novembre 2015

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Eleni Kamma est l’invitée de Art Seen Projects à Nicosie (Chypre)

In Fact What Do You See Behind this Curtain?
November 21 – December 22, 2015
Curator: Maria Stathi

Eleni Kamma

Eleni Kamma
People didn’t see at first that this man was there to demonstrate in silence against the State
Silkscreen print on discarded silkscreen mesh,2014
foto credits: Thyra Smidt

Art Seen Projects is delighted to present Eleni Kamma’s first solo exhibition in Cyprus. The exhibition showcases a series of video installations under the title Yar bana bir e?lence. Notes of Parrhesia that explore the theme of the Greek word ‘parrhesia’, a prominent aspect in Kamma’s most recent works responding to the current political and cultural affairs. Her works explore the deployment of free speech in different contexts, from the general public to political parties, in order to question how the notion of entertainment relates to personal expression and public participation.
Kamma explores the traditional Ottoman shadow theatre, Karagoz, a common tradition in the region, in countries such as Cyprus, Egypt, Turkey, Greece and Romania. Karagoz is the representative of a common man who expresses himself with ‘parrhesia’ revealing the truth on social and political issues of society with unlimited freedom of speech. The shadow puppeteer narrates stories behind the theater curtain, telling the unspoken as an honest representation of society. According to Emin Senyer, contemporary Karagoz master, theater is society’s mirror and Karagoz is exactly that. In fact, in Karagoz’s jargon the theater curtain (perde) is called “mirror”. ‘Now, in the rapidly evolving information age, the transition from oral to written communication seems to occupy a minor footnote in cosmopolitan history. The voice of Karagöz was silenced in the 19th Century when political satire was forbidden. The social power of oral theatre was also lost due to the influence of Western theatre culture and the introduction of the written word’ as Beatrijs Eemans describes on Kamma’s recent solo exhibition at Netwerk, Belgium. How to move forward? Can we learn something from the old masters? Can old tools be rethought? This is where the artist links to the Gezi Park protests in 2013, in which humor and creativity were key elements in mocking the political regimes. Kamma works with the aesthetic language and learns from traditional mediated formats that are slowly becoming extinct such as the theatre of shadows, aiming at creating awareness and proposing new practices on being political through her research.

The video It takes courage and breath to speak up reflects on ‘parrhesia’ which implies not only freedom of speech, but also the obligation to speak the truth for the common good, even at a personal risk. Camera moves in circles, choreographing and registering three performers around a microphone trying to “breathe” theater as public space. They come together as a group, but also depart from it, following their own individual rhyme. To speak your mind, you must first overcome fear by taking a deep breath.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Eleni Kamma
Yar bana bir eğlence: Notes on Parrhesia.
Video Installation, 2015

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Jacques Charlier
– Flémalle (B), CAP à Liège, Centre d’art La Chataigneraie, du 31 octobre au 11 décembre 2015
– Rio de Janeiro (Brazil), The importance of being, 16 décembre – 14 février 2016

Olivier Foulon
– Aachen (D), Le souffleur, Schürmann meets Ludwig, Ludwigforum, du 22 mars au 31 janvier 2016

Eleni Kamma
– Groningen (PB), Parrhesia, de moed tot waarheid in de transparante samenleving, Sign, 19 septembre – 20 décembre
– Nicosie (Cy), Eleni Kamma (solo exhibition) Art Seen Projects, du 21 novembre au 23 décembre
– London (GB), L’intru (Invaders), Rich Mix, 12 décembre

Sophie Langohr
– La Haye (PB), Province de Liège / Collection. Focus sur 24 artistes, résidence de l’Ambassade de Belgique à La Haye, du 25 avril à fin janvier 2016

Jacques Lizène
– La Haye (PB), Province de Liège/ Collection. Focus sur 24 artistes, résidence de l’Ambassade de Belgique à La Haye, du 25 avril à fin janvier 2016
– Flémalle (B), CAP à Liège, Centre d’art La Chataigneraie, du 31 octobre au 11 décembre 2015
– New York (USA), Friendly Faces, Johannes Vogt Gallery, du 19 novembre au 19 décembre
– Namur (B), Especes d’Espaces, centre culturel de Namur, Abattoirs de Bomel, du 12 décembre au 16 janvier 2015
– Rio de Janeiro (Brazil), The importance of being, 16 décembre – 14 février 2016

Emilio Lopez-Menchero
– Charleroi (B), Les mondes inversés, BPS22, du 26 septembre 2015 au 31 janvier 2016
– Héron (B), L’Homme Bulle, Maison des Jeunes de Héron, à partir du 30 septembre
– Bruxelles (B), Dark Ages, Aeroplastics, du 20 novembre au 9 janvier 2016
– Namur (B), Especes d’Espaces, centre culturel de Namur, Abattoirs de Bomel, du 12 décembre au 16 janvier 2015

John Murphy
– Liège (B), Fall upward, to a height, galerie Nadja Vilenne, du 12 novembre au 16 janvier
– Antwerpen (B), Fall upward, to a height, Objectif Exhibition, du 13 novembre au 16 janvier
– Bruxelles (B), What is past is prologue, Rectangle, 26 novembre – février 2016

Valérie Sonnier
– Nogent (F), Soudain la neige, Maison d’art Bernard Anthonioz, du 5 novembre au 31 janvier

Walter Swennen
– Aachen (D), Le souffleur, Schürmann meets Ludwig, Ludwigforum, du 22 mars au 31 janvier 2016
– Charleroi (B), Les mondes inversés, BPS22, du 26 septembre 2015 au 31 janvier 2016
– Strombeek Bever (B), A line is a line, centre culturel, jusqu’au 13 décembre
– Düsseldorf (D), Ein perfektes Alibi, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, 28 novembre – 14 février 2016
– Rio de Janeiro (Brazil), The importance of being, 16 décembre – 14 février 2016

Raphaël Van Lerberghe
– Charleroi (B), Les mondes inversés, BPS22, du 26 septembre 2015 au 31 janvier 2016
– Bruxelles (B), Il Nuovo II, Etablissement d’En face, du 5 au 30 décembre

Marie Zolamian
– La Haye (PB), Province de Liège/ Collection. Focus sur 24 artistes, résidence de l’Ambassade de Belgique à La Haye, du 25 avril à fin janvier 2016
– Liège (B), Prix de la Jeune Création de la Ville de Liège, musée d’Ansembourg, du 4 décembre au 24 janvier 2016

Suchan Kinoshita

Suchan Kinoshita
Operating Theatre

FILM SCREENING

Saturday 28 November 2015

10:00 – 22:00 h.

A.VE.NU.DE.JET.TE – Institut de Carton vzw
Avenue de Jette 41 – Jetselaan 41
1081 Brussels (Koekelberg)
(Metro Simonis, 10 minutes walk)

12 hours of continuous film screening from the Operating Theatre sessions in spring 2015
Henri Jacobs
Avenue de Jette 41 – Jetselaan 41
1081 Koekelberg / Brussel

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Walter Swennen

EN

Walter Swennen
Ein perfektes Alibi

November 28th 2015 until February 14th 2016
Opening: November 27th 2015, 7.30 p.m.

After initially working in the field of poetry and performance Walter Swennen (born 1946) developed an extensive artistic oeuvre since the early 1980s that makes decided use of painting as a pictorial medium. In the process, the artist retains a conceptual proximity to a painting that is now once again all too gladly elevated as art’s supreme discipline. And although it might seem traditionalistic upon first glance he nevertheless concentrates on the self-made picture with all the strengths and weaknesses of painterly means.

It is the material circumstances of painting, the convention of the panel picture that Swennen plumbs in order to generally explore the quality of iconic and symbolic signs. Put differently, he tests image and word through painting with a view to its significance and effect. This approach can be characterised as a cognitive critical project that, references philosophical, semiotic and psychological discourses despite being carried out wholly in painting as medium, currency and institution. It is consequently not surprising that every picture once again represents its innermost problem that in each case must be handled separately and brought to a painterly solution and must also simply ‘succeed’ as a picture. Walter Swennen’s oeuvre is accordingly heterogeneous. It thrives on the complexity of the individual picture without taking style, manner or genre into consideration.

Organised in close cooperation with Walter Swennen the retrospective exhibition “A Perfect Alibi” at the Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf features circa 35 works by the Brussels-born artist, who now again lives and works in his native city. Featuring numerous loans from collections in Belgium, the Netherlands and French, the works made over a period of some thirty-five years provide an exemplary overview of the production of this artist, which can now be seen in such detail for the first time in Germany.

The exhibition likewise serves also the opening salvo for a series of events in the Kunstverein that are specifically devoted to the increasingly problematic position of the object in art – or rather the ‘thing art’.

D.

Walter Swennen
Ein perfektes Alibi

28. November 2015 bis 14. Februar 2016
Eröffnung: 27. November 2015, 19.30 Uhr

Walter Swennen (Jg. 1946) hat nach ersten im Bereich der Dichtung und Performance anzusiedelnden Arbeiten seit Anfang der 1980er Jahre ein umfangreiches künstlerisches Werk entwickelt, das Malerei dezidiert als Bildmedium einsetzt. Dabei lässt es der Künstler keineswegs an konzeptueller Distanz zu einer heute wieder allzu gern zur Königsdisziplin der Kunst überhöhten Malerei fehlen. Und dennoch konzentriert er sich, was auf den ersten Blick traditionalistisch anmuten mag, ganz auf das mit allen Stärken und Schwächen malerischer Mittel eigenhändig gemachte Bild.

Es sind die materiellen Gegebenheiten der Malerei, die Konvention des Tafelbildes, die Swennen auslotet, um die Qualität ikonischer und symbolischer Zeichen generell zu erkunden. Anders gesagt testet er Bild und Wort durch die Malerei hindurch auf ihre Aussagefähigkeit und Wirkung. Dieser Ansatz ließe sich als erkenntniskritisches Projekt bezeichnen, das sich, wenngleich ganz und gar in der Malerei als Medium, Währung und Institution ausgetragen, auf philosophische, semiotische und psychologische Diskurse bezieht. Es ist insofern kein Wunder, dass jedes Bild aufs Neue sein ureigenes Problem darstellt, das jeweils für sich bearbeitet und zu einer malerischen Lösung gebracht werden, als Bild eben auch ‚gelingen’ muss. Entsprechend heterogen stellt sich das Werk Walter Swennens dar. Es lebt aus der Komplexität des einzelnen Bildes, ohne Rücksicht auf Stil, Manier oder Genre zu nehmen.

Die in enger Zusammenarbeit mit Walter Swennen entstandene und retrospektiv angelegte Ausstellung „Ein perfektes Alibi“ im Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, versammelt rund 35 Arbeiten des in Brüssel geborenen und heute wieder dort lebenden und arbeitenden Künstlers. Die Arbeiten, darunter zahlreiche Leihgaben aus Sammlungen in Belgien, Holland und Frankreich, stammen aus einem Zeitraum von dreieinhalb Jahrzehnten und erlauben einen exemplarischen Einblick in das Werk des Künstlers, das erstmals in dieser Ausführlichkeit in Deutschland zu sehen ist.

Die Ausstellung bildet zugleich den Auftakt für eine Reihe von Veranstaltungen im Kunstverein, die sich gezielt dem problematisch gewordenen Stellenwert des Objekts in der Kunst – oder vielmehr dem ‚Ding Kunst’ – widmen wird.

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John Murphy

EN.

JOHN MURPHY
WHAT IS PAST IS PROLOGUE
Opening Thursday 26 November 2015, 6-9pm
27 November 2015 – February 2016
Rectangle, Brussels

Rectangle presents an exhibition by John Murphy.

Please join us on thursday 26 November, from 6 to 9 pm, at Rectangle, Rue Émile Féron 189, 1060 Saint-Gilles.

FR.

JOHN MURPHY
WHAT IS PAST IS PROLOGUE
Vernissage Jeudi 26 Novembre 2015, 18-21h
27 Novembre 2015 – Février 2016
Rectangle, Bruxelles

Rectangle est heureux de présenter une exposition de John Murphy.

Rejoignez-nous pour le vernissage jeudi 26 novembre à partir de 18h00 jusqu’à 21h00, à Rectangle, Rue Émile Féron 189, 1060 Saint Gilles.

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Lu lans La Libre Arts du 20.11.2015 :

La Lbre Arts

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Une exposition en deux lieux: Objectif Exhibitions, Anvers et Galerie Nadja Vilenne, Liège.
An exhibition on two places : Objectif Exhibitions, Antwerp and Galerie Nadja Vilenne, Liège

John Murphy

John Murphy

John Murphy

John Murphy,
Opened in a Cut of Flesh, 2015
Postcard, pen, ink on board, 84 x 62 cm

John Murphy

John Murphy

John Murphy
Fall upward, to a height
Vitrine, publication, variable dimensions

John Murphy

John Murphy

John Murphy
Fall upward, to a height (Verso), 2015
Photograph, pen, ink on board, 78 x 54 cm

John Murphy

John Murphy

John Murphy
Lines Drawn Between 1972 And The Present, 1972
Charcoal on paper, 78 x 59,5 cm

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Jacques Lizène participe à l’exposition « Friendly Faces », galerie Johannes Vogt à New York.

Jacques Lizène

Jacques Lizène
Contraindre le corps à s’inscrire dans le cadre de la photo, 1971, en cadre de cadres 1970 et circuit fermé, 1970. 20 tirages argentiques N.B marouflées sur une impression numérique. Remake de date incertaine, 70 x 100 cm, 2011

Episode 19 : FRIENDLY FACES
CURATED BY MIDDLEMARCH
NOVEMBER 19 – DECEMBER 19, 2015
OPENING RECEPTION: THURSDAY, NOV. 19, 2015, 6-8 PM

Charlotte Beaudry, Martin Belou, Jean-Baptiste Bernadet, Sébastien Bonin, Aline Bouvy, Patrick Carpentier, Joachim Coucke, Eric Croes, Claire Decet, Samuel François, Valérian Goalec, Stephan Goldrajch, Brice Guilbert, Egon van Herreweghe, Benjamin Hugard, Martin Laborde, Jacques Lizene, Julien Meert, Justin Morin, Benoit Platéus, Robert Suermondt, David de Tscharner, Jos de Gruyter & Harald Thys.

A teenage girl who claimed 56 stars were tattooed on her face as she slept when she’d only asked for three has admitted she was awake the whole time – and lied because her father was ‘furious’.
Belgian Kimberley Vlaminck said last week she woke up in horror to find her face covered in the stars of various sizes which spread out over the left-hand side of her head. She went on to blame the Flemish-speaking tattooist for not being able to understand her French and English instructions.
Amid a frenzy of media attention, she then vowed to sue tattoo artist Rouslan Toumaniantz for the 13,000 Euros she needs for laser surgery to have them removed. She said after the tattooing: ‘It is terrible for me. I cannot go out on to the street. I look like a freak.’ But the 18-year-old has finally confessed she did not fall asleep, that she wanted all the stars and was ‘fully aware’ of what Toumaniantz was doing.
Miss Vlaminck told a Dutch TV crew: ‘I asked for 56 stars and initially adored them. ‘But when my father saw them, he was furious. ‘So I said I fell asleep and that the tattooist had made a mistake.’
Toumaniantz – himself covered from head to foot in tattoos and piercings – had consistently denied he had made a mistake and always insisted Vlaminck wanted all 56 stars. He said at the time: ‘I maintain that she absolutely agreed that I tattoo those 56 stars on the left side of her face.’
But despite insisting Vlaminck had asked for 56 stars, he still initially agreed to pay for half of the treatment to remove the tattoos. He said: ‘Kimberley is unhappy and it is not my wish to have an unsatisfied client. ‘I don’t regret it. To tell you the truth, this has given me some publicity.’
Toumaniantz is now said to have withdrawn his offer and said from now on he will get written consent from clients before he begins tattooing.
The Daily Mail, 23 June 2009

Johannes Vogt Gallery is pleased to present the group exhibition “Episode 19 : FRIENDLY FACES”, curated by Middlemarch, a non-profit space for contemporary art hosted in a private apartment in Brussels, Belgium. The Salon Style exhibition is composed of a selection of friendly faces; artists that know each other, work together, love to collaborate and unite their typically different techniques. The show aims to reflect the ever-changing, chaotic and difficult to define, yet friendly, charming and low-key Brussels art scene.

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Valérie Sonnier

Valérie Sonnier
Le Jardin. II L’hiver
film super 8 numérisé, couleur, son, 6 min 11, 1997

Le Communiqué de presse :

Evocation du temps, celui qu’il fait, celui qui passe, l’exposition «Soudain… la neige» rend compte d’une brèche. Celle qui s’ouvre lorsque la neige recouvre et transforme un paysage et qu’une réalité se superpose à une autre. Un effet de dilution ou d’interférence qui, dans certains cas, tend jusqu’à l’effacement du paysage originel. La neige (réelle ou métaphorique) de l’exposition est l’événement perturbateur du récit: elle floute les contours, recouvre la trace, dissout et efface, remet en cause l’état initial; elle convoque, dans les œuvres choisies, aussi bien le souvenir des premières neiges et la perception particulière qui en découle, que le flottement du temps.

Comme autant de résurgences d’une mémoire sensible ou rétinienne, individuelle ou collective, les œuvres de l’exposition naviguent d’un état à un autre, entre dissolution, dilution, parasitage, et tentative de recouvrement. «Soudain… la neige», comme une manifestation d’un processus implacable et irrévocable, d’une fuite en avant du temps ou la perspective d’une nouvelle histoire.

Libre dérive prenant la neige comme image de départ, l’exposition entend celle-ci comme révélateur: elle vient tout à la fois détruire l’ordre des choses et donner à voir ce qui se soustrait à la vue. Les travaux des artistes portent eux aussi l’empreinte de la déflagration originelle subie: celle qui survient lors de l’explosion d’Hiroshima ou de la crise financière des subprimes, des épandages américains ou de l’irruption de plants d’Hévéa au Vietnam,… Des événements latents, souterrains, qui transparaissent ou (ré)apparaissent, silencieusement, à la surface des œuvres présentées.

Elément climatique transitoire, la neige se situe en effet toujours sur ce fragile équilibre entre apparition et disparition; en un instant tout peut surgir à nouveau, le dissimulé peut reprendre le dessus sur sa réplique visible. La neige existe alors autant dans sa réalité physique que dans l’enchevêtrement d’images mentales et de temporalités différentes qu’elle suscite: entre anticipation de son apparition, immédiateté de sa présence, présage de sa disparition, comme postérité de sa mémoire. Car la neige reste inextricablement liée à cette question de la mémoire et de l’empreinte, celle qui subsiste longtemps après sa dissipation. A l’instar de la neige, les œuvres de l’exposition découlent, elles aussi, de ces entrechoquements de temps et de mémoire; elles sont les témoignages, les traductions autant de ce qui s’est passé, de ce qui se passe encore, que des perspectives ouvertes sur l’avenir.

Si la question du recouvrement apparaît alors systématiquement dans les œuvres, dans l’action de recouvrement du temps et de la mémoire (Errance du petit camion, l’hiver de Valérie Sonnier, Kiriatata d’Ilanit Illouz), elle se manifeste également physiquement, dans certaines des techniques utilisées ou dans le geste exécuté sur le support: les tirages lenticulaires 3d des Neige de Philippe Durand; la sérigraphie dans Grey of Herbicides de Thu Van Tran; dans l’aplat de peinture produisant une épreuve contact « photographique » dans la série Arena (miroir) de Mimosa Echard; dans l’ajout de javel sur la pellicule dans le film Bleach de Jonathan Martin ou l’utilisation de produits chimiques pour dissoudre certains sels d’argent du tirage Quand fond la neige… d’Isabelle Giovacchini. Mais aussi dans le motif représenté: l’invasion foliaire exubérante dans la série Compulsive de Cécile Hartmann, ou le nettoyage au karcher dans Rouge Négatif (une hantologie) de Benjamin Hugard, ou encore dans le mode de monstration des œuvres, les tirages superposés dans Sediments and Lacunas de Cécile Hartmann…

Ces «recouvrements», entre superpositions, interférences, floutages ou dissolutions, relèvent ainsi de cet étrange point de convergence entre les verbes «recouvrir», œuvrant ici dans le sens d’une dissimulation d’un fait, d’une réalité, ou d’une mémoire individuelle ou collective, et de «recouvrer», le fait de rentrer en possession de ce qui avait été perdu. Le recouvrement intervient alors, tout à la fois, comme une entreprise de dissimulation/obstruction/destruction et celle d’une possible réparation.

Commissaire: Caroline Cournède

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Eran Schaerf

What difference does it make if a newspaper reports on a worker protest as if it were a theater piece? Why does an argument in the neighbors’ apartment sound like a radio play? When was the term Lebensraum decolonized? How can Little Red Riding Hood get hold of the copyright for her own character? Who dresses up as whom in order to belong to what group? What happens when not much is happening, but lots of airtime has been scheduled for news broadcasts?
At a radio station called The Listener’s Voice, freedom of speech is supposed to be guaranteed by a computerized moderator taking listeners’ calls. Yet, the moderator was not only programmed for an unplanned architecture of discourse that sprawls into environments of potential violence, ambiguous sexuality, and rowdy beauty, but also to make identifying data anonymous. Double-sided, invisible, and acoustic masks are at work. Cyber-radio comes into conflict with human memory.

Publisher : Archive books
Edited by
Herbert Kapfer and Joerg Franzbecker
Text Compilation
Eran Schaerf and Joerg Franzbecker
Designed by Flo Gaertner, magma, Karlsruhe
English
Softcover, 19.5 × 27.5 cm
200 pages, colour
ISBN 978-3-943620-34-4

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Jacques Lizene

Jacques Lizène

Jacques Lizène, 1980
Petit Maître à la fontaine de cheveux, 1980 (photo de Pierre Houmant). Photographie N.B, tirage numérique, 110 x 90 cm.

Jacques Lizène

Jacques Lizène

Jacques Lizène

Jacques Lizène, 1971
« Pieds », 4 photographies NB, 45 x5 8 cm, 1 enregistrement sonore, 1970-2000. (Petite chanson médiocre, pièce de musique non séductive).

Jacques Lizène

Jacques Lizène, 1997
AGCT 1971 en fun fichier, remake 1997, technique mixte, collage de photographies argentiques. 70 x 50 cm. Dimensions de l’installation variable

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Emilio Lopez Menchero

Emilio Lopez Menchero

Emilio Lopez Menchero

Des adhérents de l’Association de Gestion des CSC Belencontre & Phalempins et habitants du quartier Belencontre ont souhaité faire appel à un artiste pour créer un lieu de rencontre dans cet ancien quartier en pleine mutation et emblématique de l’évolution du riche passé industriel de la Ville de Tourcoing. L’objectif de cette commande artistique est de garder la mémoire du passé dans un esprit de partage et de bien vivre ensemble.
Pour mener à bien ce projet, ils ont fait appel à artconnexion, structure de production en art contemporain et médiateur agréé par la Fondation de France pour l’action Nouveaux commanditaires.
En réponse à la commande, l’artiste espagnol Emilio López-Menchero proposé par artconnexion, a imaginé un espace marqué de plusieurs éléments symboliques du quartier. Le premier de ces éléments est la restauration d’une statue en marbre de Carrare surnommée La Penseuse, réalisée au XIXe siècle par le sculpteur Georges Van der Straeten, qui se trouvait auparavant dans le parc Clémenceau. Figure déterminante du parc du quartier pendant un demi-siècle, elle en fut retirée à la suite de plusieurs détériorations – bras et tête furent successivement mutilés.
Emilio López-Menchero a proposé de remettre en état la sculpture et a choisi de différencier les nouveaux éléments des anciens par du granit de couleur veiné. La Penseuse Tigresse fait le lien avec le passé et la modernité, évoquant l’histoire du quartier et ses habitants.
L’action Nouveaux commanditaires proposée par la Fondation de France permet à des citoyens confrontés à des enjeux de société ou de développement d’un territoire d’associer des artistes contemporains à leurs préoccupations par le biais d’une commande. Son originalité repose sur une conjonction nouvelle entre trois acteurs privilégiés : l’artiste, le citoyen commanditaire et le médiateur culturel agréé par la Fondation de France, accompagnés de partenaires publics et privés réunis autour du projet.
Ce projet a été commandé par les habitants du quartier Belencontre – Fin de la Guerre et soutenu par la Fondation de France, la Ville de Tourcoing et l’Association de Gestion des CSC Belencontre & Phalempins.

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Jacques Lizène

A peculiar case is that of the artist Jacques Lizène (b. 1946), another CAP member. Lizène used the medium of photography to supply either a commentary on, or subversion of, traditional genres such as portraiture, still life, or street photography.
He realized this through the notion of the mediocre, an approach that is in line with contemporary photo conceptual art as analyzed by Jeff Wall in his classic essay, ‘Marks of Indifference: Aspects of Photography in, or as, Conceptual Art ‘ (1995).
Lizène, however, went further than his contemporaries. Not only is his work- certainly his photographic work- characterized by a certain ‘deskilling’ and ‘visual banality,’ to use Wall’s terms, he also identified him self as the ultimate mediocre artist. In 1970 he defined him self as the ‘Minor, late mid -twentieth-century Master of Liege, Artist of the Mediocre and Unimportant ‘ [Petit Maitre liégeois de la seconde moitié du XXeme siècle, artiste de la médiocrité et de la sans importance]. In essence, Lizène used mediocrity as a means to claim the artistic value of an object or an idea that is not typically considered as praiseworthy. With this strategy of mediocrity – a deliberate refusal to make ‘high art’ – Lizène, in fact, continued the Surrealist methodology that had been most ‘purely’ adopted by Marcel Mariën.

In 1972 and 1973 Jacques Lizène created a series of photographic works entitled the Perceived and the Not-Perceived [Le Perçu et le Non Perçu] in which the photographic mechanism is shown, analyzed, and questioned in a light, humorous way. The series starts with a selfportrait entitled the Minor Master from Liege Pressing his Nose against the Surface of the Photograph [Petit Maitre liégeois s’écrasant le bout du nez sur la surface de la photographie]. In ‘The Quick and Incomplete Autobiography, by Lizène Himself’ (published in 1990 in his first catalogue raisonné), the artist asserted that ‘the surface of the photo was actually a window’ and thus, he qualified the image as ‘a mediocre joke ‘ This silly statement, nevertheless, makes the viewer conscious of the camera lens as a screen that separates the photograph from reality. Lizène’s remark also reminds the viewer of the fact that what is shown is not reality but an (indexical) image of reality.

Most of the other works that are part of the series the Perceived and the Not Perceived were based upon the idea of reproducibility, a fundamental characteristic of the photographic medium. In each work a series of photographs – with exactly or nearly the same images -is combined with a caption suggesting that the images differ but in a way that is ‘unperceivable.’ One of the works included in the series is: In the second photo the black sock worn on the subjects right foot is worn on the subjects left foot in the first photo, whereas in the third photo the subject wears two completely different socks [Sur la deuxième photographie, la chaussette noire portée au pied droit par le personnage est portée par celui-ci au pied gauche sur la première photographie tandis que sur la troisième photographie le personnage porte deux chaussettes differentes].

In this series the photographs alone cannot make the meaning of the artwork clear; words are required, therefore, in order to communicate the content that the artist intended. The combination of a series of images and a text in the form of a caption is a strategy that is often used within the discourse of Conceptual art. Take, for example, John Baldessari’s The Back of All the Trucks Passed While Driving from Los Angeles to Santa Barbara, California, Sunday 20 January 1963, which consists of picture s of, indeed, the back of trucks. The caption of this work (drily) describes what is seen in the pictures. By contrast, Lizène’s works that form the series The Perceived and the Not-Perceived challenge the relation between what is read and what is seen. This approach recalls the subverted image-text relation found in the work of Rene Magritte, such as The Treachery of Images [La Trahison des Images] (1929). In addition, Lizène affirmed in an interview his appreciation for Magritte and especially ‘his particularly modern way of interrogating the image (Gielen, 2003 : 23).’ In some works that preceded the series The Perceived and the Not-Perceived the titles of the photos describe the absurd performances represented in the pictures .The ‘picture frame’ is the photographic feature Lizène focused on most in these works. For instance, Forcing the Body to Fit Inside the Photo Frame [Contraindre le corps à s’inscrire dans le cadre de la photo] shows a mosaic of thirty self-portraits that gradually picture the change from a standing to a kneeling position. In each image, the camera zoomed closer and closer to the subject, forcing him to bend down increasingly until he appears totally contained by the framing of the camera. Other related examples from 1971 include: Minor Master from Liege Having Attached His Tie to the Photo Frame [Petit Maitre liégeois ayant accroché sa cravate au cadre de la photo]’ showing a full portrait of the artist whose tie indeed seems to be attached to the right upper corner of the photograph; Minor Master from Liege Entering the Frame of a Photo [Petit Maitre liégeois s’introduisant dans le cadre d’une photo] in which the artist pops up in the right side of the picture merely showing the upper part of his body ; Minor Master from Liege Joyously Entering the Frame of a Photo [Petit Maitre liégeois s’introduisant joyeusement dans le cadre d’une photo] , which consists of a sequence of two photographs showing the artist entering the frame of the picture while smiling; Minor Master from Liege Hesitating Before Entering the Frame of One Photo or the Other [Petit Maitre liégeois hésitant à entrer dans le cadre de l’une ou de l’autre photo ], which consists of two photographs, the frames of which cut the portrait of the artist in half.

A common element of this group of works is the performance aspect, which is typically executed by the artist him self. Lizène’s performances link his work to the ‘Conceptual canon.’ Taking Jeff Wall’s analysis in his essay, ‘Marks of Indifference,’ again as a point of reference, these performances can be connected to the work of Bruce Nauman. According to Wall, the performative qualities of Nauman’s work ‘brought photography into a new relationship with the problematic of the staged, or posed, picture.’ Furthermore, Wall described Nauman ‘s performances as a manifestation of the ‘subjectivization of reportage’ within the realm of photo conceptualism (ibid.). In his view, Nauman’s studio photographs, such as Failing to Levitate in the Studio (1966) or Self-Portrait as a Fountain (1966-6 7/70), changed the terms of classical, studio photography into a mode that was no longer isolated from reportage. Nauman realized this by working within the experimental framework of performance art, executing ‘a self-conscious, self-centered « play ».

Although Lizène’s photographs were not realized in the studio (but certainly could have been), his work corresponds to this analysis. Lizène is also the subject of a ‘self-centered play’ that uses the strategies of reportage photography in a humorous, inane way. Lizène’s approaches are even more enlarged than in the case of Nauman since the banality of Lizène’s scenes is reduced to new levels. Lizène’s works differ from the Conceptual canon in the fact that he uses actions in order to put him self into perspective, thereby rendering his work with a distinctly absurd, humorous undertone. As a matter of fact, Lizène remarked ‘ [that] on August 28, 1990, he realized he was one of the invent ors of the « comic conceptualism » of the early 1970s.’ Du e to their absurd, humorous character, some of Lizène’s strategies are perfectly in line with, for example, those of Nougé in Subversion of Images or Magritte in his amateur snapshots. As a matter of fact, the strategy of staging, of constructing an image in a theatrical, well-reasoned way, is one of the key concepts of Nougé and the Brussels Surrealists. In addition, as discussed by Frederic Thomas elsewhere in this volume, the montage and staging by Nougé in Subversion of Images is also derived from the documentary photographic style; he used the documentary style in order to generate – through small interventions-the greatest disturbing effect possible. This grafting onto reportage or documentary photography could also be denoted as a process of deterritorialization and thus, as a characteristic of minor photography.

Liesbeth Decan, Conceptual Art and Surrealism: an Exceptional, Belgian Liaison dans :
Mieke Beyen (dir), Minor Photography. Connecting Deleuze and Guattari to Photography Theory, Lieven Gevaert Series, Leuven University Press, 2014. Isbn: 9789058679109

Jacques Lizène

Jacques Lizène

Jacques Lizène, 1974
« 144 tentatives de sourire… mais l’on sait le vécu quotidien de la plupart des individus, Accompagné de 881 tentatives de rire enregistrés sur cassette, tout d’une traite », 1974.
135 photographies NB, tirage argentique, marouflées sur carton, 9 x 73 x 61 cm et CD audio.

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Jacques Lizène, 2015
« Séquence de photographies formant une figure déjà vue », 1982. Copies digitales du Petit maître à la fontaine de cheveux, collages, dimensions variables.

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La galerie Nadja Vilenne, Liège, et Objectif Exhibitions, Antwerp, ont le plaisir de vous inviter au double vernissage de l’exposition « Fall upward, to a height » de John Murphy

John Murphy

Une exposition en deux lieux: Objectif Exhibitions, Anvers et Galerie Nadja Vilenne, Liège.
An exhibition on two places : Objectif Exhibitions, Antwerp and Galerie Nadja Vilenne, Liège

Liège : Vernissage le jeudi 12 novembre à 19 heures – Opening Thursday 12 November at 7pm
Antwerp : Vernissage le vendredi 13 novembre de 18 à 21 h. Opening Friday 13 November 18 – 21.00

Exposition: 13 novembre 2015 – 16 janvier 2016
Exhibition: 13 November 2015 –16 January 2016

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Jacques Lizène, 1973
« Derrière ces détails du paysage urbain, il y a la présence de la fatigue d’un ou de plusieurs individus. Et pour un seul, tous ou quelques uns d’entre eux la réalité vécue de la misère sexuelle et (peut-être) une certaine détresse difficilement supportable. Le perçu et le non perçu, 1972 ». Photographies NB argentiques et texte imprimé, 70 x 50 cm.

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Jacques Lizène, 1973
8 mai 1961 – 5 novembre 1965 – 7 mai 1968 – 2 novembre 1973. Les dates inscrites en légende de ces photographies sont fausses et mensongères (aieaieaie !) puisque ces quatre volets clos ont été en fait photographiés la même année (1972), un même jour, à peu près à la même heure… hop ! Le perçu et le non perçu, 1972, 4 photographie NB, tirage argentique, texte imprimé, 50 x 35 cm

Jacques Lizène

Jacques Lizène, 1973
« Derrière ces détails du paysage urbain, il y a la présence de la fatigue d’un ou de plusieurs individus. Et pour un seul, tous ou quelques uns d’entre eux la réalité vécue de la misère sexuelle et (peut-être) une certaine détresse difficilement supportable. Le perçu et le non perçu, 1972 ». Photographies NB argentiques et texte imprimé, 50 x 35 cm.

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Jacques Lizène, 1973
« Entre la onzième et la douzième prise de vue de cette même allée, un gravier a été retiré… la douzième photographie n’est donc pas identique aux onze autres… hopla ! Le perçu et le non perçu, 1972 » , 12 photographies NB, un gravier, 1973

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Jacques Lizène, 1971
Contraindre le corps à s’inscrire dans le cadre, 1971. Edition Yellow Now. Suite de 7 diapositives dont une diapositive titre.

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