Alevtina Kahkidze est l’invitée d’Art On paper with Bozar et produit pour le hall d’entrée de la foire une installation intitulée « I still draw love, plants and things », coproduction entre BOZAR et Art On paper. L’artiste s’entretiendra avec Sophie Lauwers (Bozar) et Pauline Hatzigeorgiou (Art on Paper), co-curators de l’installation, ce samedi 9 septembre de 16 à 17h au Bozar Studio. Elle proposera ensuite une performance relative à l’installation produite. Toujours à Bozar Studio, de 18 à 19h.
Alevtina Kakhidze, I still draw love, plants and things, 2017
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Exhibition view
John Murphy
For the eyes of dogs to come, 2015
Photocopy, gouache, pen and ink on board, 46 x 54 cm
John Murphy
Words fall like stones, like corpses, 2015
Photocopy, gouache, pen and ink on board, 46 x 54 cm
John Murphy
Cadere. Waste and Cadavers All, 2015
Photocopy, gouache, pen and ink on board, 46 x 54 cm
Exhibition view
John Murphy
Nothing, Wait and See, 2015
Photocopy, gouache, pen and ink on board, 46 x 54 cm
John Murphy
Not there, 2015
Photocopy, gouache, pen and ink on board, 46 x 54 cm
« Que Domenico ait commencé le Divertissement au lendemain de l’effondrement de la République ne doit pas surprendre. Il ne s’agissait pas pour lui, comme on a pu le suggérer, de fuir la réalité mais, tout au contraire, d’une proximité avec le réel et l’histoire qui appartient depuis le début à l’histoire du comique. C’est un fait sur lequel il ne faudrait jamais cesser de réfléchir : les comédies d’Aristophane ont été écrites lors d’un moment décisif, ou plutôt catastrophique de l’histoire d’Athènes. En s’enfermant à Zianigo en compagnie de Polichinelle, Giandomenico ne choisit ni la farce, ni la tragédie. Il ne s’agit pas davantage, comme les interprètes le répètent à l’envi, de désenchantement ou de désillusion, mais bien plutôt d’une sobre méditation sur la fin ». Ces phrases sont du philosophe Giorgio Agamben qui a récemment consacré un fort dense petit opus au personnage de Polichinelle : « Polichinelle ou Divertissement pour les jeunes gens en quatre scènes » s’inspire d’une œuvre tardive de Domenico Tiepolo, ce « Divertimento per li Regazzi », un album regroupant un ensemble de 104 dessins réalisés entre 1795 et 1804, une vie sans queue ni tête de Pulchinello, ce personnage central de la Commedia dell Arte.
John Murphy s’est également intéressé aux dessins des Tiepolo et à la figure même de Pulcinello, cette collection de personnages, car Pulcinello est multiple et même nombreux, tout en étant, en quelque sorte, qu’une seule existence qui mange des gnocchis et fait des lazzis, toutes ces sortes de plaisanteries burlesques, grimaces et gestes grotesques. Déjà en 2006, alors qu’il fait sienne cette image extraite de La Grande Bouffe, la « grande abbuflata », de Marco Ferreri (1973), séminaire gastronomique et suicide collectif de quatre hommes fatigués de leurs vies ennuyeuses et de leurs désirs inassouvis et qui bouffent dès lors jusqu’à ce que mort s’ensuive, John Murphy rapproche ce plan où l’on voit Ugo Tognazi s’apprêtant à donner la pâtée à Michel Piccoli de quelques dessins des Tiepolo, père et fils, Giambattista et Giandomenico : des Pulchinello masqués, ventrus, pansus, bossus, constamment occupés à cuisiner des gnocchis, à les manger, à les digérer, à les déféquer.
Plus récemment, John Murphy a sélectionné une série des dessins de la vie de Pulcinello, ce divertissement pour les jeunes gens. Tout l’art de Murphy consiste à rassembler une constellation de signes révélateurs d’une expérience poétique. Il dialogue sans cesse avec des œuvres existantes provenant pour la plupart d’un corpus littéraire, pictural, cinématographique. En ce cas, il a fait des copies de certains de ces dessins de Giandomenico Tiepolo et les a masqué, les recouvrant du sfumato d’une couche de gouache blanche. Ensuite, à la plume, il a retracé les motifs sous-jacents qui l’intéressent, comme s’il désirait nous révéler le secret de Polichinelle, sans aucun doute Pulchinello lui-même, affublé de son masque, doté de son gros nez crochu, portant sur la tête un étrange chapeau, sommet de sa difformité, revêtu de son costume blanc et spectral, confondu à la gouache, personnage grotesque, touchant et effrayant à la fois, sans cesse au bord de la chute entre une invivable tragédie de la destinée et le comique des situations, la comédie comme inéluctable répétition du caractère. A la fois, Murphy ravive le souvenir des dessins de Domenico Tiepolo, les révèle et s’en écarte, les efface, ne conservant que ce qu’il estime nécessaire à son propos. La compagnie des polichinelles s’affaire et s’agite, se montre du doigt. Rien pourtant n’empêchera la perte, la chute, la fin en soi. Le sublime et le grotesque se côtoient, l’un et l’autre évoquent la finitude de la condition humaine, ce dévalement de la vie qui se dissout dans la multiplicité et l’affairement. John Murphy a conservé quelques petits chiens qui hantent les dessins de Tiepolo. Me reviennent ces quelques phrases écrites par Nietzsche dans le « Gai Savoir » : « J’ai donné un nom à ma souffrance et je l’appelle « chien », — elle est tout aussi fidèle, tout aussi importune et impudente, tout aussi divertissante, tout aussi avisée qu’une autre chienne — et je puis l’apostropher et passer sur elle mes mauvaises humeurs : comme font d’autres gens avec leurs chiens, leurs valets et leurs femmes ».
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Aglaia Konrad participe à l’exposition Asymmetric Architectures. Readings in the Postwar History of the Kunstverein au Kunsteverein Düsseldorf.
Jusqu’au 8 octobre 2017
Aglaia Konrad
Iconocopycity 2011
Inkjet NB Photocopies mounted on the wall, variable dimensions. Edition 3/3
Asymmetric Architextures
Readings in the Postwar History of the KunstvereinRoy Arden, Ilka Becker, Peter Brüning, Robert Burghardt, Natalie Czech, Henning Fehr & Philipp Rühr, Gesa Hüwe / Inga Thiele, Christina Irrgang, hobbypopMUSEUM, Aglaia Konrad, Sarah Kürten, David Lamelas, Katrin Mayer, Rita McBride / Christoph Westermeier, Vanessa Joan Müller, Marie-Luise Otten, Hedda Schattanik / Roman Szczesny, Mark von Schlegell, Arne Schmitt, Studio For Propositional Cinema, Sarah Szczesny, Alexander Jasch / Rita Kersting / Anette Freudenberger / Jens Ullrich, Jan Wagner, Alex Wissel
This year, the Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen together with the Kunsthalle Düsseldorf will celebrate the 50th anniversary of the architectural complex on the Grabbeplatz (completed in 1967), and hence 50 years that both institutions have existed under the same roof. On this occasion, the Kunstverein presents the exhibition, archival project, and event series Asymmetric Architextures – Readings in the Postwar History of the Kunstverein. At the center of the group exhibition is an investigation of the artistic and cultural-political activities and negotiations of the Kunstverein in connection with the institution’s architecture, designed by Konrad Beckmann and Christoph Brockes.
The thematic and temporal framework is derived from the building itself, and also from the cultural-political conflicts, discussions, and events linked to its origin: the siting of the postwar Kunstverein in the ruins of the old Kunsthalle; the call for proposals and the competition for a new building; the discussions around the former director of city planning, Friedrich Tamms, who had previously been active as an architect in Albert Speer’s closest circle, and the dispute over architecture in Düsseldorf that he and his allies provoked; the role of the Kunstverein under the direction of Hildebrandt Gurlitt – and subsequently under Karl-Heinz Hering – and thus of an era in which the Kunstverein’s gave an important impetus towards a reconstruction of the Kunsthalle; and finally the protests that met the opening of the building, as well as those over its preservation in the 1990s. In short, the point of departure is a period that was characterized by protests against an inadequate process of coming to terms with the National Socialist past, as well as by the reconstruction of the postwar years, and which even today remains crucial for understanding the current institutional landscape in Düsseldorf and the intertwining of the Kunstverein and Kunsthalle.
In connection with a wide-ranging research project and an examination of the numerous records of the Kunstverein in the Düsseldorf Municipal Archive, artists and art historians were invited to connect aspects of these historical discussions to their own work, and/or to expand on these discussions through readings of selected moments in the institution’s later exhibition history. The artist Katrin Mayer in turn developed a display made of assembled vertical and horizontal surfaces which are overwritten with archival materials, artworks, artifacts, and texts, as well as art historical analyses and new artistic productions. In this interplay between individual spatialized clusters of material, the history of the building – and thus also that of the Kunstverein – is activated as a continuously shifting provisional framework for various interrelated temporalities and architextures.
The project is accompanied by a program of events as well as a film series at the Filmwerkstatt Düsseldorf. The precise schedule will be made available shortly.
The exhibition was curated by Eva Birkenstock and conceived in dialog with Katrin Mayer with the assistance of Lidiya Anastasova, Gesa Hüwe, and Inga Thiele, as well as the participants in the accompanying seminar Living Archives. Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen 1947-67 at the Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf.
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Alevtina Kahkidze est l’invitée d’Art On paper with Bozar et produit pour le hall d’entrée de la foire une installation intitulée « I still draw love, plants and things », coproduction entre BOZAR et Art On paper. L’artiste s’entretiendra avec Sophie Lauwers (Bozar) et Pauline Hatzigeorgiou (Art on Paper), co-curators de l’installation, samedi 9 septembre de 16 à 17h au Bozar Studio. Elle proposera ensuite une performance relative à l’installation produite. Toujours à Bozar Studio, de 18 à 19h.
Le Communiqué de presse :
Pour la 3ème édition du Art on Paper, salon international du dessin contemporain, VO EVENT et BOZAR confirment leur affection pour le dessin et leur désir partagé de valoriser ce médium en invitant un artiste contemporain à réaliser, dans le Palais et en résonance avec le salon, une nouvelle production. Après Henri Jacobs et son projet ‘Vaporisation Crystallisation’ (2016), c’est l’artiste ukrainienne Alevtina Kakhidze qui répondra à la proposition par ‘I still draw love, plants and things’ (2017) (‘Je dessine encore l’amour, des plantes et des choses’), une intervention haute en couleurs, en dessins et en narrations visuelles et sonores. A cette occasion, l’œuvre traversera les différents espaces du Palais par différents supports, environnements chromatiques, dessins illustratifs, pièces vocales et objets réels pour composer une histoire puisant dans l’amour, les plantes et les choses.
For the 3rd edition of Art on Paper, the Brussels Contemporary Drawing Fair, VO EVENT and BOZAR confirm their fondness for drawing and their shared desire to enhance this medium by inviting a contemporary artist to create in the Palais a new work in resonance with the salon. After Henri Jacobs and his ‘Vaporization Crystallization’ (2016) project, the Ukrainian artist Alevtina Kakhidze will respond to the proposal with ‘I still draw love, plants and things’ (2017), a colorful intervention, in drawings and visual and sound narratives. On this occasion, the work will cross the different spaces of the Palais, through various mediums, chromatic environments, illustrative drawings, vocal pieces and real objects to compose a story drawing from love, plants and things.
Lu dans le supplément « Art » de La Libre, ce texte d’introduction de Hans Theys :
Un jardin adulte
Conversation avec Alevtina Kakhidze
Cette année, l’invitée spéciale du salon du dessin d’art contemporain Art On Paper, Alevtina Kakhidze, née en 1973, est une artiste aux multiples facettes dont les dessins, les écrits, les installations, les performances et les vidéos offrent des regards éminemment poétiques sur sa position en tant que personne et qu’artiste au sein d’un monde qui se présente comme la merveilleuse arène d’une incessante recherche d’équilibre entre les choses et les êtres. L’installation de Bruxelles se composera principalement d’une performance ainsi que de dessins muraux et de dessins sur papier. L’un d’entre eux dépeint sa mère, assise sur un petit tabouret dans son jardin. À l’arrière-plan, on aperçoit d’étranges pots de fleurs rouges qui semblent faire partie du jardin, jusqu’à ce que l’on s’aperçoive qu’il s’agit en réalité de représentations stylisées de tirs d’artillerie. Le dessin est accompagné d’un pot de confiture rempli de millepertuis perforés séchés (hypericum), une plante à fleurs jaunes qui n’aime pas qu’on lui dicte sa vie (il n’est pas facile de l’introduire dans un jardin) et est utilisée comme antidépresseur. Alevtina Kakhidze l’a cueillie dans son propre jardin. « L’installation s’intitule “I still draw love, plants and things” (Je dessine toujours l’amour, les plantes et les choses) », explique Alevtina Kakhidze. « Le mot “toujours” indique que mon regard sur la vie a été perturbé par la guerre (les actions militaires de groupes pro-russes et antigouvernementaux) et par la crise politique qu’a connue l’Ukraine il y a trois ans.
« De manière générale, de nombreuses choses insignifiantes qui m’irritaient ont disparu après la transition qu’a subie mon pays. À mes yeux, un jardin est un système qui reflète le comportement des hommes. Je m’intéresse aux plantes sauvages, agressives. Elles me rappellent des comportements intolérants tels que l’homophobie : l’incapacité à accepter des regards différents sur la vie. En même temps, je les apprécie, car elles n’ont pas besoin qu’on s’occupe d’elles, contrairement aux plantes de culture. En ce qui concerne les jardins, je distingue cinq rôles. Premièrement, on est un observateur. Deuxièmement, un serviteur. Troisièmement, le propriétaire : on en est responsable. On est ensuite un chercheur, puis, enfin, le bénéficiaire de ses cadeaux. Après la libération d’une ville ukrainienne, j’ai demandé aux habitants ce qu’il était advenu de leur jardin pendant l’occupation, qui avait duré 84 jours pendant l’été. Certains m’ont répondu que leur jardin avait été envahi par les mauvaises herbes. Je les comprends, car il était alors dangereux de rester dans son jardin, mais cet abandon forcé révèle la nature dépendante et inaccomplie de leur jardin. Je voudrais créer un jardin adulte, qui puisse prendre soin de lui-même. Dans le cadre de cette exposition, je m’intéresserai au jardin de ma mère, au mien et au Jardin botanique de Bruxelles, dont la structure m’intéresse. Durant la guerre, ma mère ne pouvait pas s’empêcher de se rendre dans son jardin, même lorsque c’était très dangereux. »
Hans Theys, Montagne de Miel, 17th August 2017
Alevtina Kakhidze est née en 1973 en Ukraine de l’Est. Après des études à l’Académie nationale des Beaux-Arts et d’Architecture de Kiev (1999- 2004), elle complète sa formation à l’Académie Jan Van Eyck de Maastricht (2004-2006), ce qui lui permet de séjourner en Europe occidentale et d’y réaliser des projets artistiques avant de retourner dans son pays natal, dans le petit village de Muzychi, où elle vit et travaille désormais et où elle a fondé une résidence à l’attention d’artistes d’horizons et de pratiques variées. Son travail a été l’objet de présentations dans des manifestations internationales d’importance (Whitechapel Gallery,Biennale de Moscou, Manifesta, etc.) et d’acquisitions par des collections privées et muséales (MUHKA).
This year’s special guest of the Art on Paper International Drawing Fair, Alevtina Kakhidze (1973), is a multifaceted artist whose drawings, writings, installations, performances and videos offer us deeply poetic views of her position as a person and an artist within a world that presents itself as the wondrous arena of an ongoing search for balance between things and beings. The installation in Brussels will mainly consist of a performance and wall drawings combined with drawings on paper. In one of those drawings she depicts her mother sitting on a small stool in her garden. In the background we see strange pots with red flowers that seem to be part of her garden, until we realize they are stylized depictions of active artillery. The drawing comes with a jam jar filled with dried Saint John’s wort (Hypericum), a yellow-flowered plant that doesn’t like to be told what to do (it is not easily kept in a garden) and is used as an antidepressant. Kakhidze in her own garden harvested it. Kakhidze: The title of the installation is “I still draw love, plants and things”. The word ‘still’ indicates that my views on life have been affected by the war (the military actions of pro-Russian and anti-government groups) and the three-year old political crisis in Ukraine. In general, a lot of petty stuff that used to upset me has become invisible after to the transition my country underwent. To me a garden is a system, which reflects human behavior. I’m interested in wild, aggressive plants. They remind me of intolerant behavior such as homophobia: the incapacity to accept different views on life. At the same time, I appreciate them because they don’t need care like cultural plants. I distinguish five roles with regard to gardens: Firstly you are an observer, secondly you are a servant, thirdly you are the owner, you are responsible for it, then you are a researcher and finally you are the receiver of its gifts. After the liberation of a Ukrainian city, I asked people what had happened with their garden during the occupation that had lasted for 84 summer days. Some of them told me their gardens had been taken over by weeds. I understand this, because it was dangerous for them to be in their gardens, but this forced abandonment revealed the dependent, unaccomplished nature of their garden. I would like to create an adult garden that can take care of itself. In this show, I will be looking at my mom’s garden, my own garden and the botanical garden of Brussels, of which the structure is quite interesting. My mom couldn’t help but visiting her garden during the war, even when this was very dangerous.
Hans Theys, Montagne de Miel, 17th August 2017
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John Murphy
Not there, 2015
Photocopy, gouache, pen and ink on board, 46 x 54 cm.
« Que Domenico ait commencé le Divertissement au lendemain de l’effondrement de la République ne doit pas surprendre. Il ne s’agissait pas pour lui, comme on a pu le suggérer, de fuir la réalité mais, tout au contraire, d’une proximité avec le réel et l’histoire qui appartient depuis le début à l’histoire du comique. C’est un fait sur lequel il ne faudrait jamais cesser de réfléchir : les comédies d’Aristophane ont été écrites lors d’un moment décisif, ou plutôt catastrophique de l’histoire d’Athènes. En s’enfermant à Zianigo en compagnie de Polichinelle, Giandomenico ne choisit ni la farce, ni la tragédie. Il ne s’agit pas davantage, comme les interprètes le répètent à l’envi, de désenchantement ou de désillusion, mais bien plutôt d’une sobre méditation sur la fin ». Ces phrases sont du philosophe Giorgio Agamben qui a récemment consacré un fort dense petit opus au personnage de Polichinelle : « Polichinelle ou Divertissement pour les jeunes gens en quatre scènes » s’inspire d’une œuvre tardive de Domenico Tiepolo, ce « Divertimento per li Regazzi », un album regroupant un ensemble de 104 dessins réalisés entre 1795 et 1804, une vie sans queue ni tête de Pulchinello, ce personnage central de la Commedia dell Arte.
John Murphy s’est également intéressé aux dessins des Tiepolo et à la figure même de Pulcinello, cette collection de personnages, car Pulcinello est multiple et même nombreux, tout en étant, en quelque sorte, qu’une seule existence qui mange des gnocchis et fait des lazzis, toutes ces sortes de plaisanteries burlesques, grimaces et gestes grotesques. Déjà en 2006, alors qu’il fait sienne cette image extraite de La Grande Bouffe, la « grande abbuflata », de Marco Ferreri (1973), séminaire gastronomique et suicide collectif de quatre hommes fatigués de leurs vies ennuyeuses et de leurs désirs inassouvis et qui bouffent dès lors jusqu’à ce que mort s’ensuive, John Murphy rapproche ce plan où l’on voit Ugo Tognazi s’apprêtant à donner la pâtée à Michel Piccoli de quelques dessins des Tiepolo, père et fils, Giambattista et Giandomenico : des Pulchinello masqués, ventrus, pansus, bossus, constamment occupés à cuisiner des gnocchis, à les manger, à les digérer, à les déféquer.
Plus récemment, John Murphy a sélectionné une série des dessins de la vie de Pulcinello, ce divertissement pour les jeunes gens. Tout l’art de Murphy consiste à rassembler une constellation de signes révélateurs d’une expérience poétique. Il dialogue sans cesse avec des œuvres existantes provenant pour la plupart d’un corpus littéraire, pictural, cinématographique. En ce cas, il a fait des copies de certains de ces dessins de Giandomenico Tiepolo et les a masqué, les recouvrant du sfumato d’une couche de gouache blanche. Ensuite, à la plume, il a retracé les motifs sous-jacents qui l’intéressent, comme s’il désirait nous révéler le secret de Polichinelle, sans aucun doute Pulchinello lui-même, affublé de son masque, doté de son gros nez crochu, portant sur la tête un étrange chapeau, sommet de sa difformité, revêtu de son costume blanc et spectral, confondu à la gouache, personnage grotesque, touchant et effrayant à la fois, sans cesse au bord de la chute entre une invivable tragédie de la destinée et le comique des situations, la comédie comme inéluctable répétition du caractère. A la fois, Murphy ravive le souvenir des dessins de Domenico Tiepolo, les révèle et s’en écarte, les efface, ne conservant que ce qu’il estime nécessaire à son propos. La compagnie des polichinelles s’affaire et s’agite, se montre du doigt. Rien pourtant n’empêchera la perte, la chute, la fin en soi. Le sublime et le grotesque se côtoient, l’un et l’autre évoquent la finitude de la condition humaine, ce dévalement de la vie qui se dissout dans la multiplicité et l’affairement. John Murphy a conservé quelques petits chiens qui hantent les dessins de Tiepolo. Me reviennent ces quelques phrases écrites par Nietzsche dans le « Gai Savoir » : « J’ai donné un nom à ma souffrance et je l’appelle « chien », — elle est tout aussi fidèle, tout aussi importune et impudente, tout aussi divertissante, tout aussi avisée qu’une autre chienne — et je puis l’apostropher et passer sur elle mes mauvaises humeurs : comme font d’autres gens avec leurs chiens, leurs valets et leurs femmes ».
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A Charleroi, le renouveau n’a pas de limite. En témoigne cette sculpture nulle, en remake (1980-2017) du Petit Maître Jacques Lizène. Dans le cadre de Art public Charleroi 2017, parcours en Ville Basse, jusqu’au 5 novembre.
Les usines font, bien sûr, partie du paysage mental (et physique) de l’artiste. « Comme je suis né une banlieue industrielle et que je me suis auto-proclamé petit maître, explique-t-il, il fallait que je peigne des paysages d’usines ; mais en leur donnant, bien entendu une dimension supplémentaire d’art nul. Des paysages d’usines, il y en avait déjà suffisamment dans le patrimoine wallon; c’est donc pour cette raison que m’est venue l’idée de réaliser de petites usines à partir des matériaux que fabriquaient ces usines-là. C’est une forme de recyclage, dans un esprit non pas écologique mais poétique… Poétique du nul, bien entendu ! ».
Les sculptures nulles (1980) de Lizène prennent régulièrement l’allure d’usines ou d’archéologies contemporaines, ce qui souvent revient au même. Lizène y introduit dès que possible « le thème de la fumée comme élément sculptural ». Il est d’ailleurs singulièrement que celui-ci soit le plus souvent associé à des fumigènes de music-hall. C’est le burlesque de ces sculptures nulles. La fumée s’échappe donc des cheminées de ces usines, ce que Lizène nommera un art d’altitude pour faire référence à l’art d’attitude. Il lui arrive de les concevoir à l’ « emporte-pièce », en matériaux légers, aussi vites construites, aussi vites escamotées.
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ART ON PAPER 2017 BOZAR BRUSSELS
JOHN MURPHY
La galerie Nadja Vilenne aura le plaisir
de vous accueillir sur son stand 22
Galerie Nadja Vilenne is pleased
to welcome you at booth 22
07.09 > 10.09. 2017
Preview and opening (by invitation only)
Wednesday 06.9 – 7 pm > 11.30 pm
John Murphy, Words fall like stones, like corpses, 2015. Photocopy, gouache, pen and ink on board , 48 × 54 cm
special guest by ART ON PAPER & BOZAR
ALEVTINA KAKHIDZE
I still draw love, plants and things (2017)
Thursday 07.9 – 11 am > 7 pm
Friday 08.9 – 11 am > 7 pm
Saturday 09.9 – 11 am – 7 pm> 10 pm
Sunday 10.9 – 11 am > 7 pm
Terarken rooms,
BOZAR
Rue Ravenstein 23,
1000 Bruxelles
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Benjamin Monti est l’invité du Cercle de Wallonie, premier Cercle d’Affaires en Wallonie, durant ces mois de septembre et octobre et y montre une sélection de dessins issus de trois séries : des Histoires naturelles, des cartes perforées de la S.A. Courage et Organisation, des « Perspecta », papiers millimétrés bicolores pour dessin en perspective.
Benjamin Monti
Sans titre (la pomme de terre – cellule fraiche)
Encre de chine sur dessin trouvé (de la série des histoires naturelles) 22,7 x 14,5 cm
2010-2015
Benjamin Monti
Sans titre, 2016
Encre de chine sur carte perforée de la « Courage-Organisation SA » 21 x 14,7 cm
Benjamin Monti
Sans titre
Encres de chine, sur papier Perspecta, papier millimétré bicolore pour dessin en perspective, 29,7 x 21 cm, 2010
Lu dans le mensuel du Cercle de Wallonie, ce texte d’Emmanuel d’Autreppe, qui fait allusion à l’exposition « La Leçon d’anatomie », encore en cours à la Boverie à Liège et à laquelle participe également Benjamin Monti.
Cercle de Wallonie Liège
Esplanade du Val
4100 Seraing
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Jacques Charlier
– Chinon (F), La Comédie du Langage, galerie de l’hôtel de Ville, du 20 mai au 15 octobre 2017
– Liège (B), La leçon d’anatomie, Musée de la Boverie, Liège, du 21 juin 17 septembre 2017
– Verviers (B), Jacques Charlier, la route de l’art, centre culturel de Verviers, espace Duesberg, du 15 septembre au 20 octobre 2017
Maen Florin
– Liège (B), galerie Nadja Vilenne, du 14 septembre au 27 octobre 2017
Suchan Kinoshita
– Maastricht (Nl), Illusion and Revelation. From the collection of the Bonnefantenmuseum. Bonnefantenmuseum, du 24 décembre au 27 novembre 2017
– Vienna (AUT), Vienna Contemporary Art Fair, galerie Nadja Vilenne. Curator : Miguel Wandschneider, 21 – 24 septembre 2017
Alevtina Kakhidze
– Bruxelles (B), Art On paper With BOZAR, galerie Nadja Vilenne, du 7 au 10 septembre 2017
Aglaia Konrad
– Dortmund (D), The Brutalism Appreciation Society, HMKV Dortmund, 8 avril – 24 septembre 2017
– Toulouse (F), Le ciel devant soi, photographie et architecture religieuse, 2 juin au 17 septembre 2017
– Dunkerque (F), Permanent Déplacement, FRAC Hauts de France – Le grand Large, du 23 septembre au 31 décembre 2017
– Düsseldorf (D), Asymmetric Architectures. Readings in the Postwar History of the Kunstverein, jusqu’au 8 octobre 2017
Charlotte Lagro
– Maastricht (Nl), Look at me and see what I could not (yet) see, Bonnefantenmuseum, du 21 avril au 24 septembre 2017
Sophie Langohr
– Liège (B), La leçon d’anatomie, Musée de la Boverie, Liège, du 21 juin 17 septembre 2017
Jacques Lizène
– Chinon (F), La Comédie du Langage, galerie de l’hôtel de Ville, du 20 mai au 15 octobre 2017
– Liège (B), La leçon d’anatomie, Musée de la Boverie, Liège, du 21 juin 17 septembre 2017
– Charleroi (B), Art Public Charleroi, divers lieux, du 2 septembre au 5 novembre 2017
– Hasselt (B), Périphérie, du 23 septembre au 30 novembre 2017
Jacqueline Mesmaeker
– Bruxelles (B), Carrefour, To whom it may concern, _(Sic), 2-3 septembre (commissaire : Olivier Mignon).
Benjamin Monti
– Liège (B), La leçon d’anatomie, Musée de la Boverie, Liège, du 21 juin 17 septembre 2017
– Seraing (B), Val Saint Lambert, Cercle de Wallonie
John Murphy
– Bruxelles (B), Art On paper With BOZAR, galerie Nadja Vilenne, du 7 au 10 septembre 2017
Pol Pierart
– Chinon (F), La Comédie du Langage, galerie de l’hôtel de Ville, du 20 mai au 15 octobre 2017
Valérie Sonnier
– Liège (B), galerie Nadja Vilenne, du 14 septembre au 30 octobre 2017
Raphaël Van Lerberghe
– Chinon (F), La Comédie du Langage, galerie de l’hôtel de Ville, du 20 mai au 15 octobre 2017
Marie Zolamian
– Chinon (F), Musée le Carroi, 25 mars – 13 novembre 2017
– Liège (B), La leçon d’anatomie, Musée de la Boverie, Liège, du 21 juin 17 septembre 2017
– Liège (B), En Piste ! Galerie Nadja Vilenne, Musée de la Boverie, du 28 septembre au 1er octobre
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