Archives mensuelles : septembre 2014

Sophie Langohr, Like a Virgin, Maria als Wonder Woman, Odapark, Venray (Nl)

Sophie Langohr

Vierge polychrome conservée au Grand Curtius de Liège, nouveau visage à partir de Emily di Donato pour Maybelline, de la série New Faces 2011-2012, photographies couleurs marouflée sur aluminium, (2) x 50 x 40 cm

Sophie Langohr participe à l’exposition Like a Virgin, Maria als Wonder Woman, organisée par Oda Park à Venray (Nl). Du 21 septembre au 15 février 2016

A propos des New Faces de Sophie Langohr : voir le site de la galerie

Le communiqué de presse :

Al een aantal jaren spelen we in Odapark met de gedachte een tentoonstelling aan Maria te wijden, niet op de bekende en traditionele wijze, maar op onze eigenwijze manier. Echter het is een project waarvan je denkt dat het altijd nòg meer tijd kan gebruiken, omdat het altijd nòg beter kan. Met het plotseling wegvallen van ons project in de Cannerberg bij Maastricht besloten we het nu voor het voetlicht te brengen. Eenvoudigweg omdat het zo bij ons hoort, bij onze basis maar ook omdat het past bij een periode van bezinning.

Het gebied waarin Odapark ligt, heette voorheen Reyndersbos en werd in de volksmond Notarisberg genoemd. Eind 19e eeuw werd het aangekocht door Zusters Ursulinen die een klooster met pensionaat beheerden dat verbonden was aan meisjesgymnasium Jerusalem, gelegen in het centrum van Venray. Zij zagen de berg als een mooie plek voor de jonge meisjes die hier ‘zouden kunnen stoeien en lawaaien, zoveel zij wilden’, aldus de nonnen. Zo ontstonden een park met een heuvelachtig karakter, een bos met dennen, struiken en uitheemse boomsoorten, een speelweide en talloze prieeltjes én werd er een Theehuis gebouwd, gelegen op een berg van waaruit de meisjes, uiterst goed, in het blikveld van de zusters, in de gaten gehouden konden worden.

In het katholiek meisjesonderwijs stond lang Maria centraal. Het effect op meisjes die opgevoed werden op katholieke meisjesscholen was enorm, ze groeiden op in een methode die niet vrij van schade was. Vaak liet het onderwijs een diepe impact achter op het karakter van de scholieren. Immers niets verdwijnt zonder een spoor na te laten. En vaak stelden we ons – zelf ook groot geworden met katholiek meisjesonderwijs – de vraag hoe zich dit alles verhoudt tot Maria?

Bij katholieken is Maria het voorbeeld van de ideale vrouw. Het beeld van haar als nederige en nooit twijfelende dienstmaagd, werd vaak gebruikt om de vrouw haar plaats te wijzen. Als vrouw, meisje, moest je net als Maria zijn, dat was het streven. Maar een verdomd lastig streven want Maria was en is een onnavolgbaar voorbeeld. Tegelijkertijd fungeert zij als grootste troostverstrekker. Dat is wel te zien als een dubbelheid waarvan we nooit meer helemaal loskomen.

De rol van Maria is in de devotie van zusters, nonnen, van de grootste importantie. Ze verenigt in zich een aantal aspecten waarin zij zich herkenden en die ze wilden overdragen, hoe dan ook, op de vrouwelijke leerlingen. Maria was de maagd, bruid, koningin, bemiddelaar en moeder. Ze was het enige voorbeeld dat vrouwen werd aangereikt. Maar Maria’s zuiverheid is onhaalbaar, haar opoffering, vermogen tot gehoorzaamheid, niet vol te houden en een vrijbrief voor schuldgevoel en gevoelens van onvermogen. Er is niet in haar schaduw te staan, maar het was lang de enige plek die werd aangewezen.

Toch wordt Maria collectief aanbeden. Meer mensen (zelfs mannen) bidden tot Maria dan tot God of Jezus, omdat de laatsten als niet toegankelijk genoeg worden gezien. Als moeilijk ervaren, en als ‘niet vurig’ genoeg. Maria zorgt ervoor dat mens en god bij elkaar komen. Ze is de ultieme moeder, die we allemaal wel willen zijn, maar wij kunnen geen maagd en moeder tegelijk zijn. In gehoorzaamheid en zelfopoffering moet je alles kunnen verdragen in haar lijn, maar dat lukt ons als geëmancipeerde vrouwen steeds minder. Ze is een verplicht gesteld voorbeeld maar nooit haalbare kaart. Maria is de belangrijkste vrouw in het Nieuwe Testament, maar er staat in de Bijbel niet veel over haar leven geschreven. Wat we weten van haar komt uit andere historische bronnen. En ook daarin barst het van de tegenstrijdigheden en onzekerheden. Voor haar naam zijn 60 verklaringen, de betekenis afhankelijk van het gebied van oorsprong. In de Egyptische variant staat haar naam voor ‘schoon’ en ‘welgevormd’. In het Hebreeuws verwijst haar naam naar ‘verbitterdheid’ en Hiëronymus omschreef de betekenis ervan als ‘druppel van de zee’. Wat haar naam ook zegt, deze verhaalt vooral van tegenstellingen.

Wonder Woman is een Amerikaanse superheld(in), een comic-book karakter, ontstaan in 1941. Tot aan de jaren zestig waren de enige drie superhelden die hun eigen stripboek hadden: Superman, Batman en Wonder Woman. De culturele impact van het personage is gestaag gegroeid door de jaren heen, en zij heeft lang gediend als iconisch voorbeeld van de feministische beweging en een blijvend symbool van vrouwelijke macht en kracht. Ze lijkt wel wat op Maria maar is tevens haar tegenpool. Daar waar Maria nooit enig emancipatorisch gevoel ontwikkelde of opriep, kan Wonder Woman al 73 jaar die lacune vullen.

Wonder Woman’s bedenker is William Moulton Marston, in de VS in het midden van de vorige eeuw een psycholoog van importantie, en de uitvinder van de leugendetectortest (Wonder Woman heeft als superheld een wapen in de vorm van een lasso die kan aangeven of iemand liegt of de waarheid spreekt). Door zijn werk als psycholoog ontwikkelde Marston de overtuiging dat vrouwen harder werkten en nauwkeuriger waren, bovendien eerlijker en betrouwbaarder dan mannen. Marston stelde dat het heersende gevoel van vrijheid in de jaren 40-50 een mannelijke aangelegenheid was met een anarchistische en gewelddadige inslag. De tegengestelde vrouwelijke variant ervoer hij als gebaseerd op liefde en een ideale vorm ervan. In comic books, zag hij ‘grootst mogelijke educatieve potentie’, zoiets als een school in de vorm van popcultuur.

Maria en Wonder Woman zijn in LIKE A VIRGIN te zien in in schilderijen, fotografie, tekeningen, comic books, beelden en beeldjes, en video’s. Niet als tegenstelling maar als equivalente (door mannen uitgevonden) voorbeelden voor vrouwen, die veel op elkaar lijken maar waarvan de impact enorm verschillend kan zijn. Het is dus de keuze waar het op aankomt, en die keuze is ook bij te stellen. Voor de duidelijkheid: dit is geen tentoonstelling enkel voor vrouwen… maar dat hoeven we niet uit te leggen aan jongens en mannen wereldwijd die Maria net zo goed aanbidden en die Wonder Woman nog in veel grotere getalen lezen – én bekijken – dan vrouwen…

Bij de tentoonstelling verschijnt een cultuur-participatie-project van Nature, waarbij boodschappen, vragen, wonderen en verzoeken aan Maria door bezoekers aan de tentoonstelling in een Maria-fles gedaan kunnen worden. Een groeiende toren, richting hemel, die zal verworden tot een sculptuur die een permanente plaats zal krijgen na afloop van de tentoonstelling in het Beeldenbos van Odapark. Het project is onderdeel van het renovatieplan in samenwerking met Heidemij en de restauratie van het Josef-Prieeltje in naam van Marijke Cieraad, curator en medeoprichter van Odapark (en voormalig scholiere van gymnasium Jerusalem).

Ook verschijnt een publicatie, met het prozaverhaal Gebed zonder einde van Pascalle Mansvelders uit 2009 met foto’s van Franco Gori waarop Limburgse meisjes en vrouwen te zien zijn in de lijn van kernverhaal en tentoonstelling. Het verhaal is te vinden als bijlage hier beneden.

Voor LIKE A VIRGIN wordt tevens het publiek uitgenodigd eigen Maria (of Wonder Woman) beeldjes in te brengen voor een plek in de tentoonstelling. Tenslotte is dit een expositie in de lijn van Odapark voor en met het publiek. Zie binnenkort voor meer info onder: oproepen…

Jacqueline Mesmaeker, Allegory of the Cave Painting, Extra City, Antwerpen

Jacqueline Mesmaeker participe à l’exposition « Allegory of the Cave Painting » à Extra City à Anvers. Commissaire de l’exposition : Mihnea Mircana. Vernissage ce vendredi 19 septembre.

versailles10

Jacqueline Mesmaeker, Versailles avant sa construction, 1980

A propos de Versailles avant sa construction

Le Communiqué de presse :

Allegory of the Cave Painting
GROUP EXHIBITION

Opening Friday 19 September 2014, 19:00
20.09 — 07.12.2014
at Extra City Kunsthal, Antwerp

Allegory of the Cave Painting. The Other Way Around
Opening Saturday 25 October 2014, 14:30
25.10.2014 — 29.03.2015
at the Braem Pavilion, Middelheim Museum, Antwerp

A 2010 archaeological research determined that the prehistoric Bradshaw cave paintings in the Australian Kimberley range had been colonized by red bacteria and black fungi, ‘living pigments’ whose rejuvenation (cannibalizing on preceding generations) and symbiosis (an exchange of carbohydrates and water) account for the paintings’ vividness, in spite of the drastic changes in temperature or humidity to which they are exposed. Bacteria and fungi coproduce a process of permanent self-painting, simultaneous with etching the pictures deeper into rock: eating into the quartz wall, the microorganisms preserve the integrity of images by reproducing in situ and creating concave frames for the painted surface. At least 40.000 years old, almost exclusively anthropomorphic, ‘alive’, the Bradshaw paintings maintain an idiosyncratic pictorial temporality and economy – or ecology – of signification. They are as much a product of prehistory – of a paradigm that pairs life, art and spirituality in ways we can only speculate upon – as they are made now, in a radical contemporaneity. What they mean cannot be disentangled from what they are, from the chemical and aesthetic metabolism that revitalizes their graceful contours.

‘Allegory of the Cave Painting’ takes these paintings as mental model. The project – consisting of an exhibition in two parts and a reader – assembles artworks and ideas in a polyphonic response to ‘living pigments’, their impact on narratives about the birth of art and knowledge, contamination (an eminently productive force here) and colonization, art’s quest for ‘life’ or the threshold between image and embodiment. The Bradshaws challenge a central archaeological metaphor: the inaugural moment of symbolic activity, an awakening where we begin and something that eludes us, that is fundamentally unfamiliar, ends. The ‘origins’ and ‘futures’ of the present age will be considered – in both the exhibition and the reader – in relation to the idiosyncratic time of the Bradshaws, the web of antonyms in which they capture the categories of our thinking about images, materiality and time.

The Extra City leg of the exhibition engages the ‘metabolism’ of the Bradshaw paintings, its impact on art-historical notions and historical positions, while ‘Allegory of the Cave Painting. The Other Way Around’, at the Braem Pavilion of the Middelheim Museum, dwells on a dialectic of intimacy and understanding, invitation and opacity in our relation to visual objects. The presentation at the Braem Pavilion is structured in concentric circles, around particular works and positions from the Middelheim Museum collection, whereas Extra City hosts a dense display that reflects on technologies for making and thinking pictures, the lights and shadows that accompany the birth of art and the progress of knowledge, the forms in which images manifest a sense of fragility or permanence. Through juxtapositions within and between the two segments, the project outlines a mode of visual imagination that is with its objects and questions, rather than about them, aiming to assemble an allegorical stage where a response to what the Bradshaw paintings might be telling us can be formulated.

Participating artists
Group show with contributions by Gustav Metzger, Ciprian Muresan, Rosalind Nashashibi, Fabio Mauri, Geert Goiris, Alon Levin, Phillip Warnell, Lonnie van Brummelen and Siebren de Haan, Susanne Kriemann, Constantin Brancusi, Bernard Voita, Sven Johne, Pavel Buchler, Erin Shirreff, Jacqueline Mesmaeker, Adria Julia, Michele Matyn, among others, and commissioned works by Tom Nicholson, Jonas Staal, Toril Johannessen, Florian Dombois and Paola Yaco.

Eleni Kamma, Play it Emin !

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Yar bana bir eğlence, Oh, pour un peu de distraction !

En résidence à Istanbul, alors que gronde la contestation sociale symbolisée par l’occupation du parc Taksim Gezi, Eleni Kamma arpente, dans le district de Bakırköy, un autre parc de la capitale turque, le Florya Atatürk, tout proche de Yeşilköy, littéralement « le village vert », « une charmante bourgade au bord de la mer Marmara, au nombreuses maisons de bois harmonieusement restaurées », rapportent les guides touristiques. Trois clochers s’y dessinent à l’horizon : Haghios Stephanos, église grecque orthodoxe, Surp Istepanos, arménienne grégorienne, San Stefano, levantine francophone catholique. Toutes trois ont ainsi la particularité de porter le même nom. Le village lui-même s’appelait Ayastefanos, avant d’être débaptisé en 1924, dans la cadre de la sécularisation décrétée par Mustapha Kemal Atatürk.

C’est ici même que s’arrêtèrent jadis les armées russes en 1877-78 ; ainsi ne réaliseront-elle jamais le vieux rêve des tsars de reconstituer l’Empire byzantin en prenant Constantinople. C’est encore à San Stefano que fut signé, toujours en 1878, le traité du même nom, mettant fin à la 93ième guerre russe, convention imposée par l’Empire russe, réorganisant les anciennes possessions balkaniques de l’Empire ottoman.

A cette occasion, la Russie impose également l’érection d’un monument commémoratif à Ayastefanos, un monument ossuaire à la gloire du soldat russe vainqueur de l’empire Ottoman. Sur décision du gouvernement et du Comité Union et Progrès, ce monument sera rasé par la population d’Istanbul le samedi 14 novembre 1914. Les armées ottomanes sont mobilisées depuis le 2 septembre, la Russie déclare la guerre à l’Empire le 1er novembre. La destruction du monument russe d’Ayastefanos est dès lors l’expression même de la dignité nationale. Le nationalisme turc, né lors de la « révolution jeune turc » du 24 juillet 1908 est en plein accomplissement : il a progressivement gagné les élites politiques, militaires, civiles et les classes moyennes des villes.[1] En ce début de premier conflit mondial, il n’a jamais été aussi manifeste.

Le tout premier film de l’histoire du cinéma turc, après le documentaire de 1911 des frères macédoniens Yanaki et Milton Manaki consacré à la Visite du sultan Mehmet V à Monastir, immortalise cette « Démolition  du monument russe d’Ayastefanos ». Il est signé par Fuat Uzkinay, un officier de marine qui travaillera dès l’année suivante pour le Bureau central du cinéma de l’armée, créé à la demande d’Enver Pacha, l’homme fort au pouvoir qui, en cette époque de nationalisme exacerbé, a bien compris tout le pouvoir de propagande de l’image animée. « Je ne peux m’empêcher de songer à l’étrangeté de ce geste qui consiste à détruire un monument et à l’immortaliser juste au moment de le détruire, écrit au sujet de ce film la journaliste et écrivain Marie-Michèle Martinet dans ses déambulations stambouliotes,  Comme si l’image était la matérialisation d’une sorte de remords, intercalé entre l’acte de détruire et celui de fixer sur la pellicule ce que l’on détruit. D’ailleurs, le film a bizarrement disparu après ce tournage. A tel point que l’on a même douté de son existence »[2].

C’est ce premier film à propos de la destruction du monument russe d’Ayastefanos qu’Eleni Kamma a décidé d’évoquer. Son propre film, en diptyque et aux images contigües, confrontera dès lors les lieux actuels, où  rien ne rappelle plus la présence du monument, au récit et à l’évocation de cette journée du 14 novembre 1914. Eleni Kamma confie ce récit à un hayalî, ce qui, en turc, signifie tant « imaginaire » que « créateur d’images ». L’hayalî est le marionnettiste du Karagöz, le traditionnel théâtre d’ombres dont le nom provient de celui de l’un de ses deux principaux personnages, Karagöz et Hacivat. Ce théâtre de silhouettes profilant leur ombre sur un écran de toile blanche a tenu une place importante dans le vaste Empire Ottoman. « On y décrit, en se moquant, les traditions, les coutumes et les mœurs de la population particulièrement bigarrée de la capitale et des grandes villes », note Michèle Nicolas[3]. Avec ses allusions aux faits d’actualité, ses critiques et des griefs contre un gouvernement tyrannique, ce théâtre, surtout au 19e siècle, sert de support à l’agitation par la satire politique, les plaisanteries, les railleries contre pachas, vizirs et beys ; tous incarnent le pouvoir religieux ou militaire mais ne sont jamais représentés en tant que tel, par respect ou par crainte de représailles. Le Karagöz est en fait une sorte de miroir, reflétant les pensées du peuple, un spectacle qui exprime ce que ses spectateurs eux-mêmes n’osent dire de leur préoccupations morales, sociales et politiques. « On ne vient pas au Karagöz, a l’habitude de dire l’hayalî Emin Senyer l’un des principaux actuels légataires de cette tradition. C’est le Karagöz qui vient à vous ».

Ainsi, dès les premières images de ce film en diptyque d’Eleni Kamma, on découvre simultanément les troncs de dizaines d’arbres dressés comme de singulières présences quasi fantomatiques dans le parc de Florya Atatürk et, d’autres part, l’atelier du marionnettiste Emin Senyer. Celui-ci découpe une peau de buffle ; il travaille le cuir jusqu’à ce que celui-ci devienne presque transparent. Sous ses doigts précis se dessine peu à peu un monument grand comme une église russe orthodoxe. En le teintant, afin d’obtenir des projections de couleurs, il raconte la  Destruction et rapporte un récit singulier, celui de Y. Bahri Doğançay, militaire du 27e régiment de cavalerie qui déclara avoir lui-même placé les charges d’explosifs afin de pulvériser le monument en 1914. Martial, Doğançay évoque la population d’Istanbul qui déjà la veille s’était attaqué à coups de pics au mur d’enceinte du monument, l’étonnement et la colère du commissaire de la police locale devant l’intervention de ce régiment, la magnificence du monument, les mèches que lui-même et ses camarades allumèrent avec leur cigarettes, les dangers qu’ils encoururent, la difficulté qu’ils eurent à abattre le bâtiment. Il évoque enfin les atermoiements du gouvernement, l’arrêt sur ordonnance de cette destruction au matin du 14 novembre, la permission enfin accordée d’achever le travail de façon méthodique, les ruines du monument « constituant désormais un danger pour la population ». Pirouette singulière d’un pouvoir embarrassé.

La lampe de projection du Karagöz est appelée şem’a, littéralement bougie, mais il s’agit en principe d’une lampe à huile. Les images sont projetées sur un écran de mousseline blanche que l’on nomme ayna, ce qui veut dire miroir. En envisageant son travail sous la forme d’une double projection, Eleni Kamma use de ce dispositif miroitique. Ainsi, tandis que défilent toujours les arbres du parc Florya, tels des ombres hiératiques, Emin Seyner le marionnettiste dresse son castelet, cette toile tendue sur une armature, comme celle d’un peintre, destinée au jeu d’ombres. Lorsqu’il évoque dans le récit de Doğançay l’enceinte du monument, ce sont les grillages qui entourent le parc de Florya que la caméra d’Eleni Kamma dévoile. Au récit épique de Doğançay correspond d’autres comptes-rendus de l’événement, la relations faite par la presse de l’époque. Le commentaire qui défile sur la gauche du diptyque, en contrepoint du récit raconté par Emin Seneyr est en effet fondé, entre autres sources, sur les articles du Tanin, proche du Comité Union et Progrès ou du très influent Tasfiri Efkar. Le ton est officiel, nationaliste et quelque peu emphatique. Le Tasfiri Efka précise, par exemple, que les quatre cloches du monument furent transférées au Musée militaire et exposées à côté d’un autre symbole national, les lourdes chaines qui défendaient l’accès maritime à la Corne d’Or, lors du siège de la ville par Mehmed II le Conquérant. Dès le moment où le marionnettiste passe derrière la toile, prêt à raviver la Destruction, ses silhouettes enfin prêtes, c’est un autre écran qu’Eleni Kamma filme, une bâche tendue sur toute la hauteur d’une grande bâtisse d’Yeşilköy. Ici, à deux pas de l’endroit où se dressait le monument russe, on bâtit, on construit, et le promoteur donne à imaginer ce que sera le résultat.

Eleni Kamma, elle, est commanditaire d’une réédification du monument ; en termes cinématographiques, elle est productrice d’un remake de sa destruction. Et Emin Senyer se plie au jeu. Tout prologue au Karagöz se termine par l’intention annoncée de se divertir : « Yar bana bir eğlence », déclare traditionnellement Hacivat en fin de prologue, « Oh, pour un peu de distraction ».  C’est Hacivat qui assistera à la destruction du Monument russe, qui en sera ainsi le témoin. « Avec sa voix nasillarde, note encore Michèle Nicolas, c’est un petit bourgeois, le pédant de village, tremblant devant le pouvoir. Flatteur des puissants et des nantis, il utilise un langage fleuri, plein de mots savants et de métaphores. Il connaît par cœur l’étiquette qui règne dans la haute société et fait étalage des principes moraux des classes élevées. C’est l’érudit froid, calculateur, opportuniste,  le courtier auquel on s’adresse quand on a besoin d’un serviteur ou d’un bon office ». Entre en scène, un cavalier, un homme à pied. Le Monument russe est au centre de la scène ; le cavalier et l’homme à pied, de façon cocasse, procèdent enfin à sa destruction. Et tandis qu’explose le Monument russe, ombre de lui-même projeté sur la toile, on apprend que Vladimir Poutine, lors d’une rencontre avec Recep Tayyip Erdogan en 2012, alors que la situation en Syrie est au cœur des conversations politiques, a proposé à son homologue turc la remise en état des monuments et des pierres tombales russes en Turquie tout comme la remise en état des monuments et des pierres tombales turques en Russie. Parmi lesquels le monument commémoratif russe d’Ayastefanos, dans cette banlieue huppée d’Istanbul.

Le jeu de miroir dont use Eleni Kamma dépasse de loin le rappel d’un épisode historique des débuts du premier conflit mondial. Entre réel et imaginaire, les jeux d’ombres et de lumière qu’elles révèlent entre film perdu, sources archivistiques, traditions populaires, satire sociale, contradictions et histoire politique activent la mémoire. Les images d’un théâtre d’ombre nous projettent dans le réel, celui, aujourd’hui d’une banlieue d’Istanbul, celui du monde aussi ; car on ne peut que penser aux actuelles contestations, au danger de l’actuelle montée en puissance des nationalismes, aux tentations d’expansions territoriales, à la situations des minorités,  au choc des cultures ou aux conflits religieux. C’est Eleni Kamma qui cite elle-même ces vers de T.S. Eliot : « Entre l’idée et la réalité, entre le mouvement et l’acte, tombe l’ombre ». (JMB)

[1] François Georgeon, La montée du nationalisme turc dans l’État ottoman (1908- 1914). Bilan et perspectives. In: Revue de l’Occident musulman et de la Méditerranée, N°50, 1988.

[2] Marie-Michèle Martinet, Où est passée Zozo Dalmas, blog Le Monde, 2009

[3] Michèle Nicolas, La comédie humaine dans le Karagöz. In: Revue du monde musulman et de la Méditerranée, N°77-78, 1995.

Eleni Kamma

Eleni Kamma

Eleni Kamma’s project Oh For Some Amusement! is supported by the Mondriaan Fund, NiMAC (Nicosia Municipal Arts Center), PiST/// Istanbul and the Theater aan het Vrijthof, Maastricht.

Emilio Lopez-Menchero, Silver Bliss #2, portrait of a city, Argos, Bruxelles

Emilio Lopez Menchero

Emilio Lopez Menchero

Emilio Lopez-Menchero participe à l’exposition « Silver Bliss #2, portrait of a city », produite par Argos. L’occasion de découvrir ou de redécouvrir les archives filmiques et photographiques du Check-point Charlie, récemment montrées à la galerie
Plus d’informations à ce sujet sur le site de la galerie

Portrait of a City is in keeping with Argos’ aspiration to be a forum that strengthens the critical stance of artists. At this exhibition, Brussels features as metaphor for the metropolis and simply as… itself.

As an art centre, it is not our intention to engage in a polemic about Brussels—indeed, quite the contrary is true. Portrait of a City is an exhibition that seeks to add arguments to the debate, without committing itself to a standpoint pro or contra.

Mara Montoya, Sarah Vanagt and Alexandra Dementieva look with contemporary eyes at the historical city of Brussels. They interpret traces from the past and lend them new meaning. Marie-Françoise Plissart films Brussels from the air—an elevated position that enables her to create a framework in which she fits the complexity of the urban fabric. Emilio Lopez-Menchero and Bernard Mulliez are more activist-minded. Their videos record their performances in which they engage in a direct dialogue with the reality of the city and its inhabitants. Justin Bennet, Mia Sanders, Angel Vergara, Jan Vromman and Ivo Provoost & Simona Denicolai use the city as a scenery and try to create dream worlds. Their unique portraits enable us to see the given space—Brussels—with different eyes.

For this exhibition, we also work together with Franky D.C., who for some two decades has consistently photographed the city; furthermore, we also show a number of works from the collection of the FRAC Nord-Pas de Calais in Dunkirk.

dim. 14.9.2014 – dim. 26.10.2014
11:00 – 18:00
Location: Argos
Werfstraat 13 rue du Chantier
1000 Brussels
info@argosarts.org
+32 2 229 00 03
Opening hours:
Wednesday to Sunday, 11:00 to 18:00

Eleni Kamma, Valérie Sonnier, Jeroen Van Bergen, vernissages le samedi 13 septembre

La galerie Nadja Vilenne a le plaisir de vous inviter aux vernissages des expositions d’Eleni Kamma, Valérie Sonnier et Jeroen Van Bergen, ce samedi 13 septembre dès 18h. Ces expositions seront accessibles du 14 septembre au 18 octobre 2014

ELENI KAMMA
YAR BANA BIR EGLENCE (OH, FOR SOME AMUSEMENT!)

eleni Kamma

VALERIE SONNIER
FAIRE LE PHOTOGRAPHE, II.

Valérie Sonnier

JEROEN VAN BERGEN
T.C.003 K

Jeroen Van Bergen

 

 

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Eleni Kamma’s project Oh For Some Amusement! is supported by the Mondriaan Fund, NiMAC (Nicosia Municipal Arts Center), PiST/// Istanbul and the Theater aan het Vrijthof, Maastricht.

 

 

Emilio Lopez-Menchero, Trying to be Fernand Léger

Emilio Lopez Menchero

Emilio Lopez Menchero, Trying to be Fernand Léger, 2014

A l’occasion de l’exposition Fernand Léger, mémoires et couleurs contemporaines, organisée à l’Orangerie de Bastogne, Bernard Marcelis, commissaire de l’exposition a invité Emilio Lopez-Menchero à camper la figure de l’artiste français.
Cette exposition s’inscrit dans le fil des commémorations de la Grande Guerre. Le fait est méconnu : Fernand Léger est l’auteur de trois mosaïques installée dans la crypte du Mémorial du Mardasson à Bastogne. L’architecte Georges Dedoyard sollicite en effet Léger pour participer à la décoration de la crypte du mémorial élevé en mémoire des GIs disparus au cours de la bataille du Saillant, contre l’offensive allemande en 1944. Dans une visée œcuménique, les trois mosaïques que le peintre fait exécuter d’après ses maquettes représentent les trois cultes, juif, protestant et catholique. Chaque mosaïque contient dans un médaillon central le symbole de son culte, le chandelier, la bible et une croix entourés de formes abstraites très colorées. Les personnages féminins, exécutés en noir et blanc de part et d’autre des compositions, portent leur regard vers le ciel. Les mosaïques autour des trois autels destinés au recueillement et à la prière illuminent la crypte de couleurs vives et transforment l’atmosphère confinée des chapelles en un lieu apaisant. Le Mardasson fut inauguré le 16 juillet 1950.

Afin d’incarner l’artiste qui tout comme lui a troqué le tire-ligne de l’architecte pour les pinceaux du peintre, Emilio Lopez-Menchero s’est plongé dans les archives iconographiques recherchant la physionomie du peintre à l’époque de la construction du Mardasson. Il a jeté son dévolu sur un cliché pris en 1950 par Ida Kar, photographe russe d’origine arménienne qui vécut à Paris er à Londres. On lui connaît de très nombreux portraits d’artistes et d’écrivains parmi lesquels Henri Moore, Georges Braque, Gino Severini, Bridget Riley, Iris Murdoch ou Jean Paul Sartre. Casquette vissée sur la tête, moustache poivre et sel, Emilio Lopez Menchero fixe l’objectif, assis à califourchon sur une chaise, le coude appuyés sur le dossier, une pose qu’appréciait Fernand Léger. Reinhart Wolff ou Christer Strömholm le photographièrent dans la même attitude. Une fois encore, comme dans bon nombre de ses Trying to be, c’est le regard de Fernand Léger qu’Emilio Lopez Menhero cherche à capter, un regard que le peintre français avait empli de curiosité pour toutes les formes de la modernité.

Le communiqué de presse de l’Orangerie :

Alors que la ville de Bastogne s’apprête à commémorer le septantième anniversaire de la Bataille des Ardennes, il nous a semblé important de nous associer à ce travail de mémoire, en remettant en valeur la crypte du Mardasson et ses trois magnifiques mosaïques de Fernand Léger. Il s’agit d’un ensemble artistique exceptionnel, réalisé du vivant de l’artiste, le seul en Belgique et un des rares en Europe. Il est cependant méconnu par la majorité du public et même des amateurs d’art. Sa revalorisation vient combler un vide et inscrire Bastogne sur la carte d’un patrimoine artistique européen à découvrir.

A L’Orangerie, huit artistes contemporains ont été invités à entamer un dialogue en relation avec le triptyque de Fernand Léger. Autour de la double thématique de la mémoire et de la couleur, on y rencontrera des pratiques aussi variées que la peinture, la sculpture, la photographie et l’installation. Bernard Marcelis, commissaire.

Renaud Auguste-Dormeuil et sa série d’images « A Day Before » ou la Voie lactée enregistrée à la veille des grands conflits,
Pascal Convert et sa sculpture « Souche de Verdun vitrifiée »,
Emilio Lopez-Menchero, pour une évocation de la figure de Fernand Léger au travers de l’autoportrait,
Didier Mencoboni, avec une projet conçu pour l’Orangerie,
Bart Michiels, avec ses photos actuelles des sites de champs de Bataille, dont Bastogne,
Claude Rutault, avec ses peintures monochromes délimitant un nouvel espace pictural,
Cédric Teisseire, avec ses Points d’impact, peintures recto -verso sur des plaques de métal,
Angel Vergara, avec ses peintures sur verre à base d’archive.

L’Orangerie, espace d’art contemporain asbl
Parc Elisabeth
Rue Porte Haute
B-6600 Bastogne Du 13 septembre au 30 novembre 20144
les mercredi, vendredi, samedi et dimanche de 14 à 18h

Eleni Kamma, Valérie Sonnier, Jeroen Van Bergen, note pour trois expositions

1.

Le titre de cette nouvelle exposition de Valérie Sonnier, « Faire le photographe, II » – et par la même occasion de cette nouvelle série de dessins – fait à la fois appel au jeu et à la répétition de celui-ci. Au jeu, car faire le photographe, c’est un peu comme jouer au docteur. A la répétition du jeu, car le titre de cette exposition induit qu’il y eut un premier épisode. N’est-ce pas là d’ailleurs l’essence du jeu ? « Nous savons que pour l’enfant, la répétition est l’âme du jeu, écrivait Walter Benjamin (1) ; que rien ne fait davantage son bonheur que cet « encore une fois ». Le jeu, dès lors ne serait pas uniquement un « faire comme-ci », c’est aussi « un faire sans cesse ». Se référant à la notion freudienne de « l’au-delà du principe du plaisir », Benjamin précise : « L’obscure pulsion de répétition est à l’œuvre ici dans le jeu, à peine moins puissante, à peine moins rusée que l’instinct sexuel en amour. L’adulte soulage son cœur de ses frayeurs, jouit doublement d’un bonheur en le racontant. Et l’enfant se crée toute l’affaire à nouveau, recommence depuis le début encore une fois ».

Ces propos de Walter Benjamin résonnent singulièrement lorsqu’on considère les dessins de Valérie Sonnier. « Faire le photographe » est un ensemble de dessins tracés sur des pages de cahiers d’écolier, lignés ou quadrillés, un étrange et inquiétant ballet érotique entre une poupée, un squelette – marionnette à fils, un petit camion rouge et un pistolet à eau. A l’occasion de leur monstration, il n’était pas encore question d’un deuxième chapitre. Oui mais voilà, recommencer, c’est là, pour Valérie Sonnier, comme une nécessité. Elle a repris ces dessins. Et cette fois, au « faire comme si et même encore une fois » s’ajoute une notion d’échelle : celle de « faire en grand ». La monumentalité de ces dessins, la démesure dès lors de cette poupée d’antan et de cette marionnette mimant l’amour et la mort, accentuent encore la puissance de cette collision entre aube et crépuscule, au fil d’un sombre lien tissé entre la sexualité et la mort.

Professeur de dessin et de morphologie aux Beaux-arts de Paris depuis 2003, Valérie Sonnier jette des passerelles d’un médium à l’autre. Dessins, peintures, photographies et films Super 8 tissent des liens entre souvenirs intimes et mémoire collective de l’enfance. En Belgique, on a récemment vu ses œuvres à la Centrale for Contemporary Art à Bruxelles. Elle exposera en solo à Istanbul, dans le cadre de la foire Art International Istanbul, à la fin du mois de septembre.

2.
Mesure et démesure, maquettes en leurs boîtes d’origine à l’échelle du jeu d’enfant, répétition d’une expérience primitive, celle de la cella originelle, du plus petit espace habitable : Jeroen Van Bergen renoue lui aussi avec l’expérience du jeu, déclinant sans cesse un même principe constructeur. Sa « composition de tours en carrefour 003 » est sans doute son œuvre la plus monumentale et l’une des plus lilliputienne de toute sa production. Depuis une bonne dizaine d’années, Jeroen Van Bergen construit à toutes échelles des architectures dont le module de base est à la taille standard des toilettes au Pays Bas. Non sans humour, il applique cette standardisation de l’unité la plus petite habitable à toutes sortes de programmes. Que nous disent donc de l’architecture ces compositions de masse dès le moment où il assigne à son module habitable toutes notions exponentielles ? C’est bien sûr, en ce cas précis, de l’Empire State building à la Burj Khalifa, en passant par les tours Petronas ou la Willis Tower, le fantasme du gratte-ciel qui chatouille l’artiste. A l’échelle 1/100, son œuvre culmine à plus de 400 mètres de haut, en réalité à plus de quatre mètres, tandis que son module n’aura jamais été aussi lilliputien, nous renvoyant dès lors à un monde, si vaste et si complexe soit-il, où nous n’échappons pas à notre identité minuscule. Bart Verschaffel (2) faisait récemment remarquer qu’il n’y avait point (encore) de monuments aux morts dans les programmatiques architecturales Jeroen Van Bergen, mais que ce plus petit module habitable pourrait bien également servir de mausolée personnel. Les caisses de stockage de ces quatre tours, caisses de rangement de ce jeu de construction, installées dans l’espace en contrepoint de la maquette, comme son équivalent dynamique, pourraient bien être aussi de monumentaux catafalques d’un mythe des origines.

Basé à Maastricht, Jeroen Van Bergen sera l’hôte de la Province du Limbourg hollandais dès octobre. Il y présentera un ensemble de maquettes revisitant la Karl-Marx Allee berlinoise. Une plongée dans l’idéologie. Il expose également actuellement à Amsterdam, à la Cityscapes Gallery.

3.
Avec Eleni Kamma, sur un tout autre registre, il sera également question de monument, et même de monument aux morts, tout comme de jeu et de marionnettes. En résidence à Istanbul, Eleni Kamma s’est intéressée à la destruction du Monument commémoratif d’Ayastefanos, un monument ossuaire érigé à la gloire du soldat russe vainqueur de l’empire Ottoman, détruit, dans un climat nationaliste porté à son comble, dès les premiers jours du premier conflit mondial en 1914. Plus précisément, elle s’est proposée d’évoquer le film qui a été réalisé à cette occasion, film aujourd’hui disparu, fondateur du cinéma national turc. Ainsi, a-t-elle commandité un remake de celui-ci, confiant cette mission à un hayalî, un marionnettiste du Karagöz, ce traditionnel théâtre d’ombres dont le nom provient de celui de l’un de ses deux principaux personnages, Karagöz et Hacivat, théâtre d’ombres qui toujours exprime ce que ses spectateurs eux-mêmes n’osent dire de leur préoccupations morales, sociales et politiques. Les images du Karagöz sont projetées sur un écran de mousseline blanche que l’on nomme ayna, ce qui veut dire miroir. Dans l’esprit de ce dispositif miroitique, Eleni Kamma a conçu son installation vidéo comme une double projection. Ce jeu de miroir dépasse de loin le rappel d’un épisode historique. Entre réel et imaginaire, les jeux d’ombres et de lumière qu’elles révèlent entre film perdu, sources archivistiques, traditions populaires, satire sociale, contradictions et histoire politique activent la mémoire. Les images d’un théâtre d’ombre nous projettent dans le réel, celui, aujourd’hui d’une banlieue d’Istanbul, celui du monde aussi ; car on ne peut que penser aux actuelles contestations, au danger de l’actuelle montée en puissance des nationalismes, aux tentations d’expansions territoriales, à la situations des minorités, au choc des cultures ou aux conflits religieux.

De nationalité grecque, Eleni Kamma vit et travaille à Maastricht et Bruxelles. Elle participe actuellement à une exposition collective à Chypre dont elle est originaire et sera en résidence à Liège, cet automne, au RAVI, où elle projette de poursuivre les recherches entamées à Istanbul. En octobre, elle exposera quelques œuvres connexes au travail actuel à la Kunstraum de Düsseldorf.

(1), Walter Benjamin, Enfance, Eloge de la poupée et autres essais, réédition 2011
(2), Bart Verschaffel, the box: the beginning of architecture according to Jeroen van Bergen, Bonnefantenmuseum Maastricht, 2011

Jacques Lizène, D’j Verboten, La Plaque tournante, Berlin

A Berlin, Jacques Lizène participe à l’exposition « D’J Verboten »,  « an exhibition of 250 creative records (vinyls, cds), tapes, usbs and hybrid sound books from 100 artists, sound poets and composers ». Cette exposition sonore, audition sur demande, est organisée par Frédéric Acquaviva, fondateur de La Plaque Tournante, un lieu dédié aux musiques d’avant-garde.  De Jacques Lizène, on entendra : « Le minable music-hall et le chanteur en-dessous de tout – LIZÈNE 1970-1981 remake 2000 ».  La liste des oeuvres et des artistes proposés est tout simplement impressionnante :

Frédéric Acquaviva, Pierre Albert-Birot, Altagor, Louis Andriessen, Georges Aperghis, Pierre-André Arcand, Robert Ashley, Ana-Maria Avram, Cathy Berberian, Luciano Berio, Lars-Gunnar Bodin, Jean-Louis Brau, Broutin, Earle Brown, Etienne Brunet, Camille Bryen, William Burroughs, Sylvano Bussotti, John Cage, Cornelius Cardew, Henri Chopin, Bob Cobbing, Philip Corner, Jean-Paul Curtay, Salvador Dali, Guy Debord, Jean Dubuffet, Marcel Duchamp, Denis Dufour, François Dufrêne, Iancu Dumitrescu, Jean-Claude Eloy, Valie Export, Öyvind Fahlström, Jean-Baptiste Favory, Morton Feldman, Luc Ferrari, Dan Fröberg, Pierre Garnier, Ilse Garnier, Paul-Armand Gette, John Giorno, Pierre Guyotat, Brion Gysin, Raymond Hains, Sten Hanson, Raoul Hausmann, Bernard Heidsieck, Hans G. Helms, Pierre Henry, Åke Hodell, Helmut Oehring, Joël Hubaut, Dorothy Iannone, Isidore Isou, Charles Ives, Tom Johnson, Bengt Emil Johnson, Mauricio Kagel, Yves Klein, Richard Kostelanetz, Maurice Lemaître, Lieutenant Caramel, György Ligeti, Loré Lixenberg, Jacques Lizène, Ingvar Loco Nordin, Arrigo Lora-Totino, Gherasim Luca, Alvin Lucier, George Maciunas, Jean Mahtab, Claude Maillard, Ivo Malec, Christian Marclay, Enzo Minarelli, Alex Mincek, Laszlo Moholy-Nagy, Franz Mon, Otto Muehl, Conlon Nancarrow, Phill Niblock, Hermann Nitsch, Christoph Ogiermann, Pauline Oliveros, F.J. Ossang, Nam June Paik, Jean-Luc Parant, Titi Parant, Harry Partch, Tristan Perich, Gabriel Pomerand, P.P. Porro, Ezra Pound, François Poyet, Charles Ravier, Jacques Rebotier, Steve Reich, Gerhard Rühm, Erik Satie, Roland Sabatier, Giacinto Scelsi, Janek Schaefer, Pierre Schaeffer, Dieter Schnebel, Nicolas Schöffer, Arnold Schönberg, Kurt Schwitters, Michel Seuphor, Jacques Spacagna, Stelarc, Karlheinz Stockhausen, James Tenney, Edgar Varèse, Peter Weibel, Emmett Williams, Trevor Wishart, Ivan Wyschnegradsky, Gil J Wolman, Iannis Xenakis, La Monte Young, Bernd Aloïs Zimmerman.

La Plaque Tournante Sonnenallee 99 12045 Berlin, jusqu’au 6 octobre.

 

Emilio Lopez-Menchero, Re-Art, Oud Klooster, Oudenaarde

A Oudenaarde, Emilio Lopez-Menchero montre une vidéo digne d’une agence de communication spécialisée en films d’entreprises. Sa caméra visite bureaux paysagers, ateliers, laboratoires et lieux de stockage de diverses firmes et enseignes de la région. Les images sont lisses et éloquentes, les plans sont larges et ouverts, les ouvriers et employés sont actifs et concentrés ; aucun comité d’hygiène ne trouvera quoi que ce soit à redire de ces divers lieux de travail. Tout cela respire un entreprenariat dynamique et bien mené, un management efficace, une bonne santé économique. D’ailleurs, ces quelques entreprises visitées, ainsi que d’autres, s’associent pour l’occasion à un projet culturel à connotation sociale : cette exposition organisée dans l’ancien cloître d’Oudenaarde, doublée d’une vente au enchères en faveur d’un lieu de ressourcement pour jeunes rencontrant des difficultés. La vente aux enchères sera bien évidemment gérée par une maison de renom. Le thème de cette exposition, confiée à Jan Hoet Junior, s’inscrit lui aussi dans l’air du temps : les artistes participants ont été invités à réfléchir à la problématique très actuelle des déchets. Ainsi, la bonne conscience sera complète et partagée.

La bande son du film réalisé par Emilio Lopez-Menchero est singulière. Une voix off égraine sur un ton monocorde des prénoms, des âges et des professions. Très vite, on se rend compte que cette longue et lente énumération ne correspond pas aux images filmées, que les personnes évoquées ne sont pas celles qui apparaissent à l’écran. Puisqu’il s’agissait d’aborder la notion de déchet, Emilio Lopez-Menchero a eu le culot de demander à ces entreprises de lui fournir la liste des employés et ouvriers licenciés ces dernières années. Certaines ont accepté. C’est la mémoire de ces travailleurs licenciés que le film évoque et celui-ci s’appelle « Déchets »

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Emilio Lopez-Menchero
Déchets, 2014
Vidéo HD, son, couleurs, 13 min 23

Le communiqué de presse :

KUNSTVEILING:

Donderdag 25 september ’14 veiling onder leiding van Sotheby’s:
te bezoeken vanaf 19 u
start veiling om 21 u

RE ART bezoeken?

op zondag 31 augustus,
zondag 7 september,
zondag 14 september,
zondag 21 september
telkens van 14 tot 18 uur
of op afspraak.

RE ART: Samenwerking ONDERNEMERSCHAP DOOR DE OGEN VAN DE HEDENDAAGSE KUNST

RE ART is een kunstproject waarbij kunstenaars hun artistiek vermogen in dialoog laten gaan met dynamische groeibedrijven. Jan Hoet Jr is de curator die de resulterende tentoonstelling in het prachtige Oud Klooster van Oudenaarde organiseert. 25 september organiseert Sotheby’s een veiling waarbij de opbrengst naar het goede doel gaat.

Re-Art is een uit de hand gelopen idee van een aantal door hedendaagse kunst gefascineerde ondernemers. Zij willen het verhaal horen van sterke kunstenaars die vrije toegang krijgen tot bedrijven.

Samenwerkingen tussen het bedrijfsleven en hedendaagse kunst zijn zeldzaam. Vaak té commercieel van insteek, missen ze de ingrediënten om tot sterke kunst te komen. Een gemiste kans voor de kunstenaars, de bedrijven, en zelfs de maatschappij.

De deelnemende kunstenaars vertegenwoordigen zowel opkomend als reeds gevestigd talent van de Belgische, hedendaagse kunst scène. De bedrijven zijn dynamische ondernemingen actief in de meest diverse sectoren.

De opbrengst van Re-Art gaat naar het Time Out project De Kruiskenshoeve te Sint-Laureins. Onder begeleiding van Robert Accou kunnen jongeren met moeilijkheden tot rust komen, en op een gezonde en actieve manier opnieuw werken aan een hoopvolle toekomst.

Jacques Lizène, dans la baignoire du Charafi de Ben Vautier à Nice

Ben Vautier fait son Charafi à la Menuiserie, à Nice, dès ce 6 septembre et, parmi ses nombreux invités, convie Jacques Lizène à y participer. Plus précisément il écrit à Lizène :

Cher Lizène, (…) Je fais quelque chose le 6 septembre à Nice. Si tu as envie de participer dis nous ce qu’on peut faire sur une estrade de 2m40 x 2m40 ou envoie moi un DVD à mettre en marche dans une télé posée dans une baignoire. Avec mon amitié. BEN

Jacques Lizène a choisit la deuxième proposition et envoie donc une vidéo à mettre en marche sur une télé posée dans une baignoire. Une suite de croisements de poissons et animaux marins, à placer au fond de la baignoire, avec chant de baleine pour fond sonore. La projection dure une minute, en boucle. Hop ! encore une oeuvre de faite.

Jacques Lizène
Art syncrétique 1964, petits dessins médiocres façon 1964-66, oeuvre pour téléviseur et baignoire, en remake, 2011-2014. Vidéo HD, couleurs, son, 1 min 04.

A la Menuiserie, 116 bd de la madeleine NICE. Du 6 septembre au 6 novembre.

Et qu’en-ce qu’un Charafi ?
Ben Vautier précise :
le charafi cest de la liberté
la liberté ne pas suivre les règles de lart
la liberté de chanter le blues de la Madeleine
la liberté de ne pas avoir peur dêtre soi même
la liberté de ramasser un objet de peu de valeur bon à jeter
la liberté dire ok je men fous jaime ça
la liberté de se poser toutes les questions
la liberté de regarder le temps passer
venez donc tous participer et apporter un charafi à ajouter
au tas charafi de Ben