mai 2015

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Stéphane Francq

Visites virtuelles, réalité augmentée, simulation informatique interactive immersive, la technologie n’en finit pas d’augmenter nos réalités visuelles, sonores, haptiques d’environnements réels ou imaginaires. Tout cela va vitesse grand V, grand VR même. Nous sommes désormais très loin du « Théâtre et son Double », qu’Antonin Artaud décrivait en 1938 comme une « réalité virtuelle ».

Depuis un plus d’un an, Stéphane Francq, architecte de formation et photographe spécialisé dans les nouvelles technologies enregistre les expositions de la galerie et les transforme en visites virtuelles interactives. Sur l’écran d’un ordinateur, d’une tablette, d’un smartphone ou dans la troisième dimension de lunettes virtuelles, l’exposition, captée en vues panoramiques à 360 degrés, peut ainsi être (re)visitée dynamiquement, en interaction avec la demande de l’utilisateur. La technologie permet de se mouvoir dans l’espace d’exposition, de redécouvrir les œuvres en détails et in situ, d’approfondir sa visite bien réelle par la consultation de compléments d’informations offerts par de multiples liens.

A l’occasion du Bal des Galeries, qui, à l’initiative de l’Echevinat de la Culture de la Ville de Liège, se tiendra au Musée des Beaux-Arts de la Ville de Liège, du 5 au 14 juin, nous aurons le plaisir de faire découvrir au public le travail de Stéphane Francq réalisé à la galerie. En projection, sur un écran d’ordinateur, ou avec l’appoint d’un casque de réalité virtuelle, ce sera l’occasion de découvrir les dernières expositions à la galerie de John Murphy, Valérie Sonnier, Jeroen Van Bergen, Jacques Halbert, Emilio Lopez Menchero, Capitaine Lonchamps  ou de Jacques Lizène. Une ultième occasion de se rendre compte qu’avec Lizène, assurément, la technologie avance, la médiocrité reste !

Dès cette présentation, les visites virtuelles de la galerie seront peu à peu accessibles sur le site de la galerie. Le travail de Stéphane Francq, et toute la palette des technologies qu’il propose est à découvrir sur son site : Autre Point de Vue

Jacques Lizène

Jacques Lizène

Jacques Lizène

Jacques Lizène découvrant la réalité virtuelle de son exposition. Déjà bien avant l’arrivée d’internet, en 1993, Jacques Lizène Petit Maître de la seconde moitié du XXe siècle, prend position pour toute exposition virtuelle et se propose d’exposer virtuellement sur Mars (ou sur une autre planète) mais aussi dans tous les musées du monde.

Le Bal des galeries se déroule du 5 au 14 juin
Vernissage le 4 juin à 19h
Musée des Beaux-Arts. Feronstrée, 86 • 4000 Liège

II.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

III.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

III.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

IV.

Eleni Kamma

Enlever et Entretenir V, 2015
Four vitrines, books, natural and cultural objects, tools.
Dimensions variable
Commissioned by NEON Organization for Culture and Development D.Daskalopoulos
Courtesy the artist and Nadja Vilenne gallery

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A lush, secluded garden in Athens provides the backdrop for works of art that reconnect the human with the animal. Echoing the satyrs, sphinxes and centaurs of Greek statuary, contemporary sculptures, installations and films draw on myth, drama and the animal kingdom to suggest a ‘bioethics’ for the 21st century.TERRAPOLIS, a term proposed by science philosopher Donna Haraway, combines the Latin ‘terra’ for earth, with the Greek ‘polis’ for city or citizens. This show asks ‘should we regard animals as citizens’? How do processes of nature, such as metamorphoses relate to the creation of art? How do mythic narratives resonate in contemporary society? And can we recalibrate our relationship with other species? The arcadian setting of a school dedicated to archaeological research provides the stage for works of art that also connect with the narratives and images of antiquity. Figurative works in mediums ranging from bronze to ceramic by mid century and contemporary artists explore myth, drama, metamorphoses and bioethics.
Some artists have created totemic gods and monsters that symbolize animistic power, giving contemporary form to mythology. Ancient Greek tragedies were counterpoised with ‘Satyr Plays’, tragi-comic burlesques set in woodland where players wearing masks and animal skins, would mock authority and engage in licentious play. Masks and animal avatars reveal human drives released from social convention. Dance, music and performance are central to many of the works in the exhibition and are further linked with activism.
The biological process of metamorphosis is mirrored by sculptural processes such as ceramics and bronze casting. The concept of metamorphosis in mythology also connects with eroticism and transformation through desire and passion.
Our epoch has been termed the ‘Anthropocene’, an era when human activities dominate and threaten the Earth’s ecosystems and extinguish other species. Many of the artists in the exhibition counterpoint the fast moving and often destructive technologies of human civilization with the slow time of the natural world. They propose contemporary artefacts as historical relics, imagining the garden in a post-human era where we ourselves are fossils. Artists also represent species that are endangered or proliferating through a lack of predators. They show ecosystems that are imbalanced and images of a natural world that are becoming increasingly virtual.
Co-curated by Iwona Blazwick with Poppy Bowers, Elina Kountouri and NEON Organization for Culture and Development, this is the second in a three part series of outdoor art projects that bring significant artists from Greece and around the world into the public realm.

Eleni Kamma

In the 16th century European colonisers and explorers would bring their wealthy patrons shells, seeds and animal horns from foreign lands to be encased in precious settings by craftsmen and displayed as exotic trophies in Wunderkammer or ‘cabinets of curiosity’. Eleni Kamma creates a modern Wunderkammer for the French School at Athens, itself a centre for the study of archaeological remnants. Four wooden cabinets contain botanical specimens, tools, vessels and other found objects that are both banal and magical. Each contemporary artefact or organic fragment embodies a cosmos where the natural and the human overlap. Kamma also reveals unexpected connections between objects triggering narratives. Kamma is interested in how objects carry cultural and anthropological connotations and the way they are assimilated by contemporary society. She employs taxonomy to address complex issues, unfolding associations that connect nature, collective history and cultural identity. Her display of objects also foregrounds the tensions between organic cycles and the human pursuit for utility.

I.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Eleni Kamma

II.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Enlever et Entretenir V, 2015
Four vitrines, books, natural and cultural objects, tools.
Dimensions variable
Commissioned by NEON Organization for Culture and Development D.Daskalopoulos
Courtesy the artist and Nadja Vilenne gallery

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A l’occasion de l’exposition « Focus » qui se tient à la résidence de l’Ambassade de Belgique à La Haye (Pays-Bas), Walter van van Teeffelen, dresse le portrait de quelques artistes liégeois, publications en ligne sur le site « If the is now ». Rappelons que cette exposition regroupe des oeuvres qui proviennent de la Collection de la Province de Liège. Parmi les artistes concernés, on compte Jacques Lizène, Marie Zolamian ou encore Sophie Langohr.
A chacun, Walter van van Teeffelen a posé cinq questions, sur leurs préoccupations principales, sur l’œuvre qu’ils estiment la plus importante de leur corpus, sur le rôle de l’artiste dans notre monde contemporain. Résultats. Voici la contribution de Jacques Lizène.

Jacques Lizène

Van Jacques Lizène hangt er op de tentoonstelling op de Belgische ambassade in Den Haag een mooi werk boven een bruine opbergkast. Je ziet Jacques Lizène zelf met een ananas op zijn hoofd. De helft van zijn gezicht heeft hij rose gemaakt, met rode lippen. En op de plaats van zijn linkeroor zie je een uitstekend ezelsoor.

Het werk heeft de titel Peinture nulle 1964, sur l’ idee de mettre n’ importe quel objet sur la tete 1994, en remake 2010. Jacques Lizène die zichzelf ook de kleine luikse meester van de tweede helft van de twintigste eeuw noemt, is de uitvinder van l’art nul oftewel ART ZERO. Toen ik hem vroeg naar zijn kunstwerk op de Belgische ambassade zei hij : ‘C’ est une sculpture mediocre d’après les projets (dessins) d’ art syncretique de 1964.’ Hij wil het zeker geen design noemen, oftewel ‘disign’ zoals hij het toentertijd het design noemde.

Storende werken

Hij heeft zeker een centraal thema en zelfs perifere thema’s in zijn werk, zegt hij, maar hij vindt het niet zijn taak zich daarover uit te laten. ‘Laat dat maar over aan de kunstcritici. Ik werk intuïtief, dat lijkt me voldoende toelichting.’

Sinds 1961 is hij kunstenaar, en bijzonder productief ook. Hij is een virtuele verzamelaar, zegt hij, en hij ervaart het leven ‘achteruit gaande’. Jean-Michel Botquin beschrijft Jacques Lizène als ‘een gezagsondermijnende artiest die zowel in België als in het buitenland bekend is, hij mixt video, geluidsvoorwerpen, foto’s en schilderwerk. Hij maakt storende werken die het tegenovergestelde van de artistieke normen, de esthetiek en de goede smaak beweren.’

Doorgekruisde wankele stoelen

Ter gelegenheid van een tentoonstelling op de Design Biennale in Luik in 2012 schreef Botquin verder: ’Alle soorten dingen kruisen, dieren, gezichten, gebouwen, bomen, auto’s, stoelen, beeldhouwwerken, twee stijlen uitsnijden en door elkaar mengen: Jacques Lizène maakt sinds 1964 syncretische kunst. Terwijl hij in 1965 besluit niet te verwekken doet de kleine luikse meester sindsdien niets anders dan koppelen, maar hij verandert, hij beledigt, hij overschrijdt, hij verheugt zich over de disharmonie en juicht zelfs als deze niet waargenomen wordt.

Schipbreuk van blikken, salononderdompeling voor trendy verzamelaars, kapseizen van kasten en buffetten, doorgekruisde wankele stoelen: Jacques Lizène reactiveert de ondergang en schudt de concepten door elkaar. Hij zaagt stoelen en meubels, brengt ze samen, stelt ongelooflijke kruisingen samen; hij orkestreert ongerijmde ontmoetingen, organiseert botsingen van vreemde elementen en stelt de aanrijdingen bij; hij hangt stoelen aan de muur of stapelt ze als totems op, brengt de meubels in onevenwicht, legt zogezegde onhandige stillevens op de meubels.

De stoelen dansen, kronkelen of slapen terwijl de meubels zinken en wankelen. In een opzettelijke chaos is de verstoring systematisch. Lizène gooit de meubels om zoals hij de waarden omgooit (…)

( Uit No Design, tekst van Jean-Michel Botquin ter gelegenheid van de tentoonstelling tijdens de Design Biennale in Luik in 2012.)

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A l’occasion de l’exposition « Focus » qui se tient à la résidence de l’Ambassade de Belgique à La Haye (Pays-Bas), Walter van van Teeffelen, dresse le portrait de quelques artistes liégeois, publications en ligne sur le site « If the is now ». Rappelons que cette exposition regroupe des oeuvres qui proviennent de la Collection de la Province de Liège. Parmi les artistes concernés, on compte Jacques Lizène, Marie Zolamian ou encore Sophie Langohr.
A chacun, Walter van van Teeffelen a posé cinq questions, sur leurs préoccupations principales, sur l’œuvre qu’ils estiment la plus importante de leur corpus, sur le rôle de l’artiste dans notre monde contemporain. Résultats. Voici la contribution de Marie Zolamian.

Marie Zolamian

Marie Zolamian is constant bezig het vastleggen van de geschiedenissen van personen. Ze tekent, ze schildert, ze maakt installaties, video’s en ze maakt geluidskunst. Op deze manier verbindt ze ervaringen. Haar onderwerpen: identiteit, integratie, geheugen en ontworteling. Zolamian nodigt ons op deze manier uit om vraagtekens te zetten bij onze ideeën en overtuigingen. Met als resultaat dat je waaier van mogelijkheden flink is uitgebreid. Aldus Nancy Casielles, curator en medewerker van BPS 22, het Kunstmuseum van Henegouwen.

Recent maakte ze nog een beeldhouwwerk voor de Biennale “Arts et Métaux” in 2014 in Jehay op aanvraag van de Provincie Luik. Dit werk, een grote ijzeren kooi, met de titel Château intérieur, staat in de tuin van de ambassade. Het ontwerp en uitvoering van de kooi is van Alain de Clerck. Dat Château intérieur verwijst naar Teresa van Avila, een Spaanse heilige en klooster hervormer van de 16e eeuw. Zij was een hoofdfiguur van de christelijke mystieke spiritualiteit en de eerste vrouw die als kerkleraar werd erkend. Haar boeken vormen een van de hoogtepunten van de Spaanse literatuur. Een ervan, geschreven in 1577, heeft de titel Château intérieur, Innerlijke Burcht.

De ziel

Marie Zolamian: ‘Teresa van Avila is een buitensporige vrouw, die ik heel modern vind. Ik heb de Innerlijke Burcht, een mystiek boek, gelezen. Mijn project voor Jehay, mijn kooi, die vragen stelt over het gestolen erfgoed, is eigenlijk die Innerlijke Burcht: “Onze ziel beschouwen als een burcht, helemaal gemaakt uit slechts een diamant of uit een heel helder kristal”.

“Laten we naar onze mooie en heerlijke burcht terugkeren, en zien hoe we er in kunnen komen. Het lijkt net of ik iets doms zeg: daar deze burcht de ziel is, hoef je deze niet binnen te dringen, omdat hij er al is; net als het dwaas zou zijn tegen iemand te zeggen een kamer waar hij al is binnen te lopen. Maar u moet begrijpen dat er meerdere manieren zijn om binnen te zijn (…)”

Gekozen ballingen

Gevraagd naar het centrale thema in haar werk zegt Zolamian: ‘Mijn werk kun je zien als een serie van opeenvolgende gebeurtenissen die uiteindelijk resulteren in een experimenteel verslag van een fictieve volkskunde. De wereld is geglobaliseerd, er is ontworteling die de levensstijl, de gedachten en verhalen van zowel de westerse als de oosterse wereld beïnvloed. Marie Zolamian is zelf geboren in Beiroet, Libanon, maar ze woont al heel lang in België. Daar volgde ze ook haar kunstopleidingen.

Ze kiest een onbekende gemeenschap en gaat vervolgens op zoek naar het erfgoed van die gemeenschap. Wat betekent het dat je behoort tot een gemeenschap? Wat verbindt je met een grondgebied? Zolamian: ‘De ‘gekozen ballingen’ hebben allemaal hun verhaal. Dat is heel belangrijk voor hen en voor de gemeenschap. De persoonlijke band met een plaats of een geërfd object wordt erin vastgelegd.’

‘Het komt uiteindelijk neer op pogingen om integratie te bewerkstelligen. Belangrijke componenten zijn identiteit, traditie en authenticiteit en daarnaast plaatsgebondenheid en cultuur. Dat wordt uitgewerkt door middel van een seriële productie van portretten en van connecties tussen een persoonlijke of een collectieve geschiedenis en de omgeving. Het is een visueel traject, dat goed gearchiveerd wordt. Het begint op een onbekende plaats en het eindigt op een andere onbekende plaats.’

Verloren gegaan familienetwerk

Waarom ze juist dit thema gekozen heeft? Zolamian: ‘Ik weet het niet precies. Onderwerpen en thema’s komen voorbij op wereldschaal. Misschien is het alleen maar een voorwendsel om mijn omgeving en de manier van leven daarin te kunnen begrijpen zodat ik – met een nieuwe taal – een connectie aan kan gaan.’

Haar sleutelwerk is ‘nous partout (we everywhere)’, gemaakt in 2008. Het is een cyclus van dertien olieverfschilderijen op linnen. Marie Zolamian: ‘Het is het resultaat van een familiekern in dertien settingen die ik gehaald heb van zwart/wit foto’s uit de jaren zestig en zeventig van die familie. De familiegroep is een driehoekige compositie waarin je vier kinderen rond een vrouw ziet (de moeder of de grootmoeder). Die compositie is hetzelfde in alle dertien settingen. De karakters lijken onveranderlijk, er is alleen variatie in de kleuren van hun kleding. Hoewel de verschillende plaatsen waarin de familie is uitgebeeld hen weinig lijkt te doen, krijg je steeds meer het idee dat het niet slechts afgebeelde personen zijn, maar dat zij de makers zijn. Hiermee krijgt het werk een nieuwe betekenis. Nous partout wordt zo het symbool van een hybride identiteit, een culturele mix, de zoektocht naar een verloren gegaan familienetwerk en de reconstructie ervan via gefragmenteerde en ‘waardeloze’ informatie, krijgt zo zijn kristallisatie.’

Over de hele wereld

De serie wordt op een groepstentoonstelling in Istanboel getoond in september 2015. Ze is al begonnen met de verzending van de serie. Marie Zolamian, het is al aan de naam te zien, is een Armeense van oorsprong. Haar familie woont over de hele wereld, zoals dat bij veel Armenen het geval is. Zolamian: ‘Daarom stuur ik ieder werk in deze serie naar een ander land. Een is er al in Beiroet (Libanon), andere zullen gaan naar Los Angeles, Jerusalem, Denemarken, Athene ..

Ze is artiest vanaf het moment dat ze op een dag wakker werd en vond dat ze moest doen wat ze het belangrijkst vond: kunst maken. Marie Zolamian: ‘Vòòr dat moment werd ik wakker en stond op om commerciële klussen te gaan doen. Dat waren slechte dagen, ze duurden lang, ………… heel, heel lang. Toen ik eenmaal besloten had dat te doen wat ik graag wilde doen, besloot ik voor de beeldende kunst te kiezen. Ik haalde mijn diploma op de Académie Royale des Beaux-Arts de Liège, afdeling Schilderkunst en ging vervolgens meedoen aan groepstentoonstellingen. Ik kreeg ook een galerie, Galerie Nadja Vilenne. Ik ben vervolgens nooit meer gestopt. Ik zal ook nooit stoppen.’

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NEON and the Whitechapel Gallery are proud to present TERRAPOLIS, the second major collaboration in Athens between the two organizations following the presentation of ‘A Thousand Doors’ at the The Gennadius Library of the American School of Classical Studies at Athens (4 May – 30 June 2014). NEON works to widen access to contemporary art and is committed to contributing to the vital cultural activity in Athens.
A garden of an archaeological institute in Athens provides the backdrop for works of art that reconnect the human with the animal. Echoing the satyrs, sphinxes and centaurs of Greek statuary, contemporary sculptures, installations and films draw on myth, drama and the animal kingdom to suggest a ‘bioethics’ for the 21st century.
This is the second in a three part series of outdoor art projects that bring significant artists from Greece and around the world into the public realm.
TERRAPOLIS, a term proposed by science philosopher Donna Haraway, combines the Latin ‘terra’ for earth, with the Greek ‘polis’ for city or citizens. This show asks should we regard animals as citizens? How do processes of nature, such as metamorphoses relate to the creation of art? How do mythic narratives resonate in contemporary society? And can we recalibrate our relationship with other species?
Figurative works in mediums ranging from bronze to ceramic by 25 mid century and contemporary artists explore myth, drama, metamorphoses and bioethics.

Eleni Kamma

Eleni Kamma
Enlever et entretenir II, Installation, 2011
technique mixte, dimensions variables

TERRAPOLIS
group exhibition with Eleni Kamma
curated by Iwona Blazwick, Director Whitechapel Gallery
27/05 – 26/07/2015
Preview Tuesday 26/05/2015
École Française d’Athènes, Athens, Greece
Eleni Kamma will present newly commissioned work at the group exhibition TERRAPOLIS, a collaboration between NEON and the Whitechapel Gallery, opening on the 26th of May 2015 at the École Française d’Athènes in Athens, Greece. In her new work, Kamma revives the Renaissance wunderkammer presenting her own cabinet of curiosities of organic forms fused with the cultural world of contemporary Athens.
NEON and the Whitechapel Gallery work together to present this group exhibition, the second collaboration in Athens between the two organizations following the presentation of ‘A Thousand Doors’ at The Gennadius Library in 2014. TERRAPOLIS is curated by Iwona Blazwick OBE, Director of the Whitechapel Gallery, in collaboration with NEON, a non-profit organization based in Athens that works to widen access to contemporary art. The presentation takes place at École Française d’Athènes, a public scientific and cultural institution that promotes the study of Hellenism.
The exhibition will be accompanied by a dedicated publication, educational programs, screenings of historical films in an open-air cinema within the School and guided tours. Access to the exhibition is free.
Concept
Terrapolis, a term proposed by science philosopher Donna Haraway, combines the Latin ‘terra’ for earth, with the Greek ‘polis’ for city or citizens. The show asks: should we regard animals as citizens? How do processes of nature, such as metamorphoses relate to the creation of art? How do mythic narratives resonate in contemporary society? And can we recalibrate our relationship with other species? Echoing the satyrs, sphinxes and centaurs of Greek statuary, contemporary sculptures, installations and films draw on myth, drama and the animal kingdom to suggest a ‘bioethics’ for the 21st century.
Participants
Artists include: Caroline Achaintre, Allora & Calzadilla, Francis Alÿs, Athanasios Argianas, Joseph Beuys, Huma Bhabha, Reg Butler, Lynn Chadwick, Marcus Coates, William Cobbing, Enrico David, Charlotte Dumas, Angus Fairhurst, Studio Ghibli, Tue Greenfort, Asta Gröting, Henrik Håkansson, Anthea Hamilton & Nicholas Byrne, Joan Jonas, Eleni Kamma, Markus Karstieß, Dionisis Kavallieratos, Yayoi Kusama, Oliver Laric, Richard Long, Sarah Lucas, Ruth Maclennan, Chris Marker, Marlie Mul, Katja Novitskova, Anatoly Osmolovsky, Aliki Palaska, Norbert Prangenberg, Ugo Rondinone, Kostas Sahpazis, Peter Wächtler.
New commissions are specially made by: Athanasios Argianas, Eleni Kamma, Dionisis Kavallieratos, Aliki Palaska, Kostas Sahpazis.

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Honoré d'O

Honoré δ’O
Vademecum Vacuum, 2010
technique mixte

Honoré d'O

Honoré d'O

Honoré δ’O
Napoléon
Technique mixte, 50 x 50 x 190 cm

This summer Museum Beelden aan Zee focuses on contemporary Flemish sculpture. The exhibition will be a visual spectacle, with work by both established and young, up-and-coming Flemish artists. The impulse for this theme is the celebration of 20 years of cultural cooperation between the Netherlands and Flanders in 2015. With this, the exhibition is a component of the BesteBuren (‘Dear Neighbours’) manifestation, a project with numerous cultural initiatives between the Netherlands and Flanders. The new summer exhibition of Museum Beelden aan Zee has been compiled by the renowned Flemish curator Stef van Bellingen, artistic director of WARP, the art platform for contemporary art in Flanders, in conjunction with Museum Beelden aan Zee.

The thirty-five participating artists employ various themes. Whereas some explore the limits of sculpture by making use of elements borrowed from theatre and performance art, others are primarily engaged with the human condition. In this, probably more traditional, side of Flemish sculpture, the human image recurrently returns, visualizing feelings of angst, doubt and uncertainty.

Other artists seek a more sensory perception of sculpture. A one-person prison that locks for a minute brings a physical experience. As does a transparent plastic in which the visitor assumes a sculptural pose that endures due to a vacuum: the person is ‘suspended’ in the sculpture and breathes through a plastic tube.

Analogous to Belgian surrealism, artists and curators play with the notion of scale in this exhibition. Sculpture of monumental size is on display along the Lange Voorhout in The Hague, while the human scale is presented in Museum Beelden aan Zee – and, in the last exhibition room, dozens of scale models and miniatures are on show.

The Vormidable exhibition is on display in Museum Beelden aan Zee and along the Lange Voorhout in The Hague. Besides these two main locations, there are also various satellite locations, including the Brakke Grond (Flemish Culture House) in Amsterdam and Raadhuis De Pauw in Wassenaar.

Philip Aguirre Y Otegui, Ruben Bellinkx, Peter Buggenhout, Jan De Cock, Caroline Coolen, Leo Copers, Anton Cotteleer, Johan Creten, Berlinde De Bruyckere, Peter De Cupere, Eva De Leener, Wim Delvoye, Fred Eerdekens, Nick Ervinck, Jan Fabre, Honoré d’O, Lawrence Malstaf, Philip Metten, Wesley Meuris, Sofie Muller, Nadia Naveau, Renato Nicolodi, Hans Op de Beeck, Panamarenko, Tinka Pittoors, Peter Rogiers, Kelly Schacht, Johan Tahon, Patrick Van Caeckenbergh, Luk Van Soom, Leon Vranken, Dirk Zoete

Museum Beelden aan Zee

Harteveltstraat 1
2586 EL Den Haag
Vormidable. 20.05 > 30.08

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Du lundi 18 dès 9h30 au dimanche 21 mai, présentation sur la Grand Place à Mons de 2 nouveaux drapeaux de la série « Le Grand Large, Territoire de la Pensée ». Drapeau de Pol Piérart, 2015

Pol Pierart

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Emilio Lopez Mechero

Vue de l’exposition « Chercher le garçon », MAC VAL 2015.
Au premier plan, David Ancelin, Sans titre, 2009. Au fond, Emilio López-Menchero, Trying to be Rrose Sélavy, 2005 -2006. En haut, Théo Mercier, La possession du monde n’est pas ma priorité, 2013. À droite, Pierre Petit, Les anonymes, 1994. Photo © Martin Argyroglo

(…) Parfois graves, parfois légères, les propositions dialoguent, se contredisent, s’interrogent mutuellement. On retrouve avec plaisir des précurseurs comme Pierre Molinier ou Michel Journiac, on ne se lasse pas des corps fragmentés de John Coplans ou de celui que se dessine Jean-Luc Verna au fil des années. On revisite l’œuvre d’un Mapplethorpe, dans une adaptation de paillettes pourpres par Pascal Lièvre, ou d’un Duchamp par Emilio Lopez Menchero.
Au fond que nous dit la chanson ? Au-delà d’une certaine nostalgie aux années 80, il en ressort une quête éperdue : « trouver son nom », comme un impossible ; une marque que le langage, cette autre forme de domination culturelle, fait peser sur les identités. S’en affranchir, tout foutre en l’air, reste le projet sine quo none des luttes pour la liberté des chairs et des sexualités. Ce n’est donc pas de courage dont il faut faire preuve ici, comme le précisait Preciado, mais d’une lâcheté joyeuse, susceptible de déverrouiller les normes au profit d’un « mode d’emploi pour les corps ».

Mario Zilio dans Inferno Magazine

Emilio Lopez Mechero

Vue de l’exposition « Chercher le garçon », MAC VAL 2015.
Au premier plan, Jakob Gautel, Scythe, 1999-2001. Au pied de la colonne, Régis Perray, Les petites fleurs du garçon, 2014. Derrière la vitrine : Emilio lopez Mancheron, Trying to be Balzac, 40 photographies NB, 15 x 23 cm marouflées sur aluminium, 2002-2009.
Photo © Martin Argyroglo

Emilio Lopez Menchero

Vitry sur Seine (F), Cherchez le garçon, Musée d’Art moderne du Val de Marne, du 7 mars au 30 août 2015

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Emilio Lopez Menchero et Honoré d’O participent à l’exposition Pass dans les Ardennes flamandes. A Mullem plus exactement. Mullem, Huise, Wannegem et Lede se trouvent à l’ouest de la N60, la route fort empruntée qui relie Gand à Audenarde. Commissaire : Jan Hoet Junior.du 1er mai au 5 juillet 2015. Ouvert chaque weekend (samedi et dimanche). Informations

C’est au pied des tours d’églises situées entre de petites collines couvertes de verdure des Ardennes Flamandes que, du 1er mai au 5 juillet 2015, s’inaugure l’exposition PASS. Cette manifestation artistique propose de confronter l’art contemporain à l’atmosphère idyllique des villages Mullem, Huise, Wannegem et Lede.

Une fois l’initiative lancée par l’artiste Kris Martin, habitant de Mullem, Jan Hoet Junior fut invité comme commissaire de PASS. Il sélectionna les artistes, les œuvres et leur emplacement. Le concept de cet évènement est en partie tiré de Sint-Jan, projet d’exposition également conçu par Kris Martin, organisé par Jan Hoet et Hans Martens et présenté à la Cathédrale Saint-Bavon de Gand durant l’été 2012. C’est à cette occasion déjà que, en quelques semaines seulement, une exposition remarquable, dotée de peu de moyens financiers, fut portée par un petit groupe de passionnés d’art. Le succès fut lié à l’envie d’artistes d’y prendre part et d’y proposer une œuvre forte.

PASS poursuit un dessein similaire. La thématique de la religion et de la spiritualité occupe une position fondamentale, bien que nous souhaitions en premier lieu offrir aux plasticiens l’opportunité d’avoir la plus grande liberté d’expression. Ceci dans l’espoir qu’ils puissent se sentir suffisamment incités à concevoir une nouvelle œuvre, spécifique au contexte du point de vue de l’espace et du contenu. Le site est considéré de manière ludique, audacieuse et ‘naturelle’ par les artistes qui s’inspirent de leur environnement direct. PASS aspire à faire des villages, avec leurs coins particuliers et leurs histoires petites ou grandes, un véritable ‘cadre’ artistique.

L’organisation de PASS vise avant tout à concerner le public au sens le plus large et les persuader de se déplacer et découvrir ces quatre villages. La démarche doit permettre d’observer un nouveau monde qui, d’une part, prend de la distance par rapport à la routine et à la réalité quotidiennes, tout en en demeurant, d’autre part, le reflet.

PASS autorise l’art contemporain à concerner les villages. Mullem, Huise, Wannegem et Lede s’associent les uns aux autres grâce à un parcours, une promenade reliant les sites d’exposition en traversant le paysage marqué par les collines qui en font la réputation. C’est à ce contexte spatial que les artistes et les œuvres s’allient mutuellement. Ils permettent une prise de conscience que nous sommes le produit de notre temps : le maintenant, encourageant une réflexion sur le statut et l’avenir de l’art actuel.

Emilio Lopez Mechero

Emilio Lopez Menchero

Emilio Lopez Menchero

Emilio lopez Menchero

Honoré d’0 conçoit quant à lui une installation destinée à, gratuitement et confortablement, admirer le paysage local.

Honoré d'O

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Lu dans L’Art Même, cet article de Pascale Viscardy :

L'Art Même

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Dès le prochain solstice d’été, l’exposition Le Grand Large – Territoire de la Pensée invite à traverser Mons et à redécouvrir le Grand Large, port de plaisance extra muros. Organisée à l’initiative des Editions Bruno Robbe et de Daniel Dutrieux dans le cadre de Mons, Capitale européenne de la culture, cette exposition réunit vingt-quatre artistes autour d’une proposition originale sur le territoire, et plus particulièrement autour de l’idée du départ en territoire inconnu. Chacun des artistes a réalisé deux œuvres en résonance : un drapeau ainsi qu’une lithographie qui se déplie telle une carte géographique.

Un étrange rituel a débuté le 4 avril 2015 devant l’Hôtel de Ville de Mons, en préalable à l’exposition urbaine « Le Grand Large, Territoire de la Pensée » qui sera inaugurée le 20 juin 2015, en divers lieux, à Mons et sur le site du Grand Large.
C’est au son d’un sifflet de marin que 3 levers de drapeaux hebdomadaires y sont organisés les lundi, mercredi et vendredi à 9h30 par une équipe de 2 personnes de la Gestion Centre Ville. 24 drapeaux originaux créés spécialement pour Mons 2015 par des artistes belges et internationaux y seront présentés progressivement. Le drapeau de Benjamin Monti a inauguré la série et a été hissé du 4 au 8 avril. Ceux d’Emilio Lopez-Menchero et de Jacques Lizène le sont du 11 au 18 mai, celui de Walter Swennen du 5 au 12 juin. Production Bruno Robbe et Daniel Dutrieux.

Jacques Lizène

Jacques LIZENE
Né le 5 novembre 1946 à Seraing, vit et travaille à Liège
Autoproclamé petit maître liégeois de la seconde moitié du XXe siècle, plasticien, peintre, dessinateur, vidéaste, artiste conceptuel comique, Lizène ne cesse de produire des œuvres branlantes, inintéressantes, vaguement humoristiques, généralement stupides mais toujours ancrées dans une critique radicale du système artistique. S’il décide en 1965 de ne pas procréer, fondement de son art d’attitude, cela ne l’empêche pas depuis de concevoir un impressionnant corpus d’idées qu’il décline en « remakes », développant un art qu’il qualifie de médiocre, de presque nul et de sans talent, ce qui coupe court à toute critique de jugement. Jacques Lizène met en turbulence toutes convictions et rejoue sans cesse ce qui paraît acquis.

Emilio Lopez Menchero

Emilio Lopez Menchero
Né le 7 octobre 1960 à Mol, Belgique. Vit à Bruxelles.
Hybride belgo-espagnol, architecte, peintre, plasticien, performer, Emilio Lopez-Menchero interroge par sa pratique aux multiples facettes la question de l’identité, celle de l’artiste face à soi-même, celle de l’artiste au coeur de la société. Attentif aux signes émis par les icônes du temps, le corps, qu’il soit normé, cadré par les normes de la société ou qu’il soit agité, celui de l’artiste en performance, est au centre de son travail. Tout comme pour Hans Hollein, pour Emilio Lopez Menchero, tout est architecture, y compris la construction de soi.

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Eleni Kamma

Yar bana bir eğlence: Notes on Parrhesia.
Video Installation, 2015
In the front : Remake of the “screen”, the one of the two props of the Ortaoyunu tradition theater, based on images and drawings in old Turkish books.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

A l’étage, dans le Pakhuis de Netwerk, une sélection de clips vidéo explore le thème de la ‘parrhesia’, si important dans les films les plus récents de Kamma. La scénographie, fragmentée et spontanée, joue sur la forme avec un pouvoir analogue à celui des paroles prononcées. C’est évident dans la formidable œuvre sonore « Note Il: Introduction », et puissant dans l’énigmatique installation « Yar bana bir eglence: Seven Notes on Parrhesia ». Aujourd’hui, à l’ère de l’information rapide, la transition de la communication orale à la communication écrite semble occuper une place mineure dans l’histoire cosmopolite. La voix de Karagoz s’est tue au XIXe siècle, quand la satire politique a été interdite. Le pouvoir social du théâtre oral a été étouffé par l’influence du théâtre occidental et par l’écriture. L’installation de Kamma offre au spectateur un espace libre dans lequel réfléchir sur le passage silencieux d’un ancien médium né de la voix du peuple, et qui a bien tenu la route, si on le compare à nos espaces publics numériques, excessivement urbanisés et excessivement contrôlés.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Yar bana bir eğlence: Notes on Parrhesia.
Video Installation, 2015
NOTES I, III, IV, VI, VII
02:08, 04:48 min, 02:46 07:39, 01:45
Written, directed and produced by ELENI KAMMA, in co-production with Jubilee and Netwerk vzw.
Cinematography BORIS VAN HOOF, ELENI KAMMA, ANDREAS HARALAMBOUS, Ilgın Deniz Akseloğlu & Ferhat Tokmak, Sound BORIS VAN HOOF, Jessica van Rüschen, Editing INNEKE VAN WAEYENBERGHE, Sound Design & Mix LASZLO UMBREIT, Script Montage TINA VAN BAREN. With the ‘voices’ of: Euripides Dikaios, Tacettin Dikker, Takis Hadjittofis, Yannis Kissonergis, Thodoris Kostidakis, Anna Maragou, Christodoulos Antoniou Pafios, Panos Panagiotopoulos, Emin Şenyer, Cengiz Ösbek.

Eleni Kamma

Yar bana bir eğlence: Notes on Parrhesia.
Video Installation, 2015
NOTE II, 08:50 min.
The following extract is taken from an incident that took place in Athens in February 2014, during the opening speech of the Greek Minister of Culture for the EU presidency conference “Financing Creativity”. The conference addressed models of cultural policy in the coming decades. As artists were not invited as speakers, Mavili Collective, an Athens collective “committed to produce nomadic, autonomous collective cultural zones that appear and disappear beyond the logics of the market”[1], called for artists from different fields of practice to attend the conference.

Found on the mavili collective’s blog :
n 20th of February 2014, the Greek Minister of Culture and Sports Mr. Panos Panagiotopoulos delivered the opening speech of the EU conference ‘Financing Creativity’ in Athens. This conference seeks to address models of cultural policy in the coming decades. Yet not a single artist was invited as a speaker nor was the conference promoted publicly.
Given this situation Mavili Collective called for artists from different fields of practice to attend the conference. Having been excluded from a dialogue about cultural policies the artists present publicly expressed their feelings regarding the proposed role of culture and laughed. The response of the Minister is revealing.
The Minister of Culture stated in his speech that we need to be more competitive following the economies of China and Middle East since the cost of labour in Europe today is extremely high. The words most frequently used by many of the speakers were: competitiveness, business, industry, product, consumers etc. Mrs Lina Mendoni, General Secretary of the Ministry of Culture and Sports made the crucial statement that ‘Culture is economy’. A vision for the culture that is nowadays expressed openly and indicative of how the Greek State is increasingly abandoning its support of contemporary culture. Instead, as was stated clearly in the conference, the Greek State intends to fund private institutions that will then form the cultural landscape of the country. Does such a policy reflect the wider vision of the EU for culture? Some might say the conference was a fiasco, but was the fiasco the laughter or the cultural policies/narratives being proposed?

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Jacqueline Mesmaeker

Jacqueline Mesmaeker

Jacqueline Mesmaeker

Jacqueline Mesmaeker

Jacqueline Mesmaeker
L’Androgyne, 1986 – 2013
1. Avion en phase d’approche
Technique mixte, 161 x 35 cm et 210 x 50 cm
2. Navire en détresse
Technique mixte, 51 x 77,5 cm et 157 x 44 cm

A Breathcrystal is concerned with ideas around contamination. The gallery will become a space for cross-pollination, symbiosis and infestation, uncovering intriguing connections and contradictions between a group of international artists and their artworks.
The exhibition will include works by a number of international artists, and is brought to you by guest curator Mihnea Mircan as an extension of his earlier project Allegory of the Cave Painting for Extra City Kunsthal in 2014.
The project was originally inspired by ancient Australian rock drawings – the Gwion Gwion/ Bradshaw paintings. A set of vividly pigmented cave drawings perpetually regenerated by a fungus that inhabits them, causing them to resist conventional dating protocols for thousands of years.
An archaeological study found that the enduring colour of these prehistoric representations is due to the fact that the painted surface has been fully colonized by the fungus. An acid component released by their photosynthesis etches the pictures deeper into the rock wall activating a process of permanent rejuvenation, rendering the Gwion Gwion images as ‘living pigments’.
By conventional standards, such paintings would be considered contaminated yet, in this instance infestation carries new meaning. Bacteria reproduce the paintings and warp the timeline of their existence – probably made 40,000 years ago, but also remaking again now and into the future through the process of contamination.
Life and art, sculpture and painting, the interiority and exteriority of the body, colonialism and modernist emancipation, ritual and scientific observations, prehistory and modernity – the artistic projects brought together in A Breathcrystal purposefully blur these distinctions, cross-breed categories and produce hybrid forms of reality.

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AEK05

‘Yar bana bir eglence’ est la phrase prononcée avant toute représentation dans le théâtre d’ombre turc traditionnel, le Karagoz. Le thème central de cette forme de théâtre de rue, resté très populaire depuis la fin du XVIIIe siècle, est une interaction amusante entre les deux protagonistes. Hacivat est le personnage éduqué, à l’aise en société, alors que Karagoz est le porte-parole de l’homme de la rue, déchargeant ses opinions dans la ‘parrhesia’. Cette image projetée alimente l’imagination, mais c’est la voix du narrateur qui assure le rôle dominant. Il dit tout haut ce que les gens n’osent pas dire mais souhaitent entendre. Il met sur la place publique leurs doléances à propos des injustices sociales. Il critique librement, depuis l’ombre, les politiciens locaux, et atteint un niveau de liberté d’expression presque surréel dans un régime autoritaire tel que l’était l’Empire ottoman. Pendant sa résidence à Istanbul en 2013, Kamma a été témoin des manifestations civiles du parc Taksim Gezi. Ce qui l’a frappée, c’est qu’un lien clair pouvait être fait entre la forme que prend l’espace public actuellement, et celui qui s’est formé à l’époque ottomane, dans la ‘parrhesia’, la satire politique, la participation et l’humour. Une observation très pertinente qu’elle met à l’oeuvre dans ses travaux les plus récents.

L’oeuvre « Play it, Emin. Walking along the Russian Monument at Ayastefanos », présentée comme un dytique d’images, prend la destruction du mémorial russe d’Ayastefanos le 14 novembre 1914 comme point de départ. Bien que les images documentaires de cette action symbolique nationaliste aient été perdues, l’événement lui-même marque la genèse du film turc. La destruction du monument russe annonce le début de la première guerre mondiale et la fin de l’Empire ottoman. Kamma invite le maître de Karagoz Emin Senyer à recréer cette action dans une pièce de théâtre d’ombres. Il a fondé son interprétation sur du matériel documentaire existant : trois photos et une description de l’événement par différentes sources: les mémoires personnelles du lieutenant impliqué et des journaux. Kamma a tourné dans la région de Florya, où la destruction du monument a eu lieu il y a 100 ans. Ses images se confrontent au travail d’ Emin Senyer, sur l’autre écran, et à une performance évoquant l’événement historique.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Eleni Kamma
Play it, Emin: Walking along the Russian Monument at Ayastefanos
Two channel HD video projection, 14min 19 sec, color, stereo sound, NL, 2014
Concept: Eleni Kamma
Master Craftsman & Shadow Puppeteer: Emin Şenyer
Camera operator: Boris Van Hoof
Editing: Inneke Van Waeyenberghe
Sound Design: Laszlo Umbreit
Script Montage and Editing: Tina Van Baren
Texts/ Excerpts from: Istanbul Encyclopaedia, Ayastefanos Rus Abidesi, Reşid Halid Gönç
Istanbul Encyclopaedia, Rakım Çalapala
Tarih Dünyasi, article by retired lieutenant colonel Y. Bahri Doğançay
Tanin Newspaper, Sunday, November 15, 1914
Tasfiri Efkar Newspaper, November 20th, 1914,
Sabah newspaper, Monday, December 3rd, 2012
Turkish to English Translation: Merve Unsal
Research Assistant: Gulsen D. Akbas

Eleni Kamma

L’oeuvre « It takes courage and breath to speak up », une sorte de prélude à l’exposition, induit, dès le départ. une expérience de pensée. Dans cette œuvre vidéo, Kamma s’intéresse au concept grec de ‘parrhesia’, ou liberté de parole, une notion qui protège l’expression des opinions, mais en même temps, implique une obligation à s’exprimer au nom du bien commun – en dépit de la vulnérabilité que l’individu peut ressentir en conséquence. Le mouvement chorégraphique de la caméra enregistre les mouvements de trois performeurs qui occupent un espace théâtral représentant l’agora. Ils forment. à eux trois, une communauté, et à eux trois, rassemblent le courage de faire entendre leurs voix, pour finalement, se séparer, et trouver chacun un chemin propre.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Eleni Kamma
It takes courage and breath to speak up.
HD video, color, stereo sound, 16:9, NL, 2014, 5 min 59 sec
Concept: Eleni Kamma
Performers: Adaline Anobile, Jaime Vicente Liopis Segarra, Michiel Reynaert
First camera operator: Boris Van Hoof
Grip, dolly operator/audio: Jessica v.Ruschen
Editing: Inneke Van Waeyenbergh

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