nord francophone. Leur « Vous, compra ? », version franco-italienne et contraction hâtive de « Vuoi comprare, voulez-vous achetez ? » est passé dans le langage courant : on les appelle depuis les « Vucumprà ». Plus tard, ce sont des vendeurs venus d’Afrique subsaharienne qui ont pris le relais, venus du Sénégal, plus récemment, d’Erithée et enfin d’Afrique noire anglophone. Les derniers arrivés de ces camelots qui agissent en pleine illégalité viennent du Pakistan. Aux touristes qui se pressent, chaque ethnie propose des produits différents : ainsi, si les pakistanais vendent des fleurs ainsi que les fameux cadenas de l’amour, les africains sont spécialisés en contrefaçons. Ce phénomène, on le sait, a fait tâche d’huile et s’est largement mondialisé. A Paris, récemment, plus de 19 tonnes de tours Eiffel métalliques, soit 103.000 pièces, ont été saisies dans une officine tenue par un couple de Chinois. Ceux-ci alimentaient 150 vendeurs à la sauvette par jour, pour une recette de 10.000 euros par semaine. Ces vendeurs de tours Eiffel me font penser à un singulier camelot croisé à Venise en 1999, lors des journées professionnelles de la biennale. En douce, il tentait de fourguer pour quelques lires des répliques miniatures de l’Atomium aux amateurs d’art, collectionneurs du monde entier, directeurs de musées, touristes et simples badauds. Cette performance d’Emilio López-Menchero — il n’y a évidemment que lui pour baratiner les gens de cette manière — me rappelle le « Blizaard Ball Sale » de David Hammons. A New York durant l’hiver 1983, Hammons se mêle aux vendeurs du Cooper Square et tente de vendre aux passants un étal de boules de neige triées suivant leur diamètre (de XS à XL). Assignant une valeur à ces œuvres éphémères destinées à fondre, Hammons flirte avec l’illicite, interroge le marché de l’art et attire l’attention sur la précarité d’une part de la population new-yorkaise . « Vucumprà ? » (1999), me paraît, quant à elle, singulièrement exemplative de toute la pratique artistique d’Emilio López-Menchero. En perpétuel questionnement sur l’identité, il pose lui aussi la question du rôle, de la place de l’artiste dans la société. S’infiltrant dans le cadre officiel de l’art — car bien sûr la Biennale ne l’a pas officiellement convié —, il parasite, revendique son origine composite, évoque l’immigration et l’exclusion, se fond dans l’environnement urbain dont il analyse les symptômes sociaux, s’exalte et sort de son sac de bonimenteur un vulgaire souvenir touristique parfaitement « déplacé » dans le cadre de la Sérénissime, symbole de belgitude, de trente glorieuses perdues, de modernité, un ouvrage d’art et une image de la science, iconique bien que tout le monde ait oublié qu’il s’agit d’une œuvre collaborative imaginée par l’ingénieur André Waterkeyn, érigée par les architectes André et Jean Polak. Emilio López-Menchero, lui aussi, est architecte. Il ne pratique pas mais considère l’espace public et urbain comme un espace critique, il s’y infiltre, il y intervient, qu’il y soit ou non convié.

Emilio Lopez Menchero

Emilio López-Menchero
Claquettes, 2012
Vidéo couleurs HD 16 :9, son, 00:08:55

Emilio Lopez Menchero

Emilio López-Menchero
Ego Sumo, 2003
Vidéo, couleurs, 4:3, son, 00 :05 :03.

D’origine belgo-espagnole, lorsqu’il enfourche son vélo torero torpédo, revêtu du costume de lumière du toréador, les mains bien appuyées sur les cornes acérées de sa monture, le voici hybride d’Eddy Merckx et de Manolete, rendant hommage à Picasso. La performance le mènera durant l’été 2008 au sommet du col d’Aubisque , cela mérite, sur fond sonore de paso-doble, d’être salué. Le corps et son émancipation, à commencer par le sien, a toujours été au centre de ses préoccupations, qu’il s’agisse de se prendre pour un sumo dandinant, magnifique combat du lutteur contre son reflet dans un miroir (Ego Sumo, 2003), d’être, à quelques jours de la remise d’un projet, figé par le stress et le doute, sans voix et la tête prête à éclater, ce qui lui donnera l’idée de se couvrir du bonnet à poil et d’endosser l’uniforme d’un garde du Palais de Buckingham devant les Halles de Schaerbeek à Bruxelles (Garde de Schaerbeekingham, 2010), ou de s’exhiber nu, debout sur une table ronde, campant la stature de Balzac déshabillé par Rodin (Trying to be Balzac, 2002) . On l’a même vu à diverses reprises dans un numéro de claquettes (mais oui, assurément, il peut faire quelque chose de ses dix doigts), assis torse nu sur un tabouret, un casque audio sur les oreilles, claquant des doigts et des talons sur des rythmes de Camarón de la Isla. Le public n’entend pas la musique, tandis que l’artiste n’entend pas même le son qu’il produit : la performance est quasi autistique (Claquettes, 2010). Cette question de l’émancipation du corps — et de l’esprit — l’amènera à reconsidérer de façon critique l’œuvre de l’architecte théoricien Ernst Neufert, auteur du célèbre « Bauentwurfslehre » (Éléments des projets de construction), cette base méthodologique de la mesure, de la norme et des prescriptions, publiée pour la première fois en 1936 à Berlin, bible dont les architectes se servent encore aujourd’hui. Les silhouettes idéalement normées qui parsèment les croquis domestiques et vernaculaires de Neufert, traversent depuis longtemps les œuvres et dessins d’Emilio López-Menchero qui, par ailleurs, cite volontiers un autre architecte, Hans Hollein, et son Manifeste de 1968 : « Alles ist Architektur » . Oui, tout est architecture, y compris la construction de soi.

Emilio Lopez Menchero

Emilio López-Menchero
Trying to be Balzac à la bretelle, 2008
Photographie NB marouflée sur aluminium et encadrée, 150 x 125 cm.

Depuis le début des années 2000, Emilio López-Menchero tente de régulières incarnations. S’approprier le fascinant regard de Pablo Picasso (2000). Habiter Rrose Selavy (2005). Se substituer à Harald Szemann (2007). Incarner les quelques minutes de célébrité wharolienne façon Russell Means (2005). Mettre à nu le monumental Balzac de Rodin (2002). Changer de sexe et composer une Frida Kahlo qui, elle-même, se met en scène (2005). Prendre la pose hiératique de Raspoutine (2007). Conquérir la face christique de Che Guevara (2001). Coiffer le keffieh d’Arafat (2009). Se transformer en Carlos, terroriste et maître de la ruse ou du travestissement (2010). Prendre la pose comme Fernand Léger (2014) qui, lui aussi, troqua le tire-ligne de l’architecte pour les pinceaux du peintre. Quelles motivations peuvent bien pousser Emilio López-Menchero à ces tentatives d’incarnations successives, une petite vingtaine déjà au total ? Lorsqu’il campe l’« autoportrait de Pablo Picasso torse nu en culotte de boxeur » (2000), une photographie prise dans l’atelier de la rue Schoelcher en 1915 ou 1916, tout l’enjeu, dit-il, est de restituer cette autocélébration photographique, tant celle du corps que du génie artistique, dont usa fréquemment le peintre espagnol. Il ne s’agit pas de pasticher le cliché photographique, de singer Picasso, mais bien d’incarner cet « être peintre » autant que les archétypes de l’Espagnol viril et macho. Ainsi, l’artiste initie par ces citations une réflexivité et une recréation, mêlant le familier et l’inédit, la reconnaissance et la surprise, l’érudition et la facétie. Transformiste un brin excentrique, voire même extravagant, López-Menchero, tout en changeant d’identité, trouve la sienne. « Être artiste, dit-il, c’est une façon de parler de son identité, c’est le fait de s’inventer tout le temps » . Chaque œuvre est singulière, chaque « Trying to be » — c’est le titre de la série — est une aventure particulière, chacun est une construction existentielle, composée d’éléments autobiographiques, de renvoi à d’autres productions, d’une mise en scène de soi-même, d’une réflexion sur les signaux émis par l’icône précisément envisagée. C’est, in fine, une construction de soi au travers d’une permanente réflexion sur l’identité et ses hybridités, explorant quelques mythes, leurs mensonges et leurs vérités. L’artiste déambule entre exhibition, travestissement et héroïsme domestique. « Tout artiste vrai est un héros ingénu » écrit Émile Verhaeren, à propos de James Ensor dont Emilio López-Menchero revisitera le portait au bibi à fleurs et plumes (2010). Un héros ingénu, certes. A ce sujet me revient cette lettre d’André Cadere à Yvon Lambert, écrite quelques temps avant sa mort en 1978 : « Je veux dire aussi de mon travail et de ses multiples réalités, il y a un autre fait : c’est le héros. On pourrait dire que le héros est au milieu des gens, parmi la foule, sur le trottoir. Il est exactement un homme comme un autre. Mais il a une conscience, peut-être un regard, qui d’une façon ou une autre, permet que les choses viennent presque par une sorte d’innocence ». C’est sans aucun doute, une juste définition de la pratique artistique ; elle sied tout autant à Emilio López-Menchero qui incarnera d’ailleurs André Cadere (2013), portant sur l’épaule l’une des barres de bois rond de l’artiste roumain, s’inspirant d’une photographie désormais célèbre prise par Bernard Bourgeaud en 1974. On ajoutera que l’héroïsme peut, en effet, être domestique : j’en veux pour preuve ce film qu’Emilio López-Menchero intitule « Lundi de Pâques » (2007), making off vidéographique d’un « Trying to be John Lennon », inspiré de la pochette du LP « Let it be ». Ce film, réalisé avec les moyens du bords, ce qui lui confère une indéniable intimité, est une longue série de tentatives quasi pathétiques de prendre la pose et d’habiter Lennon au cours d’un huis clos familial d’un réalisme saisissant. Le « Trying to be » se décline ici en « Let me be » tandis que le lundi de Pâques est un jour d’exception, un jour, un nouveau jour, une métamorphose régénératrice.

Emilio Lopez Menchero

Emilio López-Menchero
Trying to be Rrose Sélavy, 2005 -2006
Photographie N.B marouflée sur aluminium, 74,5 x 91,5 cm. Edition 5/5

Emilio Lopez Menchero

Emilio López-Menchero
Trying to be Cindy, 2009
Photographie couleurs marouflée sur aluminium, 122 x 60 cm. Édition 5/5

Emilio López-Menchero ne pouvait que s’emparer du célèbre cliché que Man Ray fait de Marcel Duchamp déguisé en femme, cette photo d’identité travestie de Rrose Selavy, « bêcheuse et désappointante, altière égo » de l’artiste, « Ready Maid » duchampienne. Habiter Rrose Selavy (2005) est l’archétype du genre, du transgenre. De même, il était en quelque sorte attendu, ou entendu, qu’il incarne également Cindy Sherman (2009). Depuis ses tout premiers travaux il y a plus de trente ans, l’artiste américaine se sert presque exclusivement de sa propre personne comme modèle et support de ses mises en scène. Regard sur l’identité, frénésie à reproduire son moi, son travail est ultime enjeu de déconstruction des genres entre mascarade, jeu théâtral et hybridation. De Cindy Sherman, Emilio López-Menchero a choisi l’un des « Centerfolds » réalisés en 1981, ces images horizontales, comme celles des doubles pages des magazines de mode et de charme, commanditées par Artforum mais qui ne seront jamais publiées, la rédaction de la célèbre revue d’art estimant qu’elles réaffirment trop de stéréotypes sexistes. L’artiste américaine — et du coup Emilio López-Menchero — incarne une femme vulnérable, fragile, sans échappatoire, captive du regard porté sur elle.

Comme dans le cas de Cindy Sherman, les mises en scène de ces « Trying to be » ne sont destinées le plus souvent qu’à la photographie, plus rarement à la vidéo. Emilio López-Menchero se transforme par le maquillage, le costume, les accessoires, il tente de surveiller son régime avec pondération, contrôle le poil, et surtout prend la pose, la pose la plus proche de l’icône de référence, mais dans une totale réappropriation personnelle, le plus souvent fondée sur une recherche documentaire qui bien souvent oriente le processus de (re)création. Ainsi, lorsqu’il découvre la physionomie du portrait de Balzac aux bretelles, dit de Nadar, Napoléon des lettres, main sur le cœur, photographié par Buisson en 1842, c’est la question de physionomie et le hasard d’une éventuelle ressemblance qui l’incite. En même temps, il abordera également les clichés du Balzac Monumental de Rodin pris par Edward Steichen, diverses études préparatoires que réalise Rodin, ce qui le mènera à la sculpture du Balzac elle-même. En fait, ce redoublement entre la sculpture et ses avatars photographiques, entre la physionomie de Balzac et l’œuvre de Rodin condense le processus d’incarnation qu’il entreprend. Celui-ci débouchera sur cette exhibition qui dénude le génial geste sculptural de Rodin, autant que le corps de l’artiste. Exhibant nudité et virilité, López-Menchero démonte le geste de synthèse de Rodin qui sculpta d’abord le corps nu de l’écrivain avant de le couvrir de sa robe de bure. Il est dès lors autant Balzac que la sculpture de Rodin.
Pour personnifier l’artiste mexicaine Frida Kahlo, il ne choisit pas l’un des nombreux autoportraits de l’artiste, mais bien une photographie de Nickolas Muray, « Frida on Withe Bench », datée de 1938, un portrait frontal, une mise en scène également. C’est ce manifeste politique et culturel en faveur d’une culture mexicaine autonome qui intéresse Emilio López-Menchero. L’intime, l’artistique, l’engagement social et politique transfigurent Frida qui, par ailleurs, déclare qu’elle s’auto portraiture souvent parce qu’elle est la personne qu’elle connaît le mieux. Lorsque tout récemment, on lui propose d’incarner Fernand Léger, il jette son dévolu sur un cliché pris en 1950 par Ida Kar, photographe russe d’origine arménienne qui vécut à Paris et à Londres. Ida Kar est l’auteure de très nombreux portraits d’artistes et d’écrivains parmi lesquels Henri Moore, Georges Braque, Gino Severini, Bridget Riley, Iris Murdoch ou Jean Paul Sartre. Casquette vissée sur la tête, moustache poivre et sel, Emilio López-Menchero fixe l’objectif, assis à califourchon sur une chaise, le coude appuyés sur le dossier, une pose qu’appréciait Fernand Léger. Reinhart Wolff ou Christer Strömholm le photographièrent dans la même attitude. Une fois encore, comme dans bon nombre de ses « Trying to be », c’est le regard de Fernand Léger qu’Emilio López-Menchero cherche à capter, un regard empli de curiosité pour toutes les formes de la modernité.

Emilio Lopez Menchero

Emilio López-Menchero
Autoportrait adolescent de mon éblouissement jaloux et de mon ébahissement illimité face à l’Histoire de la Peinture ! 2011
Vidéo HD, 16 :9, son, couleurs

Au fil de cette série de portraits – autoportraits, ces tentatives réitérées de se mettre dans l’esprit du modèle, son « Trying to be James Ensor » (2010) occupe une place singulière. Jamais Ensor n’a cessé de se représenter : on lui doit plus d’une centaine d’autoportraits. « Jeune, fringant, plein d’espoir et de fougue, triste mais somptueux parfois, ainsi apparaît-il dans ses premiers tableaux, commente Laurence Madeline . Bientôt cependant il laisse exploser sa rancœur en soumettant son image à de multiples métamorphoses. Il est un hanneton, il se déclare fou, il se « squelettise »… Il s’identifie au Christ, puis à un pauvre hareng saur. Il se caricature, se ridiculise… Il est l’auteur et la marionnette de comédies ou de tragédies ». Parmi ces autoportraits, il y a celui au chapeau fleuri de 1883-1888 où James Ensor se prend lui-même pour Pierre Paul Rubens. James Ensor a ironiquement troqué le chapeau — avec panache — du maître, contre un bibi à fleurs et à plumes. « En ce temps-ci ou chacun est tout le monde, le poète, le peintre, le sculpteur, le musicien ne vaut que s’il est authentiquement lui-même », écrira Emile Verhaeren à propos du baron ostendais.
Cet autoportrait au bibi est une sorte de « Trying to be » avant la lettre ; il ne pouvait évidemment échapper à Emilio López-Menchero. Quelques mois plus tard, dans la foulée, il se précipitera dans la salle Rubens du Musée Royal des Beaux-Arts de Bruxelles et y proposera une performance qu’il titre, non sans lyrisme : « Autoportrait adolescent de mon éblouissement jaloux et de mon ébahissement illimité face à l’Histoire de la Peinture ! » (2011). Le film qui résulte de cette intervention nous fait découvrir l’artiste dessinant, s’inspirant des peintures du maître. La peinture est, en effet, fantasme de gamin qui contraint son père à lui acheter des tubes de couleurs, sans délai ni retard, à la sortie d’une visite familiale au musée des Offices à Florence. Emilio López-Menchero avait alors quinze ans ; il se réfugia à l’hôtel pour peindre. Depuis, il n’a jamais quitté les champs de la peinture. Ce n’est, finalement, qu’en 2012 qu’il osa, enfin, la rendre publique lors d’une première exposition qu’il consacra exclusivement à la peinture.

On y vit « Gare au gorille ! » (2011) un Kong puissant, primitif et monumental semblant jaillir de la toile face à une frêle Vina Fay Wray, toute petite dans un coin du tableau. Elle voisine une toile au format bien plus modeste, un portrait de Tintin, éructant, expulsant de la couleur, pas n’importe laquelle, des couleurs, les couleurs nationales même. Le tableau s’appelle «Kuifje » (2011). Plus loin, deux militaires, une cahute, un décor urbain, un pan de bannière américaine, une peinture d’histoire. Emilio López-Menchero repeint son Checkpoint Charlie berlinois (2011) ; les jus de la couleur dégoulinent sur les façades et les quadrillent. Plus loin encore, ce très grand format, à la mesure des Skywatch du NYPD, ces miradors télescopiques et mobiles de la police new-yorkaise qui surplombent ici une étendue d’eau, l’Hudson peut-être, des maisons en bois sur la rive, Tarzan et Jane, ou plutôt Maureen O’Sullivan et Johnny Weissmuller, enlacés sur la grève. Emilio López-Menchero a peint cette toile au retour d’un voyage à New York. Il a longuement longé la baie d’Hudson, il a scruté les maisons en bois qui la borde, il a bien évidemment observé ces singuliers miradors mobiles aperçus du côté de Ground Zero (« Miradores », 2012). Ce sont toutes choses qui attirent son regard, qui participe de ses préoccupations. Emilio López-Menchero porte un intérêt constant aux icônes du siècle, comme celle de Johnny Weissmuller qui apparaît dans cette toile, Tarzan a qui il a emprunté le célèbre cri qu’il fit résonner du haut de huit tours de la ville de Gand, huit fois par jours, durant trois mois, pièce sonore qui transforma la cité en jungle urbaine (Hey ! Het is… Hum… Dinges… Hum… Tarzan ! 2000). Comme celle de Tintin qui s’appelle aussi Kuifje et qui éructe dans toutes les langues nationales. Ou Bibendum, gonflé et aérien dans la toile appelée « Le Cahier, El Cuaderno » (2012). Ou Russell Means, ce chef des Lakota-Oglaia, la tribu de Sitting Bull, Russell Means qui s’illustra dans le film « Le Dernier des Mohicans », que peignit Andy Wahrol et auquel Emilio López-Menchero s’identifia, rendant ainsi hommage à la fois au pape du pop et au chef amérindien (In Russel Means mind, 2011). Ou encore cette femme qu’il nomme « Paki Beauty » (2012), parce qu’elle est icône affichée dans la boutique pakistanaise voisine de son atelier. Oui, la peinture d’Emilio López-Menchero, tout en conquérant son autonomie, fait resurgir d’autres œuvres ou des performances qu’il a commises. « Cienaga » (2011), ce cow-boy qui semble s’être tiré une balle dans le pied, tout ahuri de voir surgir du sol un geyser de boue nous renvoie à « Once Upon a Time » (2002-2003), ce dispositif où Emilio López-Menchero se prenant pour Charles Bronson transforma, par le son et l’image, le centre-ville de Courtrai en ville de western, Il est vrai que Courtrai a connu sa ruée vers l’or et qu’on la considéra comme une vraie Texane flandrienne. Lorsqu’il peint « China Town » (2012), ce grand masque festif et carnavalesque sur fond de ville et de buildings se mêlent à la foule compacte deux figures de sumo, un rappel d’Ego Sumo. Emilio López-Menchero peint son univers, ce qui nourrit son imaginaire, un continuel métissage de situations, ce qu’il observe et, du coup resurgit, tout comme un souvenir, un film où les plans se succèdent et se superposent; la peinture est jaillissante, urgente, jubilatoire, elle compose et décompose, elle s’affranchit de l’image. De cette scène carnavalesque à l’occasion de l’année du Dragon, il ne subsiste plus que les jambes dansantes et gainées de nylon, que les talons hauts de ces majorettes péruviennes, ou boliviennes ou colombiennes, je ne me souviens plus, et qu’importe d’ailleurs. Tout le reste de la toile n’est que liesse des jupes de ces dames dans lesquels apparaissent deux paires d’yeux ahuris et étonnés, ainsi que des groupes de silhouettes portant le bleu de travail des classes laborieuses en Chine. Il me faut encore citer « Térésa » (2012), ce puissant portrait de la sœur de l’artiste ou encore « Pater » (2012), un portrait de son père, s’auréolant d’une couronne de pinces à linge, inattendu « Trying to be » paternel dans le rôle du grand Manitou. Ou encore cette bonne balle de visage, quasi transgenre, qu’il nomme –fort justement « Autoportraits » (2013).

Emilio Lopez Menchero

Emilio Lopez-Menchero
Teresa, 2012
Huile sur toile, 130 x 115 cm

Emilio López-Menchero est toujours dans l’entre-deux, « tussen tussen » (2003) dira le « kleine Spanjaard » né à Mol dans le Limbourg. C’est le titre de l’une de ses séries de dessins qui tient autant du carnet d’esquisses que du film d’animation, un long enchaînement de personnages inattendus, une suite de dessins où l’agilité et l’invention du trait orientent les passages métamorphiques d’une icône à l’autre. Pluridisciplinaire, l’artiste campe continuellement entre deux média, entre deux esquisses, entre deux projets, entre deux images ou références. Sans aucun doute est-ce là que surgit l’invention, là où se tapit l’imaginaire et où se développe l’imagination. Ses nombreux projets, à première vue hétérogènes et répondant à des situations particulières ou contextuelles, se font toutefois l’écho les uns des autres : ils agissent en rebond, nous permettent des lectures transversales. Ainsi, cette triple déambulation urbaine, barre à la main, qu’il s’agisse de tenter d’être André Cadere, d’introduire dans l’enceinte d’une foire d’art contemporain un tube de polyéthylène de 12 mètres de long, un peu comme l’on glisse le fil dans le chas d’une aiguille, ou d’orchestrer le déplacement d’un rail de chemin de fer au travers de la ville, en guise de tentative de résilience collective face à quelque aberration urbanistique. Toutes trois ont pour paradigme commun la déambulation d’un objet rectiligne de fort élancement, toutes trois s’inscrivent dans une pratique rituelle et performative. La première est une réflexion sur l’icône, une barre de bois rond d’André Cadere à l’épaule. Mêlant la fiction à la réalité, l’archive, l’hommage et l’interprétation, Emilio López-Menchero se promène en rue, l’air méditatif, portant la lon¬gue barre de bois rond à l’épaule, flâneur ne se souciant pas des réactions que la vue de cet étrange porteur ne manque pas de déclencher. Me revient en mémoire, ce petit film noir et blanc tourné par Alain Fleischer, daté de 1973, montrant Cadere montant et descendant le boulevard des Gobelins à Paris. La seconde est une approche pénétrante d’un espace sociologique compact, réévaluant l’œuvre, le monument et la notion de travail. Casqués, habillés de leur tenue de chantier, sous la direction du contremaître López-Menchero, douze hommes faufilent un long tube de 12 mètres dans les travées étroites d’une foire d’art contemporain, avant de le poser sur le gazon, telle une sculpture, face à l’entrée du bâtiment. « The pipe » (2010), et ses porteurs prennent ainsi la mesure de toute chose, y compris celle d’un espace social. Hommage à la réalité du travail, sculpture horizontale au caractère énigmatique, ce tube s’est ainsi vu conférer une monumentale capacité d’expression. La troisième est plus singulière encore : l’artiste met en scène, à Bruxelles, le déplacement sur roulettes d’un rail de chemin de fer, un Vignole de 18 mètres de long pesant une tonne qu’il se propose de déplacer tout au long du tracé de la Jonction Nord – Midi, espace urbain ô combien conflictuel. La jonction a permis de résoudre une problématique de mobilité, mais au prix de la destruction de pâtés de maisons entiers, bâtis au 19e siècle dans la plus pure tradition haussman¬nienne. Rituel contemporain, l’idée même de cette déambulation processionnelle du « Rail » (2013) active une volonté de résilience par rapport à cette faille et cicatrice urbaine, aujourd’hui une série de grands boulevards qui, une fois la nuit venue, ont des allures de désert urbain.

On doit, bien sûr, à Emilio López-Menchero ce porte-voix monumental installé à proximité de la gare du Midi à Bruxelles. Orientée vers la gare, ce lieu de confluence, référence à un épisode de la Guerre d’Espagne, «Pasionaria» (2006) matérialise la parole manifeste. Hommage à Dolorès Ibarruri, égérie du Parti Communiste ((on n’est pas pour rien petit fils de Républicains espagnols), renvoi à Terre d’Espagne (1937), ce film de Joris Ivens, cette commande publique est dédiée, dans un environnement multiculturel, à tous les migrants dans un lieu où se déroulent de régulières manifestations sociales et politiques. « Pasionaria » est un espace relationnel tout comme l’est « L’homme bulle » (2006), ce Monsieur Moderne, aussi anonyme qu‘une figure de Neufert, citadin en complet veston. De sa bouche s’échappe un monumental phylactère, une bulle ronde, vide, immaculée, une muette invitation. La sculpture n’est pas un objet à regarder, mais une situation à composer. Son achèvement plastique suppose que le spectateur y mette la dernière touche. Au stylo feutre ou à la bombe aérosol. La sculpture est une situation ouverte, à l’état de passage, où l’intersubjectivité se révélera mécanisme de création, la nature processuelle de la réalisation faisant de l’œuvre un événement. Le graffiti, le tag, l’empreinte directe, sont autant de signes de la culture urbaine contemporaine ; ici, ils permettront de créer de l’« être ensemble ». Être ensemble, artiste et regardeur, être ensemble, grapheurs d’un jour, tagueurs d’occasion, rassemblés sur la même bulle. L’« Homme Bulle » sollicite le passant, il lui propose de s’évader de ce tout ce qui est conforme, prescrit, recommandé, correct ou anonyme pour un moment de libre expression. Assurément, la construction de soi passe également par l’altérité. Ainsi, infiltrant encore une fois les codes de la culture populaire, réalise-t-il entre 2010 et 2012 une série de portraits cinématographiques dans les quartiers populaires gantois Moscou et Bernadette, proposant à une bonne trentaine d’habitants de ces quartiers de chanter une chanson devant l’objectif. Les films — autant de portraits pudiques et sensibles — sont projetés deux par deux sur des écrans, comme dans un concours. Pendant qu’un habitant d’un quartier chante, un habitant de l’autre quartier écoute, et inversement. L’œuvre créa un riche dialogue, non seulement entre les habitants des deux quartiers, mais entre diverses générations, cultures et personnalités (Moscou-Bernadette, 2012) . Il en fut de même lorsqu’Emilio López-Menchero installa son « Checkpoint Charlie » (2010) à Bruxelles, porte de Flandres, précisément entre un quartier « gentry », ses bars branchés, galeries d’art et boutiques de mode et l’au-delà du canal, là où la densité de population immigrée y est l’une des plus fortes de la capitale, ghetto émigrant d’abord pakistanais, puis marocain, plus précisément du Rif. La performance de l’artiste, dans un décor quasi cinématographique, cette reconstitution, ce déplacement de l’historique Checkpoint Charlie berlinois, met bien évidemment l’accent sur une fracture urbaine ; elle condense les constats économiques, sociologiques et urbanistiques. Elle est aussi, comme en témoigne le film réalisé durant l’événement, une intervention en contexte réel, se définissant comme un art de l’action, de la présence et de l’affirmation immédiate. Impeccablement sanglé dans un uniforme militaire américain, arrêtant d’un geste martial piétons, cyclistes, automobilistes, avec sérieux et un remarquable naturel, Emilio López-Menchero interpelle, explique, ouvre le dialogue, suscite les réactions les plus diverses. La fiction se confond au réel, le dispositif du Checkpoint Charlie est devenu à la fois un espace relationnel et un champ conflictuel, stigmatisant une problématique dépassant de loin une situation locale et singulière.

Emilio Lopez Menchero

Emilio López-Menchero
Moscou – Bernadette, 2010-2012
Projection vidéo HD en diptyque, 16 :9 son, couleurs, 01.15 :43

Les notions de frontières, de migration et d’immigration, d’exclusion, d’aliénation sont très présentes dans le travail de l’artiste. Lorsqu’il visite Hébron, deuxième ville de Palestine où quelques micro colonies juives de peuplement parmi les plus extrémistes cristallisent les tensions, au point que des soldats de Tsahal ont décidé de rompre le silence, il réagit face à ce que pudiquement on appelle « un principe de séparation ». A son retour, il évoque ces checkpoints en chicane, la partition du Tombeau des Patriarches, les rues désertes et les centaines de boutiques fermées par l’armée pour «raison de sécurité». « Je suis arrivé à Hébron un vendredi, nous dit-il. C’est le jour le plus singulier de la semaine, jour de la prière musulmane, alors qu’au soir débute le Sabbath. J’ai donc pu observer l’absurdité de la situation autour du Tombeau des Patriarches. Un même checkpoint filtre les deux religions monothéistes, il révèle ce système de scène et de coulisses où synagogue et mosquée ne sont séparées que par un mur mitoyen». Ce sont néanmoins les filets tendus au-dessus des ruelles, jonchés de déchets et d’ordures, des tonnelles de crasse en tout genre, qui attirent son attention, un dispositif de campagne installé par la population palestinienne qui, ainsi, se protège des détritus que balancent par les fenêtres les colons juifs qui surplombent ces ruelles. A son retour, dans divers espaces dédiés à l’art contemporain, Emilio López-Menchero réinstallera des filets identiques à ceux d’Hébron, y balancera toute sorte de déchets, et invitera le spectateur à passer dessous (H2-H1, 2013). Je repense à ce texte de Jacques Rancière sur les paradoxes de l’art politique : « Le problème, écrit Rancière, ne concerne pas la validité morale ou politique du message transmis par le dispositif représentatif. Il concerne ce dispositif lui-même. Sa fissure laisse apparaître que l’efficacité de l’art ne consiste pas à transmettre des messages, donner des modèles ou des contre-modèles de comportement, ou apprendre à déchiffrer les représentations. Elle consiste d’abord en disposition des corps, en découpage d’espaces et de temps singuliers qui définissent des manières d’être ensemble ou séparés, en face de ou au milieu de, dedans ou dehors, proches ou distants» . Assurément, c’est bien le cas ici. Invité à Bruges en 2008, c’est la contradiction entre tourisme et immigration, hospitalité, mobilité et centre fermé qu’Emilio López-Menchero pointera du doigt (Indonésie, 2008). Il y confronte deux imposantes sculpture, un nuage d’oreillers et une maison brugeoise aux pignons en escaliers, tous les signes extérieurs d’une confortable hospitalité hôtelière. La maison est pourtant un enclos grillagé et quatre porte-voix diffusent quatre voix de femmes aux accents chinois, indien, arménien et guinéen énumérant les nationalités recensées au centre fermé installé dans l’ancienne prison pour femmes de la ville, prévu initialement pour la détention d’étrangers(ères) en séjour illégal, puis également pour celle de demandeurs(euses) d’asile débouté(e)s. Quant au nuage de coussins, il est un hommage à la demandeuse d’asile nigériane Semira Adamou, tuée à Bruxelles National par étouffement lors d’une tentative d’expulsion. Le spectateur qui glissera son corps au cœur de ces oreillers de plumes y entendra Liza Minelli chanter le « Willkommen, Bienvenue, Welcome », du film « Cabaret » (1972), un refrain en boucle, une rengaine étouffée. M, le Géant (2007), ce Monsieur Moderne sans visage et à la silhouette neufertienne, ce monsieur anonyme et hypermoderne, qu’un jour Emilio López-Menchero introduisit dans une procession de géants historiques et folkloriques, est témoin de toute l’affaire. Il a même servi de cheval de Troie à l’artiste, afin de pénétrer dans l’ancienne prison de Bruges à la rencontre des illégaux et déboutés. Il est sous diverses formes omniprésent dans l’œuvre de l’artiste.

Emilio Lopez Menchero

Emilio López-Menchero
Willkommen, Bienvenue, Welcome (part of Indonesie !), 2010
Oreillers et installation sonore, dimensions variables

Oui, le fil conducteur de toute l’œuvre d’Emilio López-Menchero tient dans cette quête d’émancipation. Tenter d’être, tenter de dire, tenter de faire. Des grands discours solennels et idéologiques, il s’émancipe aussi. Ce qui compte est la configuration même du terrain, celui où il agit, où il s’agira de mettre en place de singulières stratégies, ce qui importe est de trouver la juste expression qui traduira réflexion et ressenti, ce qui le mobilise consiste à continuellement s’inventer soi-même. Etre artiste et être au monde se confondent, être soi ou même être son alter ego, tout cela dans la complétude du processus d’un long essai. Dans le monde de l’art actuel, on tient généralement pour acquis un certain modèle d’efficacité ; force de persuasion et puissance économique y vont de pair. Ce « trying to » qui jalonne le parcours d’Emilio López-Menchero et qui revient comme un leitmotiv, que l’on pourrait aussi traduire par J’ose, Je risque, Je tente, J’éprouve, Je sonde, J’identifie, Je mesure ou Je m’embarque, n’en est dès lors que plus piquant, une première et, en même temps, une ultime façon d’être soi. Assurément, c’est efficace. Là aussi, Emilio López-Menchero marque l’essai.

Jean-Michel Botquin

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0livier Foulon
– Köln (DE), Clages, du 31 octobre au 13 décembre

Honoré d’O
– Ostende (B), La Mer, hommage à Jan Hoet, MuZee, 23 oct-19 avril 2015
– Gent (B), Vibration off, Kristof De Clercq gallery, du 16 novembre au 15 décembre

Eleni Kamma
– Athènes (GR), In the mouth of the wolf. Die Wolf, Die! Embassy of the Republic of Cyprus – House of Cyprus Cultural Centre, 21 nov – 9 janvier 2015

Sophie Langohr
– Sittard (Nl), Like a Virgin, Maria als Wonder Woman, Oda Park, du 21 septembre au 15 février 2015
– Liège (B), Ambigu, Space Collection, du 17 octobre au 13 décembre
– Maastricht (Nl), Maastricht Unexpected art spaces #2, 18 oct – 16 nov

Jacques Lizène
– Szczecin (Pl), Jamais le visionnaire n’a été perçu comme tel en son temps, Museum Narodowe, du 6 novembre au 21 février (solo)
– Marche en Famenne (B), Cherchez l’intrus, musée de Marche, du 17 juin au 20 décembre.
– Liège (B), Ambigu, Space Collection, du 17 octobre au 13 décembre

Emilio Lopez Menchero
– Bruxelles (B), Emilio Lopez Menchero & Esther Ferrer, Centrale for contemporary art, du 4 décembre au 29 mars 2015
– Liège (B), Ambigu, Space Collection, du 17 octobre au 13 décembre

Jacqueline Mesmaeker
– Antwerpen (B), Allegory of the Cave Painting, du 20 septembre au 7 décembre
– Ostende (B), La Mer, hommage à Jan Hoet, MuZee, 23 oct-19 avril 2015

Walter Swennen
– Bruxelles, Works on paper, galerie Xavier Hufkens, du 20 novembre au 17 janvier

Jeroen Van Bergen
– Maastricht (Nl), Altijd prijzen, Gouvernement aan het Maas, Maastricht, jusqu’au 19 décembre

Marie Zolamian
– Liège (B), Résister aux sirènes, Les Brasseurs, du 18 novembre au 17 janvier 2015

Lu sur le site de la RTBF

Jacques Lizène

Le Musée national de Szczecin, une ville de 400 000 habitants près de la Baltique, accueille jusque février 2015 une grande exposition de Jacques Lizène, cet artiste qui se définit ironiquement comme le « Petit maître liégeois du 20e siècle ». Cette exposition est née d’un partenariat régulier entre le Centre wallon d’art contemporain La Châtaigneraie à Flémalle, et le Musée national de Szczecin.
Une bétonnière avec des billes à l’intérieur, et qui tourne en faisant un bruit d’enfer: c’est de la « musique non-séductive », conçue pour agacer. Ou une partition classique de Mozart interprétée au piano mais à l’envers, par un pianiste jouant lui-même à l’envers, sur la table du piano et non devant le clavier. Voici deux exemples d’oeuvres proposées à Szczecin par Jacques Lizène, chantre de l’auto-dérision et de « l’art nul et médiocre » – c’est lui-même qui se définit ainsi. « Je suis arrivé trop tard dans l’histoire de l’art, » explique très sérieusement Jacques Lizène, né à Ougrée en 1946. « Alors j’ai décidé de revenir en arrière, au début de l’Histoire. C’est ainsi que je réalise par exemple des petits dessins médiocres, dans un style que j’appelle « néo-rupestre ». Beaucoup d’artistes d’avant-garde se sont définis comme des visionnaires. Moi, je suis sans doute parfois un visionnaire, mais je ne sais pas dire quand exactement. »

Le contre-pied du bon goût

Artiste subversif, reconnu tant en Belgique qu’à l’étranger, mixant la vidéo, le son, les objets, la photographie et la peinture, Jacques Lizène réalise des oeuvres dérangeantes, qui prennent le contre-pied des normes artistiques, de l’esthétique, ou du bon goût. Le tout avec un grand professionnalisme. Ses oeuvres ont séduit les Polonais. Magda Lewoc est conservatrice au Musée National de Szczecin et commissaire de l’exposition, avec Marlena Chybowska-Butler et Jean-Michel Botquin, galeriste de l’artiste.

« Nous avons découvert les oeuvres de Jacques Lizène à l’occasion d’un précédent séjour à Liège, organisé dans le cadre de nos échanges avec le Centre wallon d’art contemporain de Flémalle et sa directrice, Marie-Hélène Joiret », explique Magda Lewoc. « L’humour, le rire de Jacques Lizène sont des outils contre le système artistique. C’est un art de la provocation, non conventionnel, qui s’attaque à l’académisme de l’art, aux règles établies lorsqu’on expose des peintures ou des objets dans un musée », poursuit la conservatrice. « Le travail de Jacques Lizène est de placer une bombe au coeur de ce système artistique, et ce n’est pas fréquent de voir ça chez nous, en Pologne. Mais sous les apparences de la drôlerie et de l’insolite, il fait surgir des questions existentielles très sérieuses sur notre société et son fonctionnement. »

Des échanges réguliers entre artistes

Cette exposition est issue d’un partenariat entre les deux institutions culturelles, distantes d’un millier de kilomètres, l’une à Flémalle et l’autre à Szczecin, qui est la ville natale de l’écrivain allemand Alfred Döblin. Ce n’est pas la première fois que ces institutions collaborent ensemble, comme le souligne Marie-Hélène Joiret, directrice de La Châtaigneraie à Flémalle. « Nous avons commencé ces échanges il y a plusieurs années, et avons notamment accueilli des artistes-graveurs polonais. Et des artistes de notre communauté, comme Johan Muyle, Thomas Chable et Ronald Dagonnier, ont déjà exposé à Szczecin. L’exposition de Jacques Lizène, dans le musée principal de la ville, est un signe de reconnaissance pour un artiste majeur de chez nous. » Et pour le travail de cet artiste, dont le projet de critique radicale de l’art et son histoire, est évidemment assez loin de la médiocrité.

Alain Delaunois

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Emilio Lopez Menchero

Vernissage le mercredi 3 décembre à 18 h.

Pour la première fois depuis sa création, la CENTRALE for contemporary art propose une exposition d’un artiste emblématique de la scène artistique bruxelloise. Emilio LOPEZ-MENCHERO est un créateur à multiples facettes : architecte, photographe, peintre, performeur, … Par ses performances (Check Point Charlie, 2010) et ses intégrations urbaines (Pasionaria, porte-voix à l’Avenue de Stalingrad, Bruxelles, 2006, commande du Comité d’Art Urbain de la Ville), il personnifie le dynamisme et la pertinence de l’art contemporain dans une ville qui joue un rôle de plus en plus important sur l’échiquier de la création contemporaine européen et mondial.

Bien qu’il jouisse d’une réputation internationale depuis de nombreuses années, ce sera la première exposition à caractère rétrospectif de son oeuvre qui permettra de comprendre la cohérence de sa démarche. Architecte de formation, il cite volontiers Hans HOLLEIN et son Manifeste de 1968 : « Alles ist Architektur », tout est architecture, y compris la construction de soi. Bien qu’il soit difficile de résumer sa démarche en un seul mot, cette recherche d’identité et de positionnement de soi dans notre société est omniprésente.

Nous avons proposé à Emilio LOPEZ-MENCHERO de choisir un(e) artiste invité(e) internationale. Son choix s’est porté sur Esther FERRER, artiste pionnière de l’art performatif depuis les années 1970. LOPEZ-MENCHERO et FERRER, tous deux d’origine espagnole, se rejoignent dans leurs démarches sans concession à travers les thématiques de l’identité et de la corporalité. Ils considèrent que l’art est politique dans le sens où il est le lieu de l’affirmation et de la construction du sujet, un espace de liberté face aux diktats de toutes sortes.

L’exposition se clôturera avec le festival PERFORMATIK (Kaaitheater). Au programme, des performances des deux artistes et un colloque international dédié à la performance.

Le projet sera accompagné d’une publication, première de la série des « focus » dédiée aux expositions monographiques.

The CENTRALE for contemporary art shows for the first time an exhibition of a major artist of the Brussels art scene. Emilio LÓPEZ-MENCHERO, a Brussels citizen of Spanish origin, was singled out by his performances in the capital (such as Checkpoint Charlie at the Canal – 2010) and the emblematic urban integration Pasionaria, a megaphone near the South Station – 2006. Multifaceted artist, he developed a protean work (painting, video, photography, performance). At our suggestion, he chose to enter into dialogue with the world-renowned artist, Esther FERRER, a pioneer of performance art. Both of Spanish origin, their efforts come together through the themes of identity and corporeality. An exceptional exhibition of two artists for whom art is a political space for freedom beyond the dictates of all kinds.

Du 04.12.2014 au 29.03.2015
Centrale for contemporary art
Place Sainte-Catherine 44
1000 Bruxelles
+32 (0)2 279 64 52
Mardi > Dimanche
10:30 > 18:00
Fermé les jours fériés

 

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Benjamin Monti

Benjamin Monti illustre PETITS PROPOS PESSIMISTES POUR PLAISANTER PRESQUE PARTOUT de Jacques Perry-Salkow et Frédéric Schmitter

À chacun son addiction. Sport, réseaux sociaux, ou cueillette des champignons. Perry-Salkow et Schmitter, eux, s’adonnent au tautogramme, qui n’est pas l’art d’écrire des histoires de Toto. Encore moins une unité de masse infiniment petite. Le tautogramme, c’est un vers, une phrase ou un texte dont tous les mots commencent par la même lettre. Georges Perec et Umberto Eco s’y sont un peu frotté…Quelques exemples vous laisseront deviner l’humeur de ces pages. Et elle est en effet exécrable. Les broyeurs de noir y trouveront leur compte, mais aussi les rabat-joie, les misanthropes, les mauvais coucheurs, le Schtroumpf Grognon et même ma mère, mais moins ! Autrement dit, deux types se sont cassé le baigneur à dégoter des diamants délicats dans des dépôts de détritus dégoûtants.
« Belle maquette, réjouissantes illustrations, texte désopilant, […] ne vous en privez pas. », déclare Pierre Jourde dans Confiture de culture (Obs, 10 novembre 2014)

Petits propos pessimistes pour plaisanter presque partout
de Jacques Perry-salkow (Auteur), Frederic Schmitter (Auteur), Benjamin Monti (Illustrations)
Editions des Equateurs.

Benjamin Monti

Benjamin Monti

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Marie Zolamian

Marie Zolamian

Marie Zolamian
Les cracs des chevaliers
dessins, vidéo, son
dimensions variables

D’origine arménienne, Marie Zolamian naît à Beyrouth et arrive en Belgique en 1990, l’année de ses 15 ans. Dans son oeuvre, elle mélange ses souvenirs et son présent, Orient et Occident, le tout avec une grande sensibilité. Elle travaille sur l’exil – le premier subi, les autres (New York, Istanbul, Naples…) choisis – et sur les absences qu’il provoque : l’oubli et le déracinement. Mais elle parle aussi de la reconstruction de soi-même dans un nouvel environnement, hybride, avec une nouvelle langue, une nouvelle culture et de la récupération ou la réinvention de la mémoire collective.

Lors de la biennale Qualandya International (Palestine, 2012), Marie Zolamian rencontre à Abwein (village situé à 37 kilomètres au nord de Ramallah), Mou’az (12 ans), Mazin (9 ans), Nazir (9 ans), Omar (10 ans), Yassin (11 ans), Younis (11 ans). Durant 30 minutes, les six garçons lui présentent un château en ruine datant de l’empire ottoman (1780), devenu leur terrain de jeux. Leurs histoires entremêlent des récits imaginaires, ancestraux, superstitieux, des faits politiques et expériences vécues. Cette fois, ce sont les plus jeunes qui écrivent l’histoire et guident les adultes. Après la visite commentée, Marie Zolamian a demandé aux jeunes guides de dessiner le plan du château.

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Berlin, la Plaque Tournante, Sonnealle 99, avant-garde music and exhibitions. 12 novembre 2014, 20h45.
Soirée Tabule Rasa. Exposition de Bernard Heidsieck. Performance de Tomomi Adachi. Téléprésence de Jacques Lizène

Liège, galerie Nadja Vilenne, 12 novembre 2014. 20h45. Jacques Lizène intervient téléphoniquement en temps réel tandis que le public berlinois visionne : Jacques Lizène, DVD style best off, 59′.59″ de médiocrité », un film réalisé et monté par Dominique Castronovo et Bernard Secondini en 2009.

A Berlin, Frédéric Acquaviva mixe le son téléphonique, le son de la video projetée, tandis qu’il traduit en anglais l’un et l’autre. A Liège, Jean-Michel Botquin sert des bières au Petit Maître. Performance joyeusement lamentable, mais on ne s’est pas ennuyé un seul instant.

Cacophonie de Aïe Aîe Aïe Aïe Aïe Aïe, Oula la la la la la la. Quelques Youppie.

Liège

Jacques Lizène

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Jacques Lizène

Liège

Jacques Lizène

Berlin

Jacques Lizène

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Berlin

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Liège

Jacques Lizène

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Jacques Lizène

Photos et photogrammes des vidéos captées de part et d’autre, à Berlin par le lettriste Broutin.

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Lu dans Art Unlimited Istanbul, Yıl: 4 Sayı: 30 2 Aylık Kültür Gazetesi, par Evrim Altuğ

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Jacques Lizène

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Jacques Lizène
Peinture nulle (1964), sur l’idée de mettre n’importe quel objet sur la tête, 1994, en remake 2010-2011. Photographies marouflées sur toile, rehaussée en technique mixte, 50 x 60 cm

Jacques Lizène

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Jacques Lizène
Placard à tableaux, avec des toiles et des encadrements du musée, 1970, remake 2014

Jacques Lizène
Placard à tableaux, Entassement de toiles médiocres, 1970, dont un projet de sculpture nulle avec fumée, remake 1987.
Technique mixte, 202 x 215 cm

Jacques Lizène

Jacques Lizène

Jacques Lizène

Partage de cimaises, 1975, remake avec les étudiants de l’Académie des Beaux-Arts de Szczecin, 2014

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addenda

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L’exposition est accessible jusqu’au 30 novembre

Le troisième et dernier volet du triptyque d’expositions organisées par le B.P.S.22 à Lessines présente une sélection d’artistes dont les oeuvres entrent en dialogue avec les différentes salles de ce musée consacré à la médecine et à la vie conventuelle féminine.
Intitulée « Addenda », pluriel d’addendum, l’exposition se définit comme autant de notes additionnelles aux solos d’Alain Bornain (2012) et d’ORLAN (2013) afin d’explorer, par la confrontation entre les pièces historiques et les interventions contemporaines, les multiples questionnements soulevés par ce lieu patrimonial unique. Dans la logique du parcours classique de la visite du musée, les salles sont investies d’une proposition plastique spécifique choisie et/ou conçue pour un espace déterminé, révélant la diversité des approches et des sensibilités contemporaines tout en mettant en lumière les multiples sujets qu’aborde le Musée.
Curatrice de l’exposition : Nancy Casielles
Conservateur du Musée de l’Hôpital Notre-Dame à la Rose : Raphaël Debruyn
Exposition : du 14 juin au 30 novembre 2014
Du mardi au dimanche, de 14h à 18h. Ouvert les lundis fériés
Le catalogue de l’exposition est disponible dans la boutique du musée au prix de 24€.

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Jacques Lizène

Jacques Lizène, Sculpture nulle, 1980. Installation pour un moniteur, deux squelettes et un piano demi-queue. Musique à l’envers 1979, et doublement à l’envers 1996, en remake 2014. Oh la la la la ! Aie ha ha ha ha ! Piano demi queue, reproductions de deux modèles de squelettes, sur support à roulettes (tout mettre sur des roulettes, 1974), textes, vidéo. Un film barré à la main, 1972, NB, sans son, 16 mm transféré sur DVD, 1’31, Ed.Yellow. Avec la caméra placée à différentes distances, tentative ratée pour des questions de parallaxe, d’inscrire le corps dans le cadre de l’écran, tête et pieds parfaitement au bord. 1971. Film barré image par image, à la main, en 1972. Dim : 180 x 180 x 150 cm. Remake 2014.

Jacques Lizène

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Jacques Lizène
AGCT 1971, fun fichier 1993, en remake 1997-2011
collages de photographies argentiques, dimensions variables

Jacques Lizène
Art syncrétique 1964, découper et mélanger deux styles, chaises découpées, en remake 2008

Jacques Lizène

Jacques Lizène

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Jacques Lizène
Art syncrétique, 1964. Sculpture génétique 1971.En remake 2011. Technique mixte, 65 x 30 x 30 cm. Sur colonne : 158 cm

Jacques Lizène

Jacques Lizène
Sculpture nulle, guitare pioche 1979, en remake 2005, avec vidéo : C’est Noël, remake d’après deux
projets vidéos de 1971 et une chanson médiocre de 1980. 1984, couleurs, son, 3’46, vidéo transféré sur DVD, avec Myriam Zakdam. (Canal Emploi, WIP, Igloo Edition, Radio Titanic et RTBF).

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Jacques Lizène
Sculpture nulle 1980, bétonnière rythmique, technique mixte (bétonnière, billes, micro et amplification) avec dessins médiocres façon 1966, 120 x 130 x 70 cm , 2007, Peinture nulle, dessin minable de trois sculptures nulles (reconstitution/installation) : 6000 biles au sol, 1970 – guitare électrique à pioche, 1979 et bétonnière rythmique avec micro sur pied, 1979, acrylique sur toile, libre 210 x 210, 1985.

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Résister aux sirènes

Marie Zolamian participe à l’exposition inaugurale des « Brasseurs, Art contemporain » à Liège, désormais installés Rue du pont, 26/28 à 4000, Liège

Résister aux sirènes
MARIE ZOLAMIAN (BE), KARL VAN WELDEN (BE), MARC O’CALLAGHAN (ES), JONATHAN DE WINTER (BE), TRANSCENDENTAL GEOLOGY
18.11.2014 – 18.01.15
vernissage le 15.11.14 à 18:00

Un simple coup d’oeil au flux d’information qui nous parvient en permanence suffit pour s’en convaincre, plus que jamais et comme jamais, notre société est aux prises avec un raz de marée néolibéral triomphant et une montée des extrémismes qui fragilisent un peu partout les valeurs démocratiques et les avancées des luttes sociales. Insidieusement, ce que Pasolini appelait “le nouveau fascisme” s’est infiltré dans tous les recoins d’un monde en pleine mutation autant que de dans nos consciences, prenant possession de l’essence même de nos comportements et donnant raison à Jean Baudrillard lorsqu’il soulignait, en 1970, que la consommation avait remplacé la morale comme “mode actif de relation (non seulement aux objets, mais à la collectivité et au monde)”.

Face à la pensée unique, au profit maximum, au cynisme des financiers, à l’uniformisation culturelle, à l’abrutissement de masse et au règne des simulacres, avons-nous encore la possibilité de nous inscrire à contre courant, de revendiquer d’autres voies, de résister aux sirènes? Quelles sont les stratégies de survie qui se proposent à nous et dans quelle mesure les artistes peuvent-ils devenir des vecteurs d’éveil et de prise de conscience?

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Jacques Lizène

Performance de Jacques Lizène ce mercredi 12 novembre, par téléphone, à La Plaque Tournante à Berlin, avant garde music and exhibition in Sonnenallee, 99.
Répondant à l’invitation de Frédéric Acquaviva, le petit maître interviendra par téléphone depuis Liège tandis que le public à Berlin assistera à la projection de « Jacques Lizène, DVD style best off, 59′.59″ de médiocrité », un film réalisé et monté par Dominique Castronovo et Bernard Secondini en 2009.

A l’occasion de :

La plaque tournante

BERNARD HEIDSIECK OPENING NOV 12, 6.30PM
30 OCTOBRE 2014 LAISSER UN COMMENTAIRE
SOIREE TABULE RASA WITH TOMOMI ADACHI’S PERFORMANCE + JACQUES LIZENE BY TELEPRESENCE!!!!!!!!!
DOORS + EXHIBITION (WITH SOUNDS) 6.30PM / PERFORMANCES 8PM / POLICE 10PM
FREE ENTRY + FREE FOOD + FREE DRINKS = KOMMT IN MASSEN!

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Jacques Lizène

Jacques Lizène

Jacques Lizène

Jacques Lizène
AGCT 1971, fun fichier 1993, en remake 1997-2011
collages de photographies argentiques, dimensions variables

Jacques Lizène

Jacques Lizène
Musique à l’envers et musique doublement à l’envers, en rushes, 1997.
1997, couleurs, son, DV transféré sur DVD, 16’05.

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Jacques Lizène, Sculpture nulle, 1980. Installation pour un moniteur, deux squelettes et un piano demi-queue. Musique à l’envers 1979, et doublement à l’envers 1996, en remake 2014. Oh la la la la ! Aie ha ha ha ha ! Piano demi queue, reproductions de deux modèles de squelettes, sur support à roulettes (tout mettre sur des roulettes, 1974), textes, vidéo. Un film barré à la main, 1972, NB, sans son, 16 mm transféré sur DVD, 1’31, Ed.Yellow. Avec la caméra placée à différentes distances, tentative ratée pour des questions de parallaxe, d’inscrire le corps dans le cadre de l’écran, tête et pieds parfaitement au bord. 1971. Film barré image par image, à la main, en 1972. Dim : 180 x 180 x 150 cm. Remake 2014.

Jacques Lizène

Jacques Lizène
Sculpture nulle 1980, instruments de musique modifiés en guise d’interrogation génétique, art syncrétique, croiser un violon et une raquette de tennis, en remake 2011.
Technique mixte, violon, raquette, 100 20 x 10 cm

Konstytutywne znaczenie dla praktyki artystycznej Lizène’a ma nie tyle forma, jaką się posługuje (kreatywnie wykorzystuje różne środki wyrazu), ile postawa artystyczna, która ściśle łączy sztukę z życiem. Twórca konsekwentnie stawia pytania o rolę artysty, sens uprawiania sztuki, status dzieła sztuki i świata sztuki, czyniąc to we właściwy sobie – ironiczny i błyskotliwy – sposób.
Lizène sięga po różnorodne artystyczne media – rysuje, maluje, tworzy instalacje, obiekty, uprawia performans. Jest także pionierem belgijskiego wideo-artu. Formalną różnorodność łączy z konsekwentną metodą tworzenia sztuki opartą na upodobaniu do kolażu, do tworzenia obrazów-hybryd i samodzielnie konstruowanych obiektów powstających na bazie zwykłych przedmiotów.
Lizène stawia siebie w roli obserwatora i krytyka własnej twórczości. Nazywając siebie Małym Mistrzem z Liège i nadając swoim dzieło tytuły takie jak: „Sztuka mierna”, „Rzeźba bez wartości” czy „Rysunki liche i byle jakie”, wprawia publiczność w zakłopotanie, podważając jej oczekiwania wobec sztuki.
Lejtmotywem wystawy w Muzeum Narodowym w Szczecinie będzie remake instalacji Lizène’a z 1980 roku pod tytułem „Rzeźba bez wartości”, instalacja na dwa szkielety, monitor i fortepian, „Muzyka wspak”, 1979 i „Muzyka podwójnie wspak”, 1996.
Kurator wystawy Jean-Michel Botquin pisze o niej: „Cóż za danse macabre akompaniuje temu szkieletowi, który przykucnął sobie na klapie fortepianu i wyciąga swe nadgarstki, śródręcza i paliczki ku klawiaturze o klawiszach wysuszonych na kość? Szkielet, niczym eksponat dla studentów medycyny, gra muzykę wspak, a nawet podwójnie wspak, dokładnie tak, jak polecił artysta. Osłupiały, wytrzeszcza oczy, a jego śmiech zapisany jest w dymku. Słychać tak śmiech Małego Mistrza z Liège, śmiech, który Jacques Lizène nazwie chichotem. […] Wykonując kilka tanecznych pas ze szkieletem, Jacques Lizène nawiązuje do długiej tradycji danse macabre. «Tańczcie! I cieszcie własną nicością», pisze Gustave Flaubert. «Tańczcie! Niech ogromny będzie taneczny krąg, a zabawa wesoła». To ambitny projekt, zapoczątkowany w 1979 roku przepisaniem wspak partytury Haendla. Chodzić będzie o to, by w ogóle nie być muzykiem, by być niekomponującym kompozytorem i zapisać raz jeszcze wspak całą muzykę świata, by na nowo zapisać wspak Mozarta, Chopina, Bartóka i wszystkich innych, pomieszać wspak wszystkie istniejące partytury, by zagrano podwójnie wspak całą muzykę”.

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Suchan Kinoshita

Suchan Kinoshita
Isofollies IV, 2014
Technique mixte, dimensions variables
« la taille », « à faire ce jour, limited édition », « le penseur en vacances », « couples », « www ».

« … Grand –père était avant tout coiffeur. Cet art était sa vie. Il lui a tout sacrifié. Il était aussi un collectionneur passionné : documents touchant à sa profession, timbres, gravures médailles, cartes de membre d’associations de tir, monnaie auxiliaire. D’abord deux puis trois pièces de son appartement du 8 de la Ryfligasse furent consacrées à ses collections. Après sa mort en 1971, en mettant de l’ordre, j’ai mis de côté et conservé tout ce qui me rappelait mes grands parents. Depuis des années, je trouvais que cet appartement avait une valeur d’exposition, en tant que visualisation d’une histoire, témoignage d’un mode de vie, illustration du fait que, dans la vie de chaque être humain, existe un moment où chaque objet devient naturel, coule de source et que, à ce moment là, l’accumulation des signes et des objets n’obstrue plus le chemin. (…) Lors de la visite des lieux commémoratifs, j’ai toujours été fasciné par le problème posé par les maisons du souvenir ou, en montrant une exposition, comment redonner vie, même artificiellement, grâce aux objets. Une reconstitution de l’appartement n’aurait pas suffi. L’ordre de Grand-Père ne peut-être présenté que classé, classifié. »
Harald Szemann a classé tous ces objets ayant appartenu à son grand-père. Il en a fait une exposition, à Berne, à la galerie Toni Gerber, qu’il a titrée : « Grand-père, un aventurier comme vous et moi » (1974).

Je repense à ce geste alors que Suchan Kinoshita œuvre à sa quatrième constellation d’ « Isofollies ». Ces astéroïdes sont apparus en 2004 dans l’œuvre de Suchan Kinoshita, une sorte de jardin de sculptures, comme des notes de musique tombées d’une portée, des aérolithes jalonnant un espace de déambulation. Volumes noirs ronds, ventrus, aux formes parfois plus étranges, ils opèrent dans l’espace d’exposition, sans qu’on sache ce qui les constitue. En fait, ils agissent comme une sorte de pétrification, comme de grosses scories de temps. Sur le lieu même de l’exposition, dans les caves et greniers de la maison, l’artiste a récolté et entassé des objets de rebut, des déchets de toutes sortes, ce qui a été abandonné, n’a plus d’utilité. Suchan Kinoshita en constitue des ballots de diverses tailles ; elle les momifie au sens propre comme au figuré, les serre dans de longues bandes de plastique industriel, élastique et noir, roulent ces ballots sur le sol comme s’il s’agissait de boules de neige, les compressant, compactant ces rebuts ainsi fossilisés. C’est le temps du lieu que voici pétrifié.

En 2006, lors d’une exposition à l’Ikon Gallery à Birmingham sont apparus trois nouveaux astéroïdes que l’artiste nomme désormais «Isofolies », du nom du plastique qu’elle utilise. Ce sont, cette fois, les résidus du montage de l’exposition que Suchan Kinoshita utilise. Le premier ensemble de ces sculptures devient ainsi un principe délocalisé. Kinoshita est invitée quelques mois plus tard par la biennale de Sharjah, aux Emirats Arabes Unis. «Still Life, art, ecology and the political of change» aborde les défis sociaux, politiques et environnementaux, le développement urbain excessif et l’épuisement progressif des réserves naturelles. Tout naturellement, Suchan Kinoshita propose de produire une troisième ensemble d’ «Isofolies». L’ensemble, constitué d’une quinzaine d’œuvres, est à nouveau produit in situ, avec les déchets et rebuts trouvés sur place. Cet espace de pensée né dans un contexte quasi domestique, temps compressé d’un lieu, du vécu de ses habitants successifs, prend une dimension de recyclage, de délocalisation des déchets, comme de recyclage du principe même qui conduit la création de l’objet. A Birmingham c’était le temps d’un centre d’art contemporain, à Sharja, une dimension plus large, plus actuelle face aux défis du temps.

Cette quatrième constellation est singulière, elle appartient à la sphère privée. G.B., une amatrice d’art, a confié à l’artiste une série d’objets, d’écrits, de photographies, d’agendas, qui ont appartenu à une personne chère décédée, lui aussi un collectionneur passionné. C’est une accumulation de signes et d’objets dont elle n’a pas voulu se défaire, « des objets naturels, qui coulent de source » pour reprendre les termes d’Harald Szemann. G.B. a proposé à Suchan Kinoshita d’enfouir ces traces mémorielles dans une nouvelle constellation d’ « Isofollies ». Sans avoir connu la personne à qui tous ces objets ont appartenu, Suchan Kinoshita les a classé, a imaginé des scenarii, avant d’envisager cinq sculptures distinctes, cinq astéroïdes, participant d’une même constellation. Afin d’accentuer le caractère singulier de chacun de ces aérolithes, elle leur a donné des titres distincts, « la taille », « à faire ce jour, limited édition », « le penseur en vacances », « couples », « www ». Soustraits au regard, ces traces mémorielles acquièrent ainsi une nouvelle vivacité, abstraite et universelle.

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