Honoré d’O, Reporter, Festival Kanal, Bruxelles

Dans le cadre du Festival KANAL, à Bruxelles, ce week-end des 15 et 16 septembre, en coproduction avec le Wiels, Honoré d’O propose : Reporter

Imaginez un homme immobile sur un passage piéton. Dans sa main il tient un fil de pêche qui le relie au ciel, sans doute pour recevoir un message des régions inconnues. Comme d’habitude, Honoré d’O étire une observation visuelle jusqu’en dehors du cadre matériel et des certitudes objectives. L’humour situationniste renforce l’énigme.

description: a man standing still at the footpath holding a fish string in his hand, the string leads to the sky
ingredients: nylon string, air, person, patience, contact.

dimensions: footpath along the canal, distance in imagination, absolute proximity

informations : www.festivalKanal. be

Eran Schaerf, Between Walls and Windows, Architektur und Ideologie, Haus der Kulturen der Welt, Berlin

Le Communiqué de la Haus der Kulturen der Welt :

In to the heart of Berlin’s government district, where decisions on the future of Europe are being negotiated, stands the Haus der Kulturen der Welt, formerly the Kongresshalle (congress hall): an architectural icon and relic of post-war modernity. The building and its history provide the point of departure for Between Walls and Windows. Architektur und Ideologie.

Only this autumn, from the 1st to 30th of September, the architectural monument, understood as an ideologically determined sculpture, will be returned to its original condition. With free admission and access from north, south, east or west, the exhibition promises new insights and perspectives on form, function, and history.

The project places the local history of the former congress hall in a new global context and casts a spotlight on the Haus der Kulturen der Welt as a sculpture. Curator Valerie Smith, head of the department of visual arts, film, and digital media, presents ten new site-specific productions by international renowned artists and architects, which turn the interior and outdoor spaces of the building into stages that question all that « architecture » can be.

The 2012 Pritzker Architecture Prize winner, Wang Shu, together with his wife and partner Lu Wenyu, will use for their Tile Theatre approximately 60,000 traditionally manufactured Chinese roof tiles recycled from their work for the 10th Venice Biennale of Architecture in 2006, thus creating an inhabitable pavilion on the roof of HKW. On the occasion of a visit by Kim Il-Sung to Indonesia in 1965 the former Indonesian President, Achmed Sukarno, presented his state guest with a specially hybridized orchid variety, which he insisted on naming « Kimilsungia. » Since then, the tradition of dedicating orchids to heads of state and political dignitaries has extended far beyond North Korea. At the main entrance of HKW, Arno Brandlhuber represents us to orchids as the transmogrification of power. Nowhere is ideology and architecture so closely linked than in embassy buildings. Terence Gower presents his research on US foreign policy as seen through architecture set in the stylized 1950s lounge interior of HKW.

In 1974, at the outbreak of the Carnation Revolution in Portugal, the 4 Estações Hotel in Maputo, Mozambique, was nearing completion. After remaining vacant and unfinished for 33 years the building was demolished in 2007 in order to make room for the US embassy. Ângela Ferreira follows the traces of destruction and reconstruction of ideologically motivated foreign policy both in Africa and beyond. The architect Hugh A. Stubbins saw his Kongresshalle, with the auditorium as its centerpiece, as the embodiment of freedom of speech and opinion. The theme of Iñigo Manglano-Ovalle installation is the influence of acoustic and spatial staging on the power of the spoken word. Immaterial structures also make a building into what it is. Marko Sančanin has improvised a ‘crypt’ of memories, of discarded or forgotten relics relating to the former Kongresshalle, arranged around an architectural drawing of the roof construction on a hidden wall of the HKW.

Eran Schaerf examines the constitution of the mass media and the space produced by it. The borders between fact and fiction, sender and receiver, user and author, become blurred questioning the production of space by means of language. From the roof terrace of the HKW there is a view of the Reichstag and the Kanzleramt (Chancellery). These two massive symbols of political power loom up as if they were cruiseliners on the brink of collision. The HKW roof kiosk drifts between them like a life raft. Here Studio Miessen creates an informal place of assembly. The kiosk changes from a hermetic vitrine to a walk-in display case. In the cloakroom the internationally operating architecture group, Supersudaca (sudaca: Spanish insult for Latin American immigrants) will stage a parody of Credit Rating Agencies, their influence on market dynamics and real estate investments taking up the cause of greater social justice.

Another way of approaching architecture and ideology is represented by the Initiative Weltkulturerbe Doppeltes Berlin (Initiative World Cultural Heritage Double Berlin), which aims to have the architectural ‘competitions’ of the once divided Berlin listed as UNESCO World Cultural Heritage. The congress halls in the Tiergarten (Haus der Kulturen der Welt) and at Alexanderplatz (BCC) are prime examples of dualling architectures: between 1945 and 1989, state, residential and cultural buildings were constructed in the divided Berlin to reflect the ideology of the respective systems.

The extensive accompanying program explores the dimensions of architecture as an instrument in the history of architecture, philosophy, and politics and includes speakers and experts such as, Louisa Hutton & Matthias Sauerbruch, Ashkan Sepahvand, Joanna Warsza, and Karin Sander.

The program includes Tours de Babel, multilingual tours as well as guided tours by architect and designer Van Bo Le-Mentzel, curator Valerie Smith, and art historian Steffen de Rudder.

Fm-Scenario – Where Palms Stand – Mask – Delay

Eran Schaerf’s project examines the constitution of the mass media and the space produced by it. The project offers users an Internet archive (fm-scenario.net) containing audio modules such as listener calls, features, and news, where they can compile stories. One such compilation will form the initial scenario for Schaerf’s installation. Located in the interpreter booths of the main conference room, an architecture which reflects translation processes, the borders between fact and fiction, sender and receiver, user and author, become blurred questioning the production of space by means of language.

Eran Schaerf (*1962 in Israel) is a Berlin-based artist with an academic background in architecture, urban planning and photography. His practice focuses on architectures of discourse in the intersection of fashion, mass media, language and the built environment. It interweaves historical and contemporary political narratives in print, in space, on air, and – often in collaboration with the author and philosopher Eva Meyer – in film. His work has been shown widely in exhibitions such as the 54th Venice Biennale (2011), Skulptur Projekte Münster (2007), and Manifesta 2 in Luxemburg (1998).

fm-scenario – where palms stand – mask – delay is a project in the framework of fm-scenario – The Listener’s Voice, a project of a production e. V., Berlin and Bavarian Broadcasting Corporation / Dept. Radio Play and Media Arts in cooperation with Hartware MedienKunstVerein, Dortmund; Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Les Complices*, Zurich; the Museum für Konkrete Kunst, Ingolstadt and the ZKM | Center for Art and Media, Karlsruhe. This project has been made possible by the generous support of the German Federal Cultural Foundation, 2012-2014

Between Walls and Windows
Architektur und Ideologie
Exhibition, Talks, Conference
September 1 – September 30, 2012


Eleni Kamma, On dilletantism, Halle 14 Leipzig

Après la ACC Galerie de Weimar, c’est la Halle 14 de Leipzig qui accueille l’exposition « Über den Dilettantismus | On Dilettantism », conçue par Frank Motz. Elenni Kamma y participe et y montre l’installation  « En Parergo I (a bywork for Weimar) », 2012, conçue pour l’occasion.

The meaning of “dilettante” has undergone significant change over the centuries. Originally it described an untrained artist, a lover of the fine arts or a scientific amateur, who passionately, albeit inexpertly, pursued an interest for pleasure (from the Latin delectare = to please). Nowadays, its meaning is far less flattering, namely that of a “layperson” or – even worse – a clumsy boor.
However, the arts would not be as rife with ideas and discoveries if it were not for these amateurish, unstudied and autodidactic contributions. One need only to think of concrete poetry and music, Dada, punk and the Fluxus movement. This exhibition invites artists to play with the idea of dilettantism or dabble in a field in which they possess no expertise whatsoever. The curators hope to illustrate the possibilities and liberties of dilettantish approaches, especially when it comes to gaining new insights and experiences or unusual perspectives.
The event series Dilettante-Stadl will invite researchers, artists and art collectors, e.g. the collector Harald Falckenberg and the artist Mark Dion, who regard dilettantism as a central working method.

Artistic director: Frank Motz, Artists: Bernard Akoi-Jackson (GH), Hagen Betzwieser (GER), Ian Bourn (UK), Jeannette Chavez (CU), Mark Dion (US), Anna Gierster (GER), Kel Glaister (AU), Karl-Hans Janke (GER), Eleni Kamma (GR), Adam Knight (UK), Simone Bogner (GER), Paul Etienne Lincoln (UK), Laure Prouvost (FR), Rory Macbeth (UK), Per Olaf Schmidt (GER), Peter Haakon Thompson (US), Thomas Tudoux (FR), Nomeda & Gediminas Urbonas (LT/US) and others

Leipzig, Halle 14, 15 Sept. – 9 Dec. 2012

Eleni Kamma, En Parergo I (a bywork for Weimar), 2012

En Parergo I (a bywork for Weimar) displays reproductions of images linked to the history of paper folding and at the same time invites people to actively participate in the folding experience themselves. It consists of a table  around which people may gather and fold paper, as well as a board placed on the wall opposite the table.  The board is entirely covered by origami post-it paper blocks that serve both as a visual installation, as folding  material and as carriers of information. On the opening night and once a week during the exhibition, there will  be paper-folding gatherings.

Although En Parergo I (a bywork for Weimar) follows the discussion of amateurism versus professionalism through  a close look into educational systems and the activity of folding, it has no intention of being didactic. The knowledge  of paper folding belongs to everyone and to no one at the same time. Its origin arouses much speculation, touching  questions of authorship that extend national borders. The activity of folding is at the same time a spatial as well  as sculptural act. The form of the installation will develop and take shape according to the desire of the visitors to take out papers from the board, fold them and transform them into ephemeral sculptures during the exhibition. En Parergo I (a bywork for Weimar) is an attempt to put on the table questions that concern notions of community,  sharing and common place. Perhaps the traces and left overs from this activity may provide us with some answers.

Eleni Kammas künstlerische Praxis dreht sich um Leerstellen und Widersprüche innerhalb kultureller Geschichtsschreibungen. Indem sie selbst auf Klassifizierungen, Taxonomien und bestimmte Darstellungsmuster zurückgreift, beleuchtet sie die Rolle von Klischees und Stereotypen bei der Ausbildung von Sinn und historischem Bewusstsein. Neuere Arbeiten fokussieren auf die Koexistenz von Wort und Bild und erzeugen neue Bedeutungen, indem sie diese scheinbar kollabieren lassen. Mit «En Parergo I (a bywork for Weimar)» präsentiert Kamma einen visuellen Kosmos, der mit der Geschichte des Papierfaltens verbunden ist und lädt die Besucher ein, sich selbst in dieser Kunst zu versuchen. Deren Ursprünge sind vielfach mit Spekulationen verbunden, wobei Fragen der Autorschaft über nationale Grenzen hinaus berührt werden. Der 1989 in Bayern gegründete Verein «Origami Deutschland» verfolgt eine Bildungstradition, die bis in die Zeit des Schuldpädagogen Friedrich Fröbel (1782 – 1852) reicht. Dieser führte Origami als Teil eines ganzheitlichen Lernens ein und wurde u. a. zur -Inspirationsquelle für die Bauhausbewegung. Zwischen ephemerer Installation, Informations- und Ausbildungsstätte greift Kammas Projekt das Thema «Dilettantismus versus Professionalität» auf. Die Tätigkeit des Faltens sei gleichermaßen ein räumlicher wie skulpturaler Akt, so wird sich die Installation aus dem Umgang der Besucher mit dem angebotenen Material heraus entwickeln und kontinuierlich ihre Form verändern

Aglaia Konrad, Concrete & Samples, 40mCubes, Les Ateliers de Rennes

Aglaia Konrad est l’invitée de 40mCubes, lieu de création contemporain situé à Rennes.
Dans le cadre des Ateliers de Rennes – biennale d’art contemporain, dont cette troisième édition a été confiée à la commissaire d’exposition Anne Bonnin, Aglaia Konrad présentera sa trilogie « Concrete & Samples », suite de trois films réalisés en 2009 -2010, consacrés à l’église de la Sainte Trinité de Vienne, bâtie par Wotruba, au « Blockhaus » de Nevers, érigé par Parent et Virilio ainsi qu’aux carrières de Carrare. On renverra le lecteur à l’excellent texte que Katerina  Gregos a consacré à ces trois films, un essai publié dans Mousse Magazine.

Le choix de ces trois œuvres s’accorde avec l’esprit qu’Anne Bonnin désire inspirer à cette troisième biennale rennoise. Intitulée « Les prairies », celle-ci s’attachera plus particulièrement à l’esprit des commencements, à la figure de la conquête, à celle du pionnier qui anime l’histoire d’une modernité plurielle, à l’image de la prairie, poétique du commencement, cliché cinémascopique qui appartient aussi au monde construit.

Aglaia Konrad, Concrete & Samples I Wotruba Wien, film 16mm transféré sur DVD, couleur, 4:3, sans son, Belgique, 2009, 13′37″.

Le Communiqué de 40mCubes :

Aglaia Konrad, Concrete & Samples I, II & III, 2009-2010.
Dans le cadre des Ateliers de Rennes – Biennale d’art contemporain.

Concrete & Samples I, II et III est une série de films d’Aglaia Konrad consacrée à deux architectures et un site naturel largement modifié par l’Homme.

Le premier volet de la trilogie explore l’église de la Sainte Trinité, à Vienne. Créé par le sculpteur Fritz Wotruba, le bâtiment ressemble à une sculpture abstraite monumentale, à un arrangement cubiste de 152 blocs de béton disposés de façon asymétrique.

Concrete & Samples II Blockhaus présente l’Église Sainte-Bernadette-du-Banlay de Nevers, conçue par Claude Parent et Paul Virilio. Monolithique, énigmatique, elle apparaît comme un bunker en béton brut. Construite selon une idée utopique, l’espace intérieur présente deux rampes obliques qui créent une dynamique spatiale.

Dernier film de la trilogie, Concrete & Samples III Carrara montre la célèbre carrière de marbre du même nom. Ce paysage toujours en évolution paraît avoir été sculpté, semble comporter des architectures temporaires et fait de nombreuses références à l’histoire de l’art.

Les trois films ont comme point commun de ne comporter aucun commentaire tout en proposant un regard subjectif sur ces architectures et sur ce site, comme si la caméra se substituait au regard d’un visiteur, en l’occurrence celui de l’artiste… C’est donc son point de vue, au sens propre et figuré, qui nous fait découvrir les lieux et crée un lien entre les films. Aglaia Konrad choisit de rassembler dans une même série ces trois sites – architectures modernes en béton brut et site naturel d’extraction d’un matériau noble et traditionnel de la sculpture, et de les considérer en tant que sculptures à part entière.

Aglaia Konrad, Concrete & Samples II Blockhaus, film 16mm transféré sur DVD, couleur, 4:3, sans son, Belgique, 2009, 9′50″.

Aglaia Konrad, Concrete & Samples III Carrara, film 16mm transféré sur Bluray, couleur, 4:3, sans son, Belgique/Autriche, 2010, 19′.

Exposition accessible du 14 septembre au 8 décembre
Les films sont également visibles à la galerie. Sur demande.

Eleni Kamma, lauréate du Preis für Junge Kunst Euregio, NAK Aachen

Eleni Kamma est lauréate du Prix de l’Art Jeune, récemment fondé par le NAK, Neuer Aachener Kunstverein, prix récompensant un artiste résidant dans l’Euregio Rhin Meuse. Le prix consiste en une bourse et une exposition au NAK soutenue par une publication. Cette exposition aura lieu du 28 octobre au 25 novembre. Eleni Kamma réévaluera à cette occasion le travail réalisé lors de sa résidence à la Villa  Romana à Florence.

Le Communiqué

The NAK. Neuer Aachener Kunstverein is pleased to announce that Maastrict-based artist Eleni Kamma is the first winner of the PREIS FÜR JUNGE KUNST PRIIJS VOOR JONGE KUNST PRIX DE L’ART JEUNE. In addition to a cash prize of 3.000,- Euro, the artist will present her work in a solo exhibition at the NAK. Neuer Aachener Kunstverein in October 2012. The exhibition will be accompanied by a publication.

The PREIS FÜR JUNGE KUNST was awarded for the very first time in 2012 by the NAK. Neuer Aachener Kunstverein and STAWAG, Stadtwerke Aachen AG and is made possible through the generous support of STAWAG. The prize is given to artists under forty years old and who were born, educated, or live and work in the Meuse-Rhine Euroregion. STAWAG Executive Board Director Dr. Christian Becker explains the energy concern’s decision to sponsor the prize as follows: “Promoting young talent is a central focus of STAWAG’s community involvement. I am delighted that we can offer young and upcoming artists a chance to develop their work through the NAK art prize and contribute in this way to ensuring that Aachen remains a source of inspiration for innovative ideas.”

The jury consisting of Dr. Martin Schmidl, artist, Berlin and Aachen, Lisette Smits, curator, MARRES Center for Contemporary Culture, Maastricht, Dirk Snauwaert, director WIELS Contemporary Art Center, Brussels, Astrid Wege, curator and publicist, Cologne, and Dorothea Jendricke, director, NAK. Neuer Aachener Kunstverein, Aachen, selected Kamma from more than one hundred applications received from the three countries of the Euregio Meuse-Rhine, Belgium, the Netherlands, and Germany, for the following reason:

“Athens-born of Cypriot origin Eleni Kamma (*1973) focuses on the inherent gaps and contradictions within existing cultural narratives and structures. In her books, drawings, videos and installations she investigates possibilities for a future architecture that rejects binary oppositional systems of thought and accepts rather than tolerates “other” positions. Her interest lies in narrative representations of transformation.

Issues of memory, authenticity and identity take centre stage in Kamma’s artistic practice. It often takes the form of real objects or stories that are constituted as stereotypes through omission of their actual history. By revisiting systems of classification and strategies of description and taxonomy, Kamma examines the relation of the cliché, the banal and the stereotype, to the formation of history and the production of meaning.

Kamma’s work captivated the jury not only through the broad range of the media used and the wealth and diversity of its references, but also through its subtle reflection on space and the “appearance” of an object that suggests an in-between space.

With Kamma, the prize is awarded to an artist who maintains close ties to all three countries of the Euregio Meuse-Rhine. Currently living in Maastricht, she not only plays an active and integral part in the regional art scene but her international connections allow her to maintain a high profile within the international art field, providing visibility and evidence of the vitality of the regional art scene of the Euregio Meuse-Rhine.”

Eleni Kamma (*1973) was a Fellow Researcher at the Jan Van Eyck Academie in Maastricht in 2008-09. Moreover she is represented by Galerie Nadja Vilenne in Liège. In 2010, Kamma was an artist in resident at the WIELS Contemporary Art Centre in Brussels, and, in early 2011, she participated in the IASPIS Residency Program in Stockholm. In the same year, Eleni Kamma was also a guest artist at Villa Romana in Florence. Her works have been presented previously in Aachen in conjunction with the exhibition of the Liège-based SPACE Collection at the Atelierhaus Aachen e.V.

L’Agenda d’automne d’Eleni Kamma :

NAK Neuer Aachener Kunstverein (solo)
Preis für Junge Kunst Prijs voor Jonge Kunst Prix de l’Art Jeune
27 October – 25 November 2012
NAK Neuer Aachener Kunstverein, Aachen, Germany

L’ Observatoire – Maison Grégoire (solo)
04 October– 03 November 2012
Curated by Emmanuel Lambion
Maison Grégoire, Brussels

On Dilettantism (Group exhibition)
15 September – 18 November 2012
Curator: Frank Motz
HALLE 14, Leipzig

Tokonoma diary (10)

8 septembre

Tokonoma a canalisé un dialogue entre les artistes ; le dispositif, de ce fait, établit également un dialogue entre les œuvres. Celui-ci s’est resserré au fil du temps, de telle sorte que l’ajout d’une contribution, même de modestes dimensions, induit qu’il faille réévaluer l’ensemble. Ainsi, cette petite œuvre qu’Olivier Foulon a confié à Suchan Kinoshita, deux petites photocopies d’un encadrement de tableau, découpées et ajourées, de telle sorte qu’il ne subsiste plus que les deux encadrement découpés. Ceci n’est pas sans rappeler les travaux qu’Olivier Foulon mena à propos de « L’Enseigne de Gersaint » de Watteau et des encadrements successifs de cette œuvre conservée à Berlin. Gersaint, on le sait, édita  entre autre des gravures de Watteau, ses arabesques, ses petits sujets ornementaux, ses gravures d’ornements. Guillaume Glorieux le rappelle dans son livre « À l’enseigne de Gersaint : Edme-François Gersaint, marchand d’art sur le Pont Notre-Dame » ; il écrit : « Très tôt, Gersaint a précisé l’usage auquel il destinait les gravures de Watteau qu’il éditait et commercialisait : « De pareils sujets peints sur des fonds blancs, conviennent à merveille aux découpures dont les dames font aujourd’hui de si jolis meubles », écrivait-il dans le Mercure de France en 1727, soit l’année où il commença à éditer des estampes avec Surugue ; toujours selon Gersaint, (…) « tous ces ornements réussissent parfaitement en découpures ».

Je ne sais si Olivier Foulon connaît ce texte, mais je constate qu’il découpe l’encadrement ornemental de l’Enseigne et que Suchan Kinoshita accroche ces découpures, comme chainées l’une à l’autre, sur le fond monochrome du mur de plâtre, central dans le dispositif. L’endroit semble aller de soi mais contraint dès lors Suchan Kinoshita à faire disparaître le dialogue précédemment établi entre le dessin de Walter Swennen, l’enchaînement des images de la « trahison » magritienne réévaluée par Eran Schaerf et ce mur banc monochrome aux arrêtes crémeuses. Qu’à cela ne tienne : l’œuvre d’Eran Schaerf fera désormais face à celle d’Olivier Foulon et le dessin de Walter Swennen émigrera. Suchan Kinoshita le décadre et le pose au sol, recouvrant une part du rectangle lumineux créé par ce projecteur de diapositives, très tôt déposé dans le dispositif mais auquel personne n’a encore dédié une image particulière. Suchan Kinoshita me fait remarquer que « quelque chose se passe », derrière le dessin de Swennen, dans l’ombre qu’il créée avec le plan vertical contre lequel il est posé ; elle constate également que l’agencement de ce petit dispositif rappelle « Le Souffleur ou L’homme assis (dans le carré de) la peinture », cette projection de diapositives qu’Olivier Foulon installa en 2008 (dans le carré) d’une peinture de Walter Swennen. Cette fois, c’est le dessin de Walter Swennen, cette superposition de plans, qui s’installe dans le carré de la projection lumineuse. On le voit, tout s’enchaîne, assurément.

Valerie Sonnier, In Search of Lost Time, Vancouver

Shannon Oksanen and Valerie Sonnier: In Search of Lost Time

UNIT/PITT Projects, Vancouver
September 7 to October 6, 2012

Opening reception and book launch, Friday September 14, 8pm
Curated by Myfanwy MacLeod.

UNIT/PITT Projects launches a new season of programming at 15 East Pender Street with an exhibition by Shannon Oksanen and French artist Valerie Sonnier, curated by Myfanwy MacLeod. This exhibition is accompanied by a three-volume publication, comprising artists’ books by Valerie Sonnier and Shannon Oksanen, and a critical volume by Myfanwy MacLeod. Join us on Friday, September 14 for the publication launch and opening reception. UNIT/PITT will also be open extended hours on the evening of Friday, September 7.

This exhibition explores various points of intersection between the works of these two artists. Oksanen’s work draws heavily on French film. From Robert Bresson’s Une Femme Douce to Albert Lamorisse’s The Red Balloon, these films frequently act as the basis for her paintings and inspiration for her own films that she frames within the context of craft-based practice. Her interest in craft and the handmade also extends to her painting and sculptural works. This is evident in her most recent sculptures shown at Union Gallery (London) earlier this year in her exhibition Sculptress. These sculptures pay homage to the sculptural works of Cy Twombly, Alexander Calder’s small playful works, Paul Klee’s puppets, and Franz West’s papier maché sculptures. Oksanen will be exhibiting new sculptural works.

Much of Valerie Sonnier’s work is also film-based. She has used a series of home movies from her own childhood to create drawings and paintings, as well as creating several 8mm films of her own using a child’s toy truck. Her drawings are akin to elaborate storyboards for films that illustrate an often strange and disturbing relationship between the little truck and several other vintage toys that Sonnier bought at a local flea market. Her most recent film, Pas sous la neige, will be shown for the first time in Vancouver. The film is set in an abandoned house that once belonged to Sonnier’s parents. It follows a pair of ghosts (her friends dressed up in sheets) as they move from room to room exploring the deserted space.
Putting on puppet shows, playing dress up or with toys are activities that belong to the realm of childhood. As adults, we often leave our imaginative play behind along with our childish fantasies. Through their work, Oksanen and Sonnier try to recuperate the child’s imagination and delight at the simple things in life. Here, the experience and memories of childhood are not forgotten but celebrated.

Shannon Oksanen (b.1967) lives and works in Vancouver. She obtained a degree in art history from the University of British Columbia in 1993. She has exhibited at the Contemporary Art Gallery, Vancouver; Vancouver Art Gallery, Vancouver; Charles H Scott Gallery, Vancouver; Union Gallery, London; 303 Gallery, New York; Seattle Art Museum, Seattle; Wattis Art Institute, San Francisco; and Fruitmarket Gallery, Edinburgh.

Valerie Sonnier (b.1967) lives and works in Paris. She obtained her Diploma from the Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris in 1993. She is a Professeur de dessin et de morphologie at the Ecole nationale supérieure des beaux-arts de Paris. She has exhibited at the Grand Palais in Paris, Museum of Fine Arts in Taiwan, Taipei and the Musée des Beaux-Arts, Montréal.

Jacqueline Mesmaeker, 21 mars 1975

21 mars 1975

Série de 33 photographies, 1975

L’œuvre est régie par un protocole strict : l’artiste demande à plusieurs personnes de prendre une photo noir et blanc de l’endroit où ils se trouveront le 21 mars à 17h23 précises. La série réunit ces photos banales prises à un même instant. Leurs moments se superposent et rendent compte de l’infinie diversité des points de vue et des attitudes à un moment donné. Jacqueline Mesmaeker délègue les prises de vue de ces petites images singulières liées ainsi à d’autres vies que la sienne.





Bruxelles, 21 mars 1975. 17h23.

Athènes, 21 mars 1975. 17h23.

Train Bruxelles Arlon, 21 mars 1975. 17h23

Bremershaven, 21 mars 1975. 17h23.

Bruxelles 21 mars 1975, 17h23

Bierges, 21 mars 1975. 17h23.

21 mars 1975. 17h23.

Lu dans le texte d’Anaël Lejeune, Faire Voir (in Jacqueline Mesmaeker, oeuvres 1975 – 2011)

Actualité du regard

On souhaiterait à présent conclure en reformulant l’enjeu théorique dont seraient porteuses les quelques oeuvres envisagées et qui nous semble avoir émergé au terme de ce bref parcours : créer des images capables d’interpeller le spectateur afin de lui signifier que son regard est constitutif du fonctionnement du dispositif visuel que met en place l’oeuvre d’art, et ce, en thématisant les modalités et les conditions fondamentales auxquelles elles font voir quelque chose et figurant de la sorte autant de signes renvoyant réflexivement le spectateur à son propre acte de contemplation. Ces oeuvres, pourrait on résumer, fournissent le spectateur de signes performant qui actualisent son regard. Un tel enjeu, de par sa teneur théorique, confirme volontiers la dimension conceptuelle du travail de Jacqueline Mesmaeker, tendance artistique à laquelle il n’est en effet que trop raisonnable de le rattacher comme y invitent les oeuvres protocolaires telles que « 21 mars 1975 17h23 » (1975) ou « Time Table Fax » (1997). Reste qu’il conviendrait assurément de saisir comment ce travail, dont on a cherché à dégager l’un des enjeux, prend également l’énonciation même de celui-ci à contre-pied. Car si en effet, dans sa tendance dominante, l’art conceptuel repose principalement sur les deux postulats que l’idée dont est porteuse l’oeuvre d’art en constitue l’aspect le plus important au point de se caractériser d’abord par la volonté de substituer une proposition langagière à l’objet d’une expérience sensible, et que la nature de l’art elle même en constitue le sujet privilégié16, il faut voir comment l’oeuvre de Jacqueline Mesmaeker résiste à semblable disposition. C’est que le concept ou le prédicat théorique que recèlent ses oeuvres ne les précèdent pas pour ainsi dire mais, ainsi que nous avons cherché à le montrer, s’élabore aussi bien qu’il se vérifie depuis les oeuvres elles-mêmes. Celles-ci déploient donc une sorte de pensée visuelle en acte quant à leur propre nature. Aussi, si Jacqueline Mesmaeker répond à l’une des propositions qui soutiennent l’art conceptuel, il faut constater comment ses préoccupations rejoignent celles d’artistes illustres, également associés à cette tendance tels que Mel Bochner, Robert Smithson ou Douglas Huebler pour ne citer que quelques figures historiques, qui ont eux aussi, contre le postulat linguistique de ce courant, cherché à examiner réflexivement les modalités et les moyens spécifiques dont dispose l’activité plastique pour engendrer du sens selon une logique proprement visuelle. À ce compte, on pourrait tout aussi bien considérer les dernières pages d’Après lecture des Mémoires d’Outre-tombe telle une allégorie de cette position. À l’instar du portrait photographique de Lawrence Weiner – tenant d’un certain conceptualisme austère – affecté visuellement par les motifs décoratifs floraux adjacents qui contribuent ainsi à en révéler les conditions matérielles, l’oeuvre de Jacqueline Mesmaeker montre que c’est peut-être en en passant par l’expérience visuelle et sa jouissance que s’élabore au mieux la pensée théorique des pouvoirs de l’oeuvre d’art.

A voir au MAC’S Grand Hornu, jusqu’au 14  octobre