septembre 2016

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Jacques Lizène

Jacques Lizène
Peinture nulle (1966), sur l’idée de mettre n’importe quel objet sur la tête (1994), sculpture génétique (1971), en remake 2010, photographie marouflée sur toile, rehaussée en technique mixte, 50 x 60 cm, 2010

Emilio Lopez Menchero

Emilio Lopez Menchero
Trying to be Valie Export, 2016
Photographie NB marouflée sur aluminium, 105 x 135 cm

Emilio Lopez-Menchero et Jacques Lizène participent à la Triennale d’Hasselt cette année placée sous le sigle de la « Trademark »

TRADEMARKS blindly define the landscape of our daily lives. Everything that is heard, seen, tasted, smelt and felt today is marked by logos and stories. These figurative marks are often so intertwined with the product that they become invisible.
On 1st October 2016 commences the multidisciplinary arts festival Stadstriënnale Hasselt-Genk, turning the spotlight onto these TRADEMARKS. Through contemporary art, fashion, design, music and photography the City Triennial in Hasselt and Genk discloses the stories behind originality, innovation and personal branding in artistic ways. Several exhibitions, socio-artistic projects and a myriad of invigorating activities take you on a 100 days of Logomania rollercoaster.

Ils participent tous deux à l’exposition « Identity as a TM », dont le commissariat est confié à Emmanuel d’Autreppe. L’exposition a lieu au Centre Culturel d’Hasselt du 1er octobre au 8 janvier 2017. Vernissage le 1er octobre 2016.

Notions such as ‘personal identity’ and ‘image’ seem to fade in the era of social media and selfies. The question remains to be asked however, as to if they are actually more present than ever? We gaze at ourselves through a catalogue of images of others, filled with decontextualized references. This exposition unwinds in a curious yet critical way the urge to ‘trademark’ ourselves. Anonymity, self-reflection and social stratification are blended into static or moving images, creating an ample variety of images in which the visitor can find and conform himself. The dynamic areas of the cultural centre do not only offer exhibition space, but rather a labyrinth with keys to ‘self-image-ination’.
Emmanuel d’Autreppe
Emmanuel d’Autreppe is Professor in History of Photography, Aesthetics and Literature at the Academy of Visual Arts, Sint-Lucas (Liège) and in 2016 deputy professor at the VUB (Brussels). He is director of the photographic collection of the Yellow Now editions and co-author of a study on social-professional photography in Belgium (Smart.be Foundation, 2012). He actively works with several institutes in Flanders and Wallonia, where he curates exhibitions on photography and visual arts.

Avec des oeuvres de :

Dave Anderson (US) – Nobuyoshi Araki (JP)- Diane Arbus (US) – BEN (Ben Vautier, FR) – Nadia Benchallal (FR) – Denis Bernier (FR) – Sara Bomans (BE) – Dominique Castronovo & Bernard Secondini (BE) – Nagib Chtaib (BE) – Lorelei Colpin (BE) – Raul Corrales (CU) – Cravat & Bada (BE) – Aurore Dal Mas (BE) – François de Coninck (BE) – Jean Depara (AN) – Bénédicte Deramaux (FR) – Hans Eijkelboom (NL) – Artur Eranosian (B) – Clyde Funtona (B) – Mario Gigli (B) – Nan Goldin (US) – Marion Gronier (FR) – Anne-Sophie Guillet (B) – Clara Gutsche (CA) – Laurent Henrion (BE) – Rob Hornstra (NL) – Solal Israel (BE) – Hana Jakrlova (CZ) – Djos Janssens (BE) – Hendrik Kerstens (NL) – Mona Kuhn (US) – Aurélien Lacroix (coll., BE) – Romain Leblanc (FR) – Peggy Lee Cooper (BE) – Leroy Brothers (BE) – Edouard Levé (FR) – Benjamin Leveaux (BE) – Jacques Lizène (BE) – Eva L’Hoest (BE) – Laurie Long (US) – Emilio Lopez Menchero (BE) – Baudoin Lotin (BE) – Ariane Loze (BE) – Marcel Mariën (BE) – Inge Morath (BE) – Shirin Neshat (IR) – Nathalie Noël (BE) – Aimé Ntakiyica (BE) – Frédéric Pauwels (BE) – Max Pinckers (BE) – Yves Pitchen (LU) – Richard Prince (US) – Jacob Rajchman (BE) – Jean-Yves Remy (FR) – Lola Reynaerts (BE) – Alain Rivière (FR) – August Sander (DE) – Antoine Schneck (FR) – Jacques Sonck (BE) – Grete Stern (AR) – Amalia Ulman (AR) – Annie van Gemert (NL) – Liza Van der Stock (BE) – James Vanderpuije (GH) – Manon Vanderweeghde (BE) – Frédéric Winand (BE) – Casimir Zagourski (POL/CON) Anon. (XIXe – Xxe)

Informations sur l’ensemble de la triennale : ici

Suchan Kinoshita

Suchan Kinoshita

Suchan Kinoshita
Meaning is moist, 2006
Mixed media

Suchan Kinoshita participe à l’exposition « Behind the curtain. Concealment and Revelation since the Renaissance. From Titian to Christo » qui se tient au Museum KunstPalast à Dusseldorf du 1er octobre au 22 janvier 2017

Set against the background of the legend of the origin of mimetic painting – the tale of the contest between the ancient painters Zeuxis and Parrhasios – this thematic exhibition takes a look at the motifs of veil and curtain, thus illuminating fundamental issues of painting and fine art in general. The exhibition demonstrates the interplay between showing and concealing, revealing and veiling with a range of exclusive loans of art. The works range from Renaissance and Baroque paintings to modern and contemporary art. Alongside the key work of the exhibition, Titian’s “Portrait of Cardinal Filippo Archinto” from the Philadelphia Museum of Art, Museum Kunstpalast presents a variety of loans from international museums and private collections, including works by Giovanni Bellini, François Boucher, Max Beckmann, Arnold Böcklin, Robert Delaunay Gerhard Richter. The exhibition is curated by General Director Beat Wismer and Claudia Blümle, Professor at the Institute of Art and Visual Studies of Humboldt Universität in Berlin.

Die Ausstellung widmet sich anhand der Motive Schleier und Vorhang Grundfragen der Malerei und der bildenden Kunst. Das Wechselspiel zwischen Zeigen und Verbergen, Enthüllen und Verhüllen wird durch hochkarätige Leihgaben internationaler Museen verdeutlicht – von Tizian über Rubens bis Gerhard Richter, von der Malerei der Renaissance und des Barock über die Kunst der Moderne bis hin zur Gegenwart.

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Jacques Lizène

Jacques Lizène, Sculpture nulle 1980 avec fumigène, remake 1988. (Collection BPS22)

Jacques Charlier, Jacques Lizène, Emilio Lopez Menchero, Pol Pierart participent tous les quatre à l’exposition Panorama, oeuvres de la collection de la Province de Hainaut au BPS22. Vernissage ce 23 septembre 2016.

À partir du 24 septembre, le BPS22 Musée d’art de la Province de Hainaut propose aux visiteurs deux expositions, l’une dans la Salle Pierre Dupont, l’autre dans la Grande Halle, qui interrogent le rapport qu’entretient l’homme à son environnement.

Metamorphic Earth est la nouvelle installation vidéo immersive du duo d’artistes Gast Bouschet et Nadine Hilbert. Leur art interroge le rapport de l’homme à son environnement. À l’heure où les écosystèmes sont menacés par l’action humaine, que les ressources naturelles s’épuisent, quel équilibre peut encore être (re)trouvé ? Et comment les artistes peuvent-ils y contribuer ? Inspiré par les nouvelles théories et études sur l’évolution de la planète, le duo immerge les visiteurs au cœur d’immenses projections vidéos, rythmées par une puissante bande sonore créée par Stephen O’Malley qui évoque les incessantes métamorphoses et transformations qui animent le cosmos.
En parallèle à Metamorphic Earth, Panorama revisite le genre du paysage au travers d’une sélection d’œuvres contemporaines issues de la collection de la Province de Hainaut. Les œuvres choisies font ainsi écho au rapport qu’entretient l’homme à la nature, au décor et à son environnement. L’exposition rassemble une quarantaine d’artistes dont certains étoffent le propos avec des pièces récentes (hors collection). Au départ d’une multitude de points de vue, réels ou imaginaires, Panorama aborde le désir de rationaliser l’espace, de le personnifier, de l’appréhender ou de le dominer.

Artistes : Gabriel Belgeonne, Balthasar Burkhard, Marie-Ange Cambruzzi, Jacques Charlier, Michel Cleempoel, Michel Couturier, Michael Dans, Edith Dekyndt, Simona Denicolai & Ivo Provoost, David Evrard, Christine Felten & Véronique Massinger, Michel Francois, Michel Frère, Bruno Goosse, Louise Herlemont, Marin Kasimir, Jan Kopp, Sébastien Lacomblez, Frédéric Lefever, Jacques Lizène, Emilio López-Menchero, Jean-Marie Mahieu, Xavier Mary, Deimantas Narkevicius, Juan Paparella, Pol Pierart, Benoit Platéus, Eric Poitevin, Benoît Roussel, Ruptz, Mira Sanders, Franck Scurti, Allan Sekula,José María Sicilia, André Stas, Thierry Tillier, Massimo Vitali

Des évènements viendront compléter la programmation dès octobre 2016 : une journée de réflexion, des goûters philo, des conférences apéro, une performance dansée de Alkistis Dimech sur la musique live de Kevin Muhlen et un concert de Stephen O’Malley.

24.09.2016 > 22.01.2017
Musée d’art de la Province de Hainaut
Bd Solvay, 22 – 6000 Charleroi

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Cafard, Olivier Foulon and Alexander Lieck
18 september – 30 december 2016
Opening on saturday 17 september, 7-10 pm

Cafard, Olivier Foulon & Alexander Lieck

Rib is pleased to invite you to the opening of CAFARD by Alexander Lieck and Olivier Foulon. This exhibition which consist of newly produced works has been in the making for over a year and is the result of a conversation between the artists.
The artists will be present and for the opening they are joined by Bar Vulkan, a feminist collective from Berlin who will be sitting inside the midnight Tipi.

RIB
Katendrechtse Lagedijk 490B
3082 GJ Rotterdam— NL
Open: Fri – Sat, 2 – 6 pm
and by appointment

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Charlotte Lagro

charlottes Lagro

A propos de Perdu à Pepinster, un texte d’introduction d’ Anne-Françoise Lesuisse :

L’exposition proposée par Charlotte Lagro (NL, 1989) est fondée sur la mise en commun d’expériences et l’exploration partagée d’une problématique ou d’une question. Lagro a travaillé d’une part avec avec le Laboratoire des émotions et du cerveau, dirigé par Béatrice de Gelder, du Département de Psychologie et Neuroscience de l’Université de Maastricht et d’autre part avec le collectif parisien G’old Time Solutions (Mathilde Ganancia et Baptiste Pays).
Le laboratoire scientifique développe une série d’expérimentations sur la perception et l’expression des émotions, notamment la peur, au travers des expressions du corps et du visage. En résidence dans cet environnement scientifique pendant plusieurs mois, Charlotte Lagro a invité les chercheurs à s’immerger avec elle dans une situation qui matérialiserait leurs objets de recherche. Le groupe a ainsi passé un week-end dans la région de Pepinster, à la frontière des Ardennes, plus exactement dans les vestiges du Château de Mazures. De longues balades nocturnes dans la forêt les ont mis en contact avec la faune sauvage et ont été aussi l’occasion de discussion, d’observation et de confrontations réelles lors desquelles l’imaginaire des scientifiques étaient mobilisé, eux qui sont habituellement plutôt à la place d’observateurs, dans un environnement neutralisé. L’équipe du laboratoire s’est spécialisée dans l’étude des expériences de « sortie de corps », d’hallucinations ou de capacité à se sentir, à se percevoir dans un autre corps comme dans le sien. Dans l’aventure de Pepinster, qui fut filmée de bout en bout et qui constitue la matière de l’installation en quatre vidéos qui encerclent le spectateur, Charlotte Lagro a mis aussi l’accent sur la liaison entre les hommes et les animaux, ces derniers pouvant réagir « humainement », les premiers pouvant tout autant retrouver une nature animale dans certaines circonstances. L’ensemble de l’expérience et les vidéos qui en résultent (à la fois documentaires mais travaillées aussi par la fiction et l’abstraction rendues possibles par les imprévus des circonstances) traitent de ces moments de passage où, grâce à l’émotion forte, les limites de l’humanité (mentales et corporelles) se dématérialisent pour donner naissance à d’autres états, plus indécis, plus aigus, plus mystérieux.
En amont du week-end, dans le cours de l’élaboration du projet, Charlotte Lagro a interrogé le G’old Time Solutions pour obtenir de lui des conseils et des solutions afin de mener à bien le week-end et ses objectifs. G’old Time Solutions est une association artistique qui rassemble, à travers un bureau installé dans une maison de retraite de Montreuil, un comité de personnes âgées à qui sont soumises toute une série de questions et de problèmes que les gens encore actifs, souvent pressés et encombrés de contraintes au quotidien, sans plus de temps de réflexion sur leur vie, leur posent. L’expérience acquise de ces aînés est donc transformée, non pas en mémoire inerte et inutile, en traces du passé à conserver pour elles-mêmes, mais en conseils pratiques et en solutions concrètes pour le présent et le futur. L’espace de l’exposition accueillera aussi un espace dédié à G’old Time Solutions, avec des interfaces permettant de rentrer en contact avec ce comité des sages d’un nouveau type.
Le travail de Charlotte Lagro fonctionne comme un mise en réseau toujours en mouvement, toujours en développement, où des dimensions sont ajoutées les unes aux autres, créant des tunnels entre des espaces, des temps et des contextes différents. En cela, sa méthode emprunte à la science, dans une grande liberté, pour étudier les effets, réels d’abord et artistiques dans un second temps, de paramètres peu orthodoxes, scientifiquement parlant, mais qui participent d’une curiosité avide pour le vivant et d’une volonté de donner visage humain et visisbilité à des principes abstraits ou à des hypothèses.

The exhibition proposed by Charlotte Lagro (NL, 1989) is founded on the pooling of experiences and the shared exploration of a problem or a question. Lagro worked on the one hand with the Brain and Emotion Lab led by Beatrice de Gelder, of the department of Psychology and Neuroscience at Maastricht University, and on the other with the Paris collective, G’old Time Solutions (Mathilde Ganancia and Baptiste Pays). The science laboratory develops a series of experiments on thevperception and the expression of emotions, fear in particular, through the expressions of the body and the face. In residence in this scientific environment for several months, Charlotte Lagro invited researchers to immerse themselves, along with herself, in a situation giving tangible form to their research subjects. Thebgroup thus spent a weekend in the region of Pepinster, bordering the Ardennes, and more specifically in the vestiges of the Château de Mazures. Long nocturnal walks brought them into contact with the wild fauna; they were also the opportunity for discussions, observations and real confrontations in which the imagination of the scientists was enlisted, people who are habitually in the positionvof observers, in a neutralised environment. In the adventure of Pepinster, which was filmed from beginning to end, and which constitutes the subject matter of the installation in four videos which encircle the viewer, Charlotte Lagro also highlights the link between human beings and animals, the latter being able to react ‘humanly,’ the former similarly being able to rediscover an animal nature in certain circumstances. The ensemble of the experiment and videos which emerge from it (both documentary in nature but also worked on by fiction and the abstraction made possible by the unforeseen events of circumstances), focus on these fleeting moments when, thanks to intense emotions, the limits of humanity (mental and corporal) dematerialise to give rise to other states, more indistinct, more acute, more mysterious. Prior to the weekend, whilst she was developing the project, Charlotte Lagro asked questions of G’old Time Solutions to obtain from them advice and solutions to see through the weekend and its objectives successfully. G’old Time Solutions is an arts association which brings together, through an office installed in a Montreuil retirement home, a committee of aged people to whom are submitted a whole series of questions and problems by people who are still active, often in a hurry and encumbered with the constraints of everyday life, and without the time to think through their lives.
The work of Charlotte Lagro functions like the setting up of a network which is always shifting, always developing, where dimensions are added one to the other, creating tunnels between different spaces, times and contexts. Her method pertains to an avid curiosity for the living and the wish to give a human face and visibility to abstract principles or to hypotheses.

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Benjamin Monti

Benjamin Monti

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre Sans titre (blatte), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles) 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti,
Sans titre Sans titre (coupe du prunus dycotilée), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti,
Sans titre Sans titre (cuticule de la peau de la grenouille), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti,
Sans titre (coupe transversale du rein de grenouille), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti,
Sans titre (polystomelle), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti,
Sans titre (papilionacée Cytisus), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti,
Sans titre (coupe longitudinale de l’agave), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti,
Sans titre (Infusoires parasites de la grenouille), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre (Ascomycètes : Péziza), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre (Taxacée : Taxus), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre (Chlorophytum monodylée), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre (microspores du pin), 2010-2015
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles), 22,7 x 14,5 cm

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Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2015
Encre de chine sur cartes perforée de la « Courage-Organisation SA » 21 x 14,7 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2015
Encre de chine sur cartes perforée de la « Courage-Organisation SA » 21 x 14,7 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 14 janvier 2016
Encre de chine sur cartes perforée de la « Courage-Organisation SA » 21 x 14,7 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 7 mai 2015
Encre de chine sur cartes perforée de la « Courage-Organisation SA » 21 x 14,7 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2015
Encre de chine sur cartes perforée de la « Courage-Organisation SA » 21 x 14,7 cm

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Marie Zolamian

Rentrée des classes. Le Château Intérieur, sculpture de Marie Zolamian, est actuellement installé sur les pelouses du Lycée Liège II, en face de la galerie Nadja Vilenne

Conçu en 2014, à l’occasion d’une exposition dans les jardins du château de Jehay, Le Château Intérieur de Marie Zolamian, cette inaccessible cage, fait référence au « Château Intérieur » (le livre des demeures), chef-d’œuvre de Thérèse d’Avila, l’un des ouvrages le plus important de la spiritualité et de l’expérience mystique de l’Occident.

« Pour revenir à notre bel et délicieux château, nous devons voir comment nous pourrons y pénétrer. J’ai l’air de dire une sottise : puisque ce château est l’âme, il est clair qu’elle n’a pas à y pénétrer, puisqu’il est elle-même ; tout comme il semblerait insensé de dire à quelqu’un d’entrer dans une pièce où il serait déjà. »
Le château intérieur, Thérèse d’Avila, 1577.

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Benjamin Monti

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2016
Collage sur papier, 29,7 x 21 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2016
Collage sur papier, 29,7 x 21 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2016
Collage sur papier, 29,7 x 21 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2016
Collage sur papier, 29,7 x 21 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2016
Collage sur papier, 29,7 x 21 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2016
Collage sur papier, 29,7 x 21 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2016
Collage sur papier, 29,7 x 21 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2016
Collage sur papier, 29,7 x 21 cm

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 2016
Collage sur papier, 29,7 x 21 cm

Benjamin Monti

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Benjamin Monti

Quand un artiste est invité à exposer dans un bistrot, mais que peut-il bien produire ? Un sous-bock (ou encore carton de bière, ou encore rond à bière, ou encore soucoupe éponge) et pourquoi pas un jeu de cartes, pardi. C’est toujours plus utile que d’accrocher ses œuvres aux cimaises. Benjamin Monti s’est employé, cet été, à produire l’un et l’autre afin de répondre à l’invitation de Dédale 2016, une dérive urbaine, pardon un tour de ville, organisé dans les vieux bistrots hutois. Ainsi a-t-il conçu avec trois complices, Marc Brunier-Mestas, Daniel Nadaud et Billie Mertens, un jeu de 52 cartes, à chacun sa couleur. Dans la foulée, il s’est intéressé au papier peint du café Le Métro, un trompe l’œil ou effet matière reproduisant un texte motif ornemental et répétitif : « Illusion is the first of all pleasures » citation faussement attribuée à Oscar Wilde. (En réalité, c’est à Voltaire qu’il faut l’attribuer : « L’illusion est le premier plaisir » écrit-il dans l’une des versions de son poème satyrique « La Pucelle d’Orléans »). Du coup, Benjamin Monti s’est intéressé à ces notions d’erreur et d’illusion et transforme cinq sous-bocks en thaumatropes, un jouet optique créé au 19e siècle qui exploite le phénomène de la persistance rétinienne. L’erreur et l’illusion rejoignent ainsi la vérité au fond du verre.

Benjamin Monti
Benjamin Monti
Benjamin Monti

Première tournée ce 9 septembre, dernier verre le 9 octobre.

 

Benjamin Monti

Le Centre culturel de l’arrondissement de Huy communique :
Pour sa quatrième édition, la biennale Dédale investit les bistrots de Huy. Une dizaine de plasticiens proposeront des installations dans des cafés.
Les bistrots représentent de véritables microcosmes humains, des lieux de convivialité et de rencontre. Et c’est dans ces lieux qu’une découverte hors du commun est possible, celle d’une photographie, d’une musique ou d’une installation entretenant un lien intime avec l’espace, l’histoire du « milieu ». Tendance caberdouche ou grande brasserie, de chez nous ou exotique, plutôt snack graisseux ou repère louche, terrasse champêtre ou véranda urbaine, hall de gare ou coin tranquille, tous ces endroits ont leur caractère, leur sensibilité, leur tonalité. C’est le point de chute de tous les anonymes, là même où certains artistes parfois se fondent pour pouvoir travailler sans avoir à affronter l’encombrement de leur solitude.
Les petites villes de province n’échappent pas à la règle : si quelque chose comme l’âme ou l’esprit d’une communauté peuvent exister, si sa grande histoire et ses petites anecdotes peuvent y cohabiter, ses rires et ses larmes se confondre, le meilleur et le pire des idées s’échanger, c’est bien là, au bistrot. En ces temps où se réaffirment des particularismes, des communautarismes agressifs, des méfiances vis-à-vis de l’autre teintées d’intolérance, le café reste le lieu d’une relative neutralité culturelle et sociale, d’une mixité possible, le foyer d’ouvertures à alimenter.
En choisissant les bistrots comme axe principal, cette édition de Dédale entend donc essayer d’aligner la question du thème, celle des lieux d’exposition, ainsi que celle des publics abordés ou rencontrés et des valeurs citoyennes à défendre. L’artiste donnera une autre dimension à l’espace en proposant aux personnes la découverte d’une création plastique originale, tantôt sur base de récits ou d’histoires, d’une architecture, des gens qui fréquentent tel ou tel endroit…
De la gare de Statte à la gare de Huy, de la rive gauche à la rive droite, jusqu’aux abords de Marchin, ce parcours des arts contemporains en milieu urbain permettra aussi à chacun de redécouvrir différents lieux publics, connus ou méconnus.

Les artistes sont Marc Brunier-Mestas, Florence Cats et Joseph Charroy, Vinciane Hannotte, Jacky Lecouturier, Philippe Luyten, Billie Mertens, Benjamin Monti, Daniel Nadaud, Christophe Piette, Lola Reynaerts. On les retrouvera dans les bistrots suivants : Le Terminus, Le Métro, La Poste, Le Chez Nous, L’Expression, Le Vieux Huy, L’Adriatique et la cafétaria de l’Hotel du Fort. C’est une organisation du Centre culturel de l’Arrondissement de Huy, avec le soutien de la Fondation Bolly-Charlier.

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Olivier Foulon

Olivier Foulon
Vanité

Opening: Friday 9 September, 6.30 to 9pm

An exhibition taking place at Kunstraum and on the South wall of Gallery 4 of the National Gallery from 9 September till 29 October, 2016, on the occasion of the research and release of “Isa Genzken’s Ring », a publication edited by Olivier Foulon, published by (SIC), Brussels and Kunstraum, London, with the support of Henry Moore Foundation and Fédération Wallonie-Bruxelles.
Kunstraum | 21 Roscoe Street | London EC1Y 8PT | Old Street / Barbican
Wednesday to Friday, 11am – 6pm; Saturday, 12 – 6pm | kunstraum.org.uk

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Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 9 mai 2015
Encre de chine sur cartes perforée de la « Courage-Organisation SA », 21 x 14,7 cm

It is the need to draw, and repeat – like a lesson, a poem, a punishment – the image, which is the falsely naive and academic driving force of Benjamin Monti. For this exhibition at the Museum, the tenth cycle of our Amateurs’ room kept for intimate works, the artist wanted to present, as a telling indicator of his obsession with drawing, three more or less identical portraits of his « grandma » which he did when he was around 7 years old; but three drawings by a child which appear disturbing when one discovers that they date from the very day on which his grandmother, clearly loved, died, thus forever disappearing from his sight. Is it in order to show that, since then, he has never stopped discharging this duty: to be a seismograph of his existence, someone who will graphically depict its shocks? However his work is not, on the face of it, the symptom of any severe trauma. His stroke is not expressionist and comes from the clear line, placed on graph paper or on the pages of old school books in which notes and drawings can be seen that are just as clean and applied. Likewise, his figures are not personal, in the sense that they are not directly produced by his imagination, but rather are extracts from the ready-made fantasy worldof obsolete encyclopaedias, children’s stories or learning manuals; namely pictures of Épinal and stereotypical models, which he applies himself to calmly copying and especially to playfully distorting. But nobody is fooled. The work of Benjamin Monti, conventional at a first glance, derives from a diversion from the right direction and the right behaviour, which is close to surrealism: consider Max Ernst’s collage-novel, like La Femme 100 têtes (1929) or Une semaine de bonté (1933). If you look closely at them, it is, moreover, this same flavour of delicate perversity which is released; the fruit of the alliance between innocence and criminality, playfulness and cruelty, pleasure and suffering. Which allows us, why not, to look at them as « desiring machines ».

Denis Gielen, The need of repetition, MAC’s Cabinet d’Amateur n°10

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 15 janvier 2016
Encre de chine sur cartes perforée de la « Courage-Organisation SA », 21 x 14,7 cm

C’est la nécessité de dessiner et de répéter – comme une leçon, une chanson, une posture – telle figure, qui est le moteur de l’imagerie poétique et acrobatique de Benjamin Monti. Cette nécessité de répétition, l’artiste en repère lui-même l’origine dans une première séquence troublante : trois portraits à peu près identiques de sa « mémé » réalisés vers l’âge de 7 ans et datés du jour même où elle mourut, se soustrayant ainsi de sa vue pour toujours. Est-ce pour affirmer que, depuis, il ne cesse de remplir un même devoir : être le sismographe de son existence, celui qui graphiquement en traduira les secousses ? Pourtant son œuvre n’est, en apparence, le symptôme d’aucun trauma profond. Son trait n’est pas expressionniste, qui relève d’une ligne claire, soigneusement posées sur du papier millimétré ou des pages d’anciens cahiers d’écoliers où figurent déjà des notes et des dessins tout aussi proprement appliqués. De même, ses figures ne sont pas personnelles, au sens où elles ne sont pas produites directement par son imagination mais extraites de l’imaginaire ready-made d’encyclopédies désuettes, de contes pour enfants ou de manuels d’apprentissage ; soit des images d’Epinal et des modèles stéréotypés qu’il s’applique calmement à recopier et surtout, à détourner avec malice. Mais que personne ne s’y trompe. Les dessins de Benjamin Monti, sages à première vue, procèdent d’un détournement du bon sens et de la bonne conduite, proche du surréalisme : on songe aux romans-collages de Max Ernst, comme La Femme 100 têtes (1929) ou Une semaine de bonté (1933). A bien les regarder, c’est d’ailleurs ce même parfum de délicate perversité qui s’en dégage ; fruit de l’union entre innocence et criminalité, jeu et cruauté, plaisir et souffrance. D’où, naturellement, l’impression que ses propres dessins, couplés souvent à d’autres sources, à des dessins d’autrui ou d’un autre âge, fonctionnnent comme ces « machines désirantes » que Gilles Deleuze et Félix Guattari ont imaginées pour décrire l’inconscient non plus comme un théâtre mais comme « une usine, un lieu et un agent de production », et partant, le désir non plus comme manque mais comme « agencement ». C’est qu’il ne faudrait pas voir, par exemple dans les trois dessins d’enfant que Benjamin Monti a choisi d’intégrer à son œuvre, que le signe d’une perte et de l’absence de « mémé » perpétuellement rejouée sur la scène familiale. Car ce serait ignorer la place, évidente aujourd’hui, de ces dessins dans une vision qui inscrit, sans interruption depuis l’enfance, ses signes singuliers dans un monde, un univers ou un cosmos qui préexistent à la famille. ‘L’inconscient ne délire pas sur papa-maman, il délire sur les races, les tribus, les continents, l’histoire et la géographie, toujours un champ social’.

In : Denis Gielen, la nécessité de répétition, cycle Cabinet d’amateur n°10

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre (de la série Perspecta), 2015
Encre de chine sur formulaire millimétré, 29,7 x 21 cm

(…) Reprise donc, et emprunts incessants. Les illustrations provenant d’almanachs et d’encyclopédies, de manuels scolaires… constituent les « curiosités surannées » dont l’artiste fait son miel. Datant de la fin du 17ième jusqu’au début du 20ième siècle, cette documentation n’a pas pour mise la nostalgie. Elle témoigne plutôt d’un certain élan moderne, de son catéchisme positiviste, de sa foi en l’objectivation souveraine d’un monde en passe d’être définitivement conquis. A grand coup de noms latins et d’organigrammes, de papiers millimétrés ou de cartes perforées, s’est peu à peu construit puis sédimenté le sol sur lequel nous évoluons. Rien de plus présent que ce passé qui, quotidiennement, sans même qu’il soit explicitement convoqué, justifie l’évidence de nos conceptions politiques et guerrières, heureuses ou viles qu’importe, pourvu qu’elles soient bureaucratiquement transfigurées. La rationalité en guise de Raison forme les entreprises et les nations, le catalogue des sciences et des techniques, notre sens pratique, et somme toute, la fermeture ou l’horizon des possibles, c’est selon.
Sur ce fond toujours agissant, Benjamin Monti colporte d’autres motifs. Très souvent celui du corps, agent et émissaire de l’ordre moral ou naturel qu’il exprime et incarne. Pas moins objectivés que l’Ascaris Méga/acéphale ou la Tige de Renoncule avec lesquels ils voisinent, les corps sont chez Monti les figures édifiantes de l’élève, du parent, du bourreau, du martyr, du soldat. Recopiés à l’encre de Chine, ces dessins ou gravures expriment d’abord l’abnégation d’illustrateurs anonymes qui, dans l’hygiénisme de leurs traits et leur suffisance académique, cachent autant qu’ils ne dévoilent la fausse humilité des Grands Educateurs, contempteurs de toutes gaucheries, failles ou désordres. Ici on dresse et on fouette, mais toujours de façon charitable. Ces choses peuvent sembler loin, mais le dégoût ou la nostalgie pour ce passé ne doit pas faire oublier que, de la gymnastique à la psychomotricité, de l’emmaillotage au « corps libéré », notre anatomie a toujours été l’enjeu de lourds prescris pédagogiques – une véritable affaire d’Etat. (…) Cette généalogie n’appelle aucune image conclusive. Il faut à l’artiste une multitude d’associations, de dessins recopiés, parfois détournés, et d’archives. Ce qui chez Monti fait image est l’infinie relance de ces motifs et objets qui, de scène en scène, constituent autant de tableaux. Pas au sens de la peinture, mais plutôt du théâtre : un enchainement de points du vue et de décors qui ne suspendrait jamais le récit et l’action.

In : Benoît Dusart, « Benjamin Monti, L’engouement pour la reprise », L’Art Même, #69, 2016.

Benjamin Monti

Benjamin Monti
Sans titre, 7 mai 2015
Encre de chine sur cartes perforée de la « Courage-Organisation SA », 21 x 14,7 cm

Ce Liégeois (1983, vit à Liège) de souche qui grandit dans une librairie entouré de parents très littéraires, ne pouvait que s’intéresser aux livres. Il les choisit anciens et toujours illustrés. Logique puisque c’est sur les dessins que son regard et son esprit se fixent. Il ne se contente pas de les observer, il les veut pour lui. Donc, il les recopie. Fidèlement, à l’encre de Chine sur des papiers trouvés et achetés. De vieux papier de préférence. Du papier opaque et cristal car il permet les transparences et le jeu des superpositions d’images, du papier millimétré, des cartes perforées de la « Courage-Organisation SA », du papier avec des dessins signés. La couleur est rare, parcimonieuse. Elle apparaît dans des cartes géographiques et des plans, sur des feuilles déchirées et déjà annotées à l’encre rouge ou au crayon bleu, dans des dessins ou ratures préalables. Lui, c’est le noir absolu. A l’exception de trois dessins de « Mémé », exécutés à l’âge de7 ans, le jour du décès de sa grand- mère.
Benjamin Monti nous plonge dans l’ancien temps. Celui qui n’a pas d’âge mais qui n’est plus le nôtre. Celui où l’on dessinait avec précisions les plantes dans des carnets de botanique. Celui où l’on accompagnait les textes d’encyclopédies de dessins illustratifs. Il ne laisse pas ces archives intactes, il intervient en dessinant d’autres sujets, il place son grain de poivre, il propose des rapprochements à interpréter, il glisse des insinuations, déplace le propos, suggère d’autres lectures qui pourraient, sait-on jamais, entretenir des liens avec notre actualité.. Le monde ne changerait-il pas autant qu’on l’imagine? Les contes pour enfants peuvent friser l’horreur, la violence actuelle n’a rien à envier à celle d’hier, les jeux sont-ils moins innocents, les comportements adaptés sont-ils modifiés en profondeur? Et si finalement Monti traversait le temps pour atteindre le nôtre?

In : Claude Lorent, Et si le temps ne faisait rien à l’affaire, La Libre Culture, mars 2016

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Aglaia Konrad, dont l’exposition From A to K  reste accessible au Musée M à Leuven jusqu’au 18 septembre, consacrait en 2007 une oeuvre filmique à la maison Gilet située à Angleur, en région liégeoise.

Construite entre 1967 et 1968 par l’architecte Jacques Gillet (1931), en collaboration étroite avec le sculpteur Félix Roulin (1931) et l’ingénieur René Greisch (1929-2000), elle découle d’une recherche de synthèse entre les dimensions fonctionnelle et esthétique du bâtiment. Constituée de nombreux voiles de béton, la maison offre des points de vue multiples. Par la vidéo, Aglaia Konrad tente de saisir dans un continuum le regard porté sur l’architecture. Ce film capture ainsi la composition des masses, des volumes, des pleins et des vides, en mêlant plans fixes et lents déplacements de la caméra. L’artiste porte sur ce bâtiment un regard analytique dénué de toute rhétorique. Par une grande maîtrise formelle, elle réussit à rendre les qualités organiques et sculpturales du bâtiment. Dans des variations infimes de lumière et de séquences, elle capte l’expressivité et la plasticité des surfaces de béton brut. Traitant l’architecture en plans rapprochés, elle ne fait apparaître l’environnement naturel que parcimonieusement ; le montage de la vidéo qui entremêle des plans intérieurs et extérieurs, montre alors la continuité plastique inhérente à la conception de cette maison. En marge du film, le spectateur peut écouter à travers un casque des extraits de « conversations », entre les architectes Wim Cuyvers et Jacques Gillet, ainsi qu’entre Félix Roulin et l’artiste Jöelle Tuerlinckx. Aglaia Konrad distingue ainsi dans l’espace et le temps d’exposition différents modes d’accès à une même architecture : appréhension lente, contemplative et muette par l’image ; ouverture à une dimension subjective, historique et critique, par le son. (source : Les Turbulences, FRAC Centre, aperçu des collections)

Le Salon

Le site web Le Salon, plateforme en ligne présentant, documentant et réfléchissant la scène artistique contemporaine bruxelloise, a eu récemment l’heureuse initiative de publier un texte de Wim Cuyvers relatif à la Maison Gilet, « The Cocoon of Love », un texte publié à l’origine en 2010 dans la revue OASE#81, ainsi qu’une série de photographies NB et couleurs, dont bon nombre inédites, faite par Aglaie Konrad durant les repérages qui ont précédé le tournage du film Sculpture House.

C’est à consulter : ici

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open studio

A l’occasion de sa résidence à AIR Antwerpen (juin-septembre 2016), Marie Zolamian participe à Open Studio 2016, une studio-route organisée par le NICC et Studio Start.

Een kunstenaar en een stad zijn op velerlei manieren met elkaar verweven. Waar ligt de aantrekkingskracht van een stad voor de praktijk van een kunstenaar? Waar stoot de kunstenaar op de grenzen van de stad? Hoe gaat een stad in zijn verschillende beleidsdomeinen om met de aanwezigheid van kunstenaars? Uit deze spanningsvelden willen NICC en Studio Start bruikbare instrumenten opdiepen ter versterking en ondersteuning van een stedelijk en geïntegreerd kunsten- en kunstenaarsbeleid.
Daarom slaan NICC en Studio Start na een eerste succesvolle editie in 2012 de handen opnieuw in elkaar en presenteren zondag 4 september tussen 14u en 19u ‘Open Studio’s 2016’, de derde editie van de professionele studioroute die de aanwezigheid van beeldende kunstenaars in kaart brengt.
Deze editie staat in het teken van ‘Made by Artists’ of hoe kunstenaarsinitiatieven, hun vernieuwende praktijken, projecten en organisaties een scène en een stad vorm, gestalte en karakter geven.
Tegelijkertijd richten NICC en Studio Start zich tot vertegenwoordigers van stedelijke en gemeentelijke overheden om inzicht te geven hoe op een inspirerende en goedkope manier met leegstand omgegaan kan worden.

http://www.openstudios.be

For the first edition of the new annual exchange program between AIR Antwerpen and RAVI, Liège visual artist Marie Zolamian is invited for a residency of three months in AIR Antwerpen, during which she is researching the phenomenon of the Antwerp Zoo and its appropriation architecture of the original surroundings of the animals.

The practice of Marie Zolamian can be seen as a series of sequences that ultimately constitute an experimental documentary of a fictional ethnology, through which she tries to seize the heritage of an elected community that is unknown to her. Marie Zolamian questions the notion of belonging to a territory, to a surrounding. These ‘chosen exiles’ in micro-communities bring forward micro-stories and recompose mental images. They mostly rely on a story, a testimony that affects the individual and the community, based on a subjective attachment to a place or an inherited object. In the end, these are repeated integration attempts, through learning process, adaption, mimetism, during which discordant relationships are established between identity, tradition and authenticity, between locality and culture. The work process is based on serial production of portraits, of links between the environment and a personal or collective history. Each series is a visual archived trajectory, starting from an unknown here moving to an unknown there.

Marie Zolamian studied fine arts at the Royal Academy of Liège and La Cambre in Brussels. Zolamian was invited for the following solo exhibitions (a selection): Memento, Galerie Nadja Vilenne, Liège, 2016; Ne pas confrondre la réalité des images, City Hall of Chênée, Liège, 2015; I am a man now, what do you want more?, Künstlerhaus Bethaniën, Berlin, 2013; The disoriented, Galerie Nadja Vilenne, 2012; Untitled, La Châtaigneraie, Flémalle, 2011. Marie Zolamian was also selected for the follwing group exhibitions (a selection): Grandchildren, Depo, Istanbul, 2015; De burgemeester van Veurne, EMERGENTgalerie, Veurne, 2015; Listen your eyes, Contemporary Art Biennial of Dakar, 2014; Here is always somewhere else, Château d’Oud Rekem, Lanaken, 2013; Qalandiya International, Birzeit & Abwein, Palestine, 2012.

http://www.airantwerpen.be/en/residents/marie-zolamian

AIR Antwerpen nurtures intercultural dialogue that arises from its local roots and the cultural, social and political current environment that Belgium offers. Embedded in a city with a glorious past and a vibrant contemporary art scene, AIR Antwerpen triggers conversational exchange between past and present, local and global.

Open studio, 4 septembre 2016 – 14h-19h.
AIR Antwerpen
Officierswoningen Brialmont
Kielsevest 23 – 25 / 31 – 33
2018 Antwerpen

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A l’occasion de son exposition personnelle « Perdu à Pepinster », organisée par La Space Collection dans le cadre de la Biennale de l’Image possible 2016, Charlotte Lagro a été invitée à programmer une video night qui se déroulera sur la terrasse de la space Collection, le samedi 3 septembre  à partir de 21h. Avec la complicité amicale de Mathilde Ganancia, Charlotte Lagro a établi le programme suivant, auquel participe Jacques Lizène.

Haley Bueschlen (NY)
Sophia Cleary (LA)
Arnaud Dezoteux (Paris)
Virgile Fraisse (Paris)
Gregory Kalliche (NY)
Jacques Lizène (Liège)
Kianoosh Motallebi (Bxl)
Pilvi Takala (Berlin)

Chacun confronte à sa manière le singulier au gigantesque: passant de l’individu face aux immenses institutions, à l’immersion totale hypnosant l’individu. À travers l’animation, la fiction performée, la performance documentée ou encore l’interview revisité, les artistes se glissent dans différents rôles pour fabriquer de nouvelles formes d’introspections.

Space collection
En Féronstrée 116
4000 Liège
Samedi 3 septembre, à partir de 21h.

Jacques Lizène

Ahahaharchitectures gonflables, musée virtuel, en remake 2012 Vidéo, couleurs, son, 00:11:48, 2012. Infographie et montage numérique : Dominique Castronovo. Bande son sur une musique de Jacques Lizène. Réalisation AVCAN.

Proposition pour une exposition virtuelle, 1983-1984 partout dans le monde, y compris au Palais de Tokyo, dans un musée gonflable avec ascenseur à vide d’air, gonflable qui n’a rien à voir avec le zeppelin de Panamarenko.

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