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Charlotte Lagro, The Day the Clown Cried, press release

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

The Day the Clown Cried, a diptych by Charlotte Lagro

Loop Barelona“Jerry Lewis’ The Day the Clown Cried, writes Jean-Michel Frodon 1, is a dream movie, a nightmare movie to be more precise. It tells the story of a German clown, Helmut Doork, played by Jerry Lewis, who ends up accompanying Jewish children into a gas chamber at Auschwitz. It is a movie that is all about laughter, continues Frodon, what it is to make people laugh, to be funny, to be professionally funny: a subject which Joseph Levitch, better known as Jerry Lewis, was quite familiar with in 1971 when he embarked upon this project, after a more than 30 year-long career as a stand-up comedian, actor and comic director.”

The Day the Clown Cried indeed occupies a unique place in the filmography of the Holocaust. Going beyond the initial concept of screenwriters Joan O’Brien and Charles Denton, who initially wanted to write a film about the Holocaust with a clown as main character, Jerry Lewis wanted to turn this film into a “paradoxical meditation on comedy, spectacle … and himself.”
Helmut, played by Lewis, is a German clown, a total disgrace of a man, who is fired from the circus he works for. During a night of heavy drinking, not for any ideological reasons but out of spite, he spits on a portrait of Hitler, for which he is sent to a political prison camp. Helmut, whose desire to make people laugh at every opportunity has always been irrepressible, wallows in his shamed dignity and contemptuously refuses to entertain his fellow prisoners. Before long, however, he accepts to perform – at the request of SS officers and mainly because he thinks he can gain personal advantage – for Jewish children held in the neighbouring camp. The avowed aim is to keep them quiet until they suffer the fate to which they are destined. “Helmut , writes Frolon, becomes their guardian and even their shepherd, a shepherd who will accompany his flock into death. At the last moment he decides to stay with the children and enters the gas chamber with them, leading them like the Pied Piper of Hamelin, with the essential difference that he choses to die with them.”
Jerry Lewis wanted to make a film about the “possible manipulation of laughter, or more broadly of the spectacle, by any power – not only by those who rule by terror.” However, for a variety of reasons, the film was never made: there are many disagreements between the producer, writers and Lewis himself, the project runs into budgetary difficulties, and the film rolls are seized by creditors. All the while, a hostile campaign is conducted against film, even before its release in the United States.
The real and fundamental reasons are obviously different, believes Frolon: “The Day the Clown Cried” does not conform to what is considered to be a “Holocaust movie”, namely both serious and sentimental, nor to what we consider to be a Jerry Lewis movie, a funny movie. A dissonant tone that would probably have been its ultimate strength.

Since 2013, an excerpt from a television programme has been circulating about the film and the filming in Paris of the first scenes of the scenario (in which have participated several French actors, performing for free in tribute to the great comic, including Pierre Etaix in the role of the new star clown who supplants Helmut). These images, now posted on the Internet, have stirred Charlotte Lagro’s imagination; they will become the basis for a project which the videographer has given the same title of Jerry Lewis’ unfinished film, a film, or rather a diptych, that evokes, through three generations, all the power of the performing arts in the face of the barbaric legacy of the Holocaust, in the face of the unspeakable.
As such, Charlotte Lagro proposes the mime Dönci Bánki, choreographer and director of Hungarian and Jewish origin, to film him at the Auschwitz-Birkenau concentration camp in Poland. In this way, she organizes the return of the clown in Auschwitz and he, solitary, without any witnesses in or around the camp. Here, he will dance, like an ephemeral black shadow in the white snow, or evoke through his contortions the relentless mechanics of bodies. Outside by day, his gestures dialogue with the birch trees along the camp, the Birkenwald, the birch forest that gave Birkenau its name. “The term refers to the meadow where the birch trees grow, so it is a word for a place as such, writes Georges Didi-Huberman. But it could also be – already – a word for pain itself (…) The exclamation au!, in German, corresponds with the spontaneous expression of pain.” Dönci Bánki dances among the trees and – again, I quote Georges Didi-Huberman –, “these tree trunks are already like the bars of a vast prison, or rather like the wire mesh of a harrowing trap » 2.
Dönci Bánki’s performance is like a marriage of shadows. Indoors by night, it is transformed in mechanical and painful, burlesque contortions. Sporting a bowl that functions as a helmet, but also as a mask, he wanders amongst the demons that accompany him, his movements are those of the inarticulate and fatal, he is mechanical and primal, a puppet of the theatrum mundi, both executioner and victim. In this way, grotesquely helmeted or masked, Dönci Bánki revives the spirit of the Dada performance, which we can imagine being witnessed in Zurich while the din of the world and the First World War already rumbles in the background.
To these performative fragments, the alternating day and night, Charlotte Lagro adds very little. Two or three shots suffice to identify the location, the railway tracks that lead to death – Dönci Bánki dances in between them as if it were an ultimate conjuration – the entry gate of the camp, barracks looming in the night. Two or three others are additional shots derived from the Jerry Lewis film.
A makeup scene, a close-up of the face of the clown, a few gestures from a performance, a classic in the genre, the clown trying to light a cigarette in the flame of a candle that goes out whenever he comes close. I think of these words spoken by Reverend Keltner, the cellmate of Helmut the clown:
“When terror reigns, a burst of laughter is the scariest sound of all”. 3
This film by Charlotte Lagro could stand on its own. The videographer, however, decided to make it the first part of a diptych. At Auschwitz, she filmed during winter, in Liege, in Belgium, she will film in summer, on the occasion of a residence in an art centre in the Meuse city. She films carefree children playing, strollers who walk at the foot of the hills. And most of all, she films Elise and Clementine, two girls who play Ukulele, who sing, alone or together, that the Lion is dead tonight, the song by Henri Salvador, with its gazelle and its deep jungle, and other children’s songs as well.
The two girls appear on a terrace, a gazebo, with a panoramic view of the city. Below, there is a railway, passing trains; the rumbling sometimes drowns out their melodies. They are on the hillside and above them there is the Citadel of Liege, with its execution yard, its Block 24 where under the occupation members of the resistance and patriots were locked up before their execution or deportation to the death camps, and where in turn the occupants, the unpatriotic and collaborators were detained during the liberation in September 1944. Both films mirror, complement, confront each other. Charlotte Lagro chose simultaneity over succession. The gaze, then, glides from one screen to another, from winter to summer, from day to night, from the railway of death to the one of life, from the performance of Dönci Bánki to that of Elise and her girlfriend Clementine, from the Auschwitz birch trees to the hills of Liège, from horrible silence to the carefree children’s voices, from one time to another, lead us into the present. Projected in a loop, the two films do not run synchronously.
In this way, the succession of loops multiplies the gliding gazes, while the soundtracks interact continuously; the composition by Jos Neto supports the performance by Dönci Bánki, the children’s songs and the rolling trains.

Elise and Clementine are old enough to go see clowns. In Liège, the circus stops regularly on the public square, close to their terrace and the hillsides of the Citadel. During her residency, Charlotte Lagro discovered in the archives a photo taken during the Liberation, the haggard faces of German prisoners and Gestapo detained at the Citadel. She has given enlargements of this picture to Elise, Clementine and a few of their girlfriends. And they have transformed them, disguised them with their colour crayons. In clowns under rainbows.

1 Jean-Michel Frodon, Le jour de Jerry et la nuit, in Traffic n°92, February 2014
2 Georges Didi-Huberman, Ecorces, Les Editions de Minuit, 2011
3 the scenario of the Jerry Lewis film is available at:
http://www.dailyscript.com/scripts/the_day_the_clown_cried.html

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Loop Fair Barcelona 2016, Charlotte Lagro, The Day the Clown Cried, une introduction

Charlotte Lagro,
The Day the Clown Cried, 2015
Double channel, loop, HD video, colour, sound.10 min 40 s

THE DAY THE CLOWN CRIED, UN DIPTYQUE DE CHARLOTTE LAGRO

« The Day the Clown Cried de Jerry Lewis, écrit Jean-Michel Frodon1, est un film songe, un film cauchemar pour être plus précis. Il conte l’histoire d’un clown allemand, Helmut Doork, interprété par Jerry Lewis, qui finit par accompagner des enfants juifs dans une chambre à gaz à Auschwitz. C’est un film dont l’enjeu est le rire, continue Frodon, ce que c’est que faire rire, être drôle, faire profession d’être drôle: un sujet sur lequel Joseph Levitch, mieux connu sous le nom de Jerry Lewis, possédait quelques connaissances en 1971 quand il s’est lancé dans ce projet, après plus de 30 ans de carrière comme stand-up comedian, acteur et réalisateur comique. »

The Day the Clown Cried occupe, en effet, une place singulière dans la filmographie qui concerne l’Holocauste. Dépassant le propos des scénaristes Joan O’Brien et Charles Denton, qui se proposaient d’écrire un film sur la Shoah avec un clown comme personnage principal, Jerry Lewis a voulu faire de ce film une « méditation paradoxale sur la comédie, le spectacle… et sur lui-même ». Helmut qu’incarne Lewis est un clown allemand, en totale disgrâce, viré du cirque qui l’emploie. Un soir de beuverie, bien loin de toutes raisons idéologiques, de dépit, il crache sur un portrait d’Hitler, raison pour laquelle on l’enferme dans un camp de prisonniers politiques. Helmut dont pourtant le désir de faire rire en toute occasion a toujours été irrépressible, s’y drape dans une dignité déchue et refuse avec mépris de divertir ses compagnons de détention, avant d’accepter, parce qu’il pense pouvoir en tirer un bénéfice personnel, de se produire à la demande des officiers SS, pour les enfants juifs parqués dans le camp voisin. Le but avoué est de tenir ceux-ci tranquilles jusqu’à ce qu’ils subissent le destin fatal auquel ils sont promis. « Helmut, écrit Frolon, devient ainsi leur gardien et même leur berger, un berger qui va accompagner son troupeau jusqu’à la mort. Au dernier moment, il décide de rester avec les enfants et d’entrer avec eux dans la chambre à gaz, les conduisant tel le joueur de flûte de Hamelin, mais avec cette différence essentielle qu’il choisit de mourir avec eux. »

Jerry Lewis voulait faire un film sur « l’instrumentalisation possible du rire, ou plus largement du spectacle par n’importe quel pouvoir, pas seulement par ceux qui règnent par la terreur ». Pour de multiples raisons, le film toutefois n’existera jamais : les désaccords entre producteur, scénaristes et Lewis lui-même sont nombreux, le projet rencontre des difficultés budgétaires, la pellicule est saisie par les créanciers, tandis qu’est menée une campagne hostile au film, avant même sa sortie aux Etats Unis. Les véritables et fondamentales raisons sont évidemment ailleurs, estime Frolon : « Le jour où le clown pleura » ne répond ni à ce qu’on considère que doit être un « Holocaust movie », sérieux et sentimental à la fois, ni à ce qu’on considère que doit être un film de Jerry Lewis, un film drôle. Une tonalité dissonante qui sans doute en aurait fait toute sa force.

Depuis 2013 circule un extrait d’une émission de télévision consacrée au film et au tournage à Paris des scènes du début du scénario (auxquelles ont participé plusieurs acteurs français, gratuitement en hommage au grand comique, notamment Pierre Etaix dans le rôle du nouveau clown vedette ayant supplanté Helmut). Ces images, aujourd’hui diffusées sur internet ont frappé l’imaginaire de Charlotte Lagro ; elles seront à la base d’un projet auquel la vidéaste donne le titre même du film inachevé de Jerry Lewis, un film, ou plutôt un diptyque évoquant, au travers de trois générations, toute la force des arts performatifs face à l’héritage barbare de l’Holocauste, face à l’innommable. Charlotte Lagro propose dès lors au mime Dönci Bánki, chorégraphe et metteur en scène d’origine hongroise et juive, de le filmer sur les lieux même du camp de concentration d’Auschwitz-Birkenau en Pologne. Ainsi organise-t-elle le retour du clown à Auschwitz et celui-ci, solitaire, sans témoin dans l’enceinte du camp ou à ses abords, tantôt y danse, aérienne ombre noire dans la neige blanche, tantôt évoque par ses contorsions une implacable mécanique des corps. En extérieur jour, sa geste dialogue avec les arbres des bois de bouleaux qui jouxtent le camp, le Birkenwald, le bois de bouleaux qui donna son nom à Birkenau. « La terminaison au désigne exactement la prairie où poussent les bouleaux, c’est donc un mot pour un lieu en tant que tel, écrit Georges Didi-Huberman. Mais ce serait aussi –déjà – un mot pour la douleur elle-même (…) L’exclamation au!, en allemand, correspond au marquage le plus spontané de la douleur ». Dönci Bánki danse parmi les arbres et, – je cite encore Georges Didi-Huberman -, « ces troncs d’arbres sont déjà comme les barreaux d’une immense prison, où plutôt comme les mailles d’un piège obsidional »2. La performance de Dönci Bánki agit comme épousailles des ombres. En intérieur nuit, elle se transforme en burlesques contorsions mécaniques et douloureuses. Coiffé d’un récipient qui lui tient de casque, mais aussi de masque, il erre parmi les démons qui l’accompagnent, ses mouvements sont ceux de l’inarticulé et du fatal, il est mécanique et primal, marionnette du theatrum mundi, bourreau et victime à la fois. Ainsi grotesquement casqué ou masqué Dönci Bánki renoue avec l’esprit de la performance Dada, telle qu’on l’imagine vécue à Zurich alors que gronde déjà le fracas du monde et du premier conflit mondial.

A ces fragments performatifs, alternance des jours et des nuits, Charlotte Lagro n’ajoute que peu de choses. Deux ou trois plans suffisent à identifier les lieux, les voies de chemin de fer qui mènent à la mort – Dönci Bánki danse entre elles comme s’il s’agissait d’une ultime conjuration – , la grille d’entrée du camp, un baraquement surgissant dans la nuit. Deux ou trois autres sont des plans additionnels qui proviennent du film de Jerry Lewis lui-même. Une scène de maquillage, un gros plan sur le visage du clown, quelques gestes de performance, un classique du genre, le clown tentant d’allumer un cigarette à la flamme d’une bougie qui s’éteint à chaque fois qu’il s’en approche. Je repense à ces paroles prononcées par le révérend Keltner, compagnon de cellule d’Helmut le clown : « Quand la terreur règne, un éclat de rire est le plus effrayant de tous les sons ».3

Ce film de Charlotte Lagro aurait pu fonctionner seul. La vidéaste a pourtant décidé d’en faire le premier volet d’un diptyque. A Auschwitz, elle a filmé durant l’hiver, à Liège, en Belgique, elle tournera durant l’été, à l’occasion d’une résidence dans un centre d’art de la cité mosane. Elle filme l’insouciance des enfants qui jouent, des flâneurs qui déambulent aux pieds des coteaux. Et puis surtout, elle filme Elise et Clémentine, deux fillettes qui jouent du Ukuele, qui fredonnent seules ou ensemble le Lion qui est mort ce soir d’Henri Salvador, sa gazelle et sa jungle profonde, et puis d’autres airs enfantins. Les deux fillettes se produisent sur une terrasse, un belvédère, panorama sur la ville. En contrebas, il y a une voie ferrée, des trains qui passent, dont le sourd roulement couvre parfois leurs mélodies. Elles sont à flan de coteaux et plus haut qu’elles, il y a la Citadelle de Liège, son Enclos des fusillés, son Bloc 24, là où sous l’occupation on enferma résistants et patriotes avant leur exécution ou leur déportation vers les camps de la mort, là où ce fut le tour des occupants, des inciviques et des collabos d’être internés lors de la libération en septembre 1944. Les deux films se répondent, se complètent, se confrontent. Charlotte Lagro a préféré la simultanéité à la succession. Le regard glisse dès lors d’un écran à l’autre, passe de l’hiver à l’été, du jour à la nuit, des voies de chemin de fer de la mort à celles de la vie, de la performance de Dönci Bánki à celle d’Elise et de sa copine Clémentine, des bouleaux d’Auschwitz aux coteaux de Liège, du silence atterré à l’insouciance des voix enfantines, d’un temps à un autre qui nous ramènent à notre présent. Projetés en boucle, les deux films n’ont pas un minutage identique. Ainsi se multiplient au fil des boucles les glissements de regards, ainsi interagissent en continu les bandes sonores, la composition de Jos Neto qui soutient la performance de Dönci Bánki, les chansons enfantines et le roulement des trains.

Elise et Clémentine ont l’âge d’aller voir les clowns. A Liège, le cirque s’arrête régulièrement sur l’esplanade toute proche de leur belvédère et des coteaux de la Citadelle. Lors de sa résidence, Charlotte Lagro a découvert dans les archives une photo prise à la Libération, les visages hagards de prisonniers allemands et de gestapistes internés à la Citadelle. Elle a confié des agrandissements de ce cliché à Elise, Clémentine et à quelque unes de leurs copines. Et celles-ci, les ont transformés, maquillés de leurs crayons de couleurs. En clowns sous les arcs-en-ciel.

1 Jean-Michel Frodon, Le jour de Jerry et la nuit, dans Traffic n°92, février 2014

2 Georges Didi-Huberman, Ecorces, Les Editions de Minuit, 2011

3 le scenario du film de Jerry Lewis est accessible à cette adresse : http://www.dailyscript.com/scripts/the_day_the_clown_cried.html

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Loop Fair Barcelona 2016, 02-04.06, Charlotte Lagro, The Day the Clown Cried

Loop Barelona

La galerie Nadja Vilenne aura le plaisir de vous accueillir à Loop Fair Barcelona 2016

Galerie Nadja Vilenne is pleased to welcome you at Loop Fair Barcelona 2016

CHARLOTTE LAGRO
The Day the Clown Cried

 

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro
The Day the Clown Cried, 2015
Double channel, loop, HD video, colour, sound

LOOP FAIR
Thursday, 02.06.16
Professional public: 12 pm – 9 pm
Vernissage: 7.30 pm
Friday, 03.06.16
Professional public: 12 pm – 4 pm
General public: 4 pm – 8 pm
Saturday, 04.06.16
General public: 4 pm – 8 pm

TALKS AND PANEL DISCUSSIONS
A program of talks and panel discussions aimed at professionals will take place at the fair venue. Read more about it here.

LOOP FESTIVAL
The festival takes place in many venues across the city. Check each exhibition and activity for dates and hours.

Hotel Catalonia Ramblas
C/ Pelai 28 08001 Barcelona

Since 2003, LOOP Fair has been the first in its field exclusively dedicated to the discovery, promotion and acquisition of contemporary video art works. LOOP Fair strives to re-examine traditional art fair models and methods of presentation by taking into account both the changing attitudes of viewing and interacting with art, and the particularities of moving image practices. LOOP offers a unique viewing experience by presenting each film project in a room of a hotel, thus creating a setting that both focuses on the artists’ work and facilitates the particular attention required by this medium. LOOP brings together a strong sense of community between the concomitant fields of contemporary art and cinema, while establishing an occasion to promote and discuss artists’ video and film amidst a specialized audience.

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Charlotte Lagro, Dysgeusia, Format Artspace, Copenhagen

Charlotte Lagro participe à l’exposition « Dysgeusia », une exposition collective organisée par Format Artspace à Copenhagen.
Commissaire : Annesofie Sandal
Artistes participants : Astrid Myntekær, Sophie Dupont, Ida Kvetny, Sian Kristoffersen, Christina Hamre, Heine Kjærgaard Klausen, Pernille Kapper Williams, Charlotte Lagro og Annesofie Sandal

Du 11 mars au 30 avril.

Puisque l’exposition tourne autour du concept de dysgueusie (l’altération du goût), Charlotte Lagro y projettera son film « The art-shaped hole in my heart » dont l’objet principal est ce frigo de la Skowhegan School of Painting and Sculpture, film récemment montré à la galerie.

Charlotte Lagro
Charlotte Lagro, The art-shaped hole in my heart, vidéo HD, sound, colors, 2015, 00:11:39

Invited to speak at the Skowhegan School of Painting and Sculpture in 1996, artist Gary Hill began his lecture by referring to his very arrival on the school campus, an old farmhouse situated in the heart of a vast rural area of 350 acres in Maine. ‘Well, hi, ah, he said, I don’t really know what I’m gonna do here.’ Hill then talks about his arrival the day before, at around 11 pm, he talks about Seattle, where he lives and works, about Philadelphia, where in that same year, 1996, he exhibits Withershins at the Contemporary Art Institute of the University of Pennsylvania. And about Bangor, near Skowhegan; this is probably where he landed. And he stresses the quietude of the area of Skowhegan, the break with the urban fast-pacedness. ‘It was so quiet, he said, much more quiet than I could bear.’ Quiet, yes, but that’s precisely it. In the studio where he lives, there is a refrigerator. Gary Hill even describes its contents: prepared meals, a bottle of white wine, a six-pack of Coke bottles, mineral water, cheese and even some desserts. And the noise this refrigerator makes fills the whole space, in an overbearing, obsessive manner. An agonizing struggle ensues: should the refrigerator be unplugged? Or not. Certainly, unplugging will bring about the certain return of tranquillity, in harmony with the natural setting of the place. It would even be an environmentally responsible gesture. By not unplugging it, he will obviously preserve its contents and the next day’s lunch. Unable to fall asleep, Gary Hill will finally decide to unplug the fridge: ‘I turned it off.’ Cheers from the audience.

During a residency in Skowhegan in the summer of 2015, Charlotte Lagro discovered the sound archive of the conference as well as the kitchen of one of the oldest houses in the area, the Red Farm. Rustic and timeless, there sits, in-between window, dresser and sideboard, a hefty refrigerator. Incongruous in the setting, hieratic, polished, this modern and purring storeroom will quickly become the object of her attention, to the point of becoming the main focus of her artistic concerns. During the nine weeks of residency, she will invite the artists present, invited theorists and passing guest speakers to talk about it. And they, facing the camera, will join the game, scrutinizing the refrigerator from every angle. Its graphite grey, its mahogany handles with chrome fittings, its seventies look. Is it original, was it refurbished, customized, entrusted to a bodywork craftsman to be painted? Yes, its colour is industrial, but what type of spray gun did they use? And what kind of spray can, for the finishing details? Its ‘opalescence is boring,’ says one. ‘Its smell is peculiar’ remarks another. ‘All that wood is a little crazy, its colour is amazing, aubergine but with not too much purple, says Ryan Trecartin. Theaster Gates does not beat around the bush: ‘it’s a refrigerator that simply blows you away,’ he says, before making an inventory of its contents: wine, beer, olives, peaches and whipped cream. Michelle Grabner remarks upon its haptic qualities, the perception of this singular body in the environment: that which touches, that which is touched, the imprint of the place and the fingerprints, which are surprisingly not to be found on the streamlined and polished surface of the Red Farm fridge. No one mentions the history of art. Neither the avatars of the readymade nor the appropriation or recycling into art object of many a refrigerator. So much for Bertrand Lavier, Jean Tinguely, Jimmy Durham and Jean-Michel Basquiat. No, it is this particular refrigerator that interests them all. And Neil Goldberg wonders: ‘You’re interested in how the refrigerator exists in the lives of others, but to what extent does it interest you, you personally,’ he asks the artist. At a party organized between the residents, a costume party, Charlotte Lagro appears as a cardboard refrigerator. Her answer is clear: she is fully devoted to her fridge and definitely attracts interest. Hence Jonathan Berger’s enthusiasm: this refrigerator is exceptional, it is even better than any of the artworks he has seen in the past six months. And he concludes: ‘I have this sort of art-shaped hole in my heart, and it is only filled by this.’ ‘The art-shaped hole in my heart’, that will be the title of the film.

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Officielle Paris 2015, les images (3)

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro
The Day the Clown Cried, 2015
Full HD Video. 11:41 min

« In this video a mime artist of Hungarian Jewish descent visits Auschwitz-Birkenau in Poland. A series of performances in the camp are combined with a series of performances reenacted in a theatre. Fragments of the mime artist in the camp are combined with fragments shot during the filming of a movie by American comedian Jerry Lewis from 1972. The title of the movie is ‚The Day the Clown Cried’. The film is about a clown who is imprisoned for making a joke about Hitler during the second World War. The clown is sent to Auschwitz and he is given the job to guide a group of Jewish children to the gas chambers. Out of empathy, he decides to enter the gas chamber with the children. The film ‘The Day the Clown Cried’ was received skeptically by colleagues of Jerry Lewis, saying it was inappropriate and distasteful. For this reason, Jerry Lewis decided not to release the film. It has, to this day, only been seen by a handful of people. The fragments of the ‘making-of’ this film, which are available on youtube, form a paralel world to the mime artist in Auschwitz in the present day ».

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro
Elise et Clementine, 2015
Full HD Video. 7:09 min

« I met Elise and Clémentine in my studio in Liège. In the video Elise et Clémentine, the girls perform songs on the ukulele. In the background, the city of Liège. Elise starts, shy and cautious but determined. At the point where she really gets a hang of it, the noise of the train passing by interrupts her and she has to stop and wait.
The video was shot at the Citadel of Liège, right on the spot where 70 years earlier the photo of the Ge- stapo agents (see ‘Fète de la Gestapo’) was taken. This video is the third piece in a tryptich, together with ‘The Day The Clown Cried’,around the holocaust. »

Valérie Sonnirer

Valérie Sonnier

Valérie Sonnier

Valérie Sonnier
Sans titre, 2015 (de la série Badeschloss)
Crayon, crayons de couleur et cire sur papier. 33,5 x 41,5 cm.

Jacques Lizène

Jacques Lizène, 2011
Art syncrétique 1964, sculpture génétique
culturelle 1984, en remake 2011

Jacques Lizène
Petit maître à la fontaine de cheveux , remake 1983. Photographie N.B, rehaussée, 2011

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Officielle 2015, Les Docks, Paris, 20-25 octobre, stand A49

La galerie participe à OFFICIELLE 2015 Paris. Nous serons heureux de vous accueillir sur notre stand A49, Les Docks, Cité de la Mode et du design.

Olivier Foulon
Eleni Kamma
Aglaia Konrad
Charlotte Lagro
Jacques Lizène
Jacqueline Mesmaeker
Benjamin Monti
John Murphy
Maurice Pirenne
Valérie Sonnier
Raphaël Van Lerberghe

John Murphy

John Murphy
On the Way… Are you dressed in the map of your travels? 2003
Stuffed parrot, post card and stand.
Parrot: 24 x 32 x 23 cm, stand: 83 x 73 x 3,5 cm, framed postcard: 86,5 x 74,5 x 3,5 cm.

Entrée principale au 34 Quai d’Austerlitz, 75013 Paris
Entrée VIP au 36 Quai d’Austerlitz
Ouverture au public du mercredi 21 au dimanche 25 octobre 2015 de midi à 20h.
Nocturne le vendredi 23 octobre jusqu’à 21h.
Vernissage le mardi 20 octobre de 15h à 21h, uniquement sur invitation.

Il existe une navette fluviale entre le Grand Palais et les Docks, du 22 au 25 octobre.

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Charlotte Lagro, The art-shaped hole in my heart, les images (2)

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro, And it was quiet (…), plywood with oak veneer and mahogany stain, 2015, 4 x 1,5 m

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro, The grey refrigerator, sound, 2015, 00:42:24

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro, I thought it was kind of Eggplanty, photo, digital print, 2015, 135 x 90 cm

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro

Charlotte Lagro, Or maybe it’s like a plane, photo, digital print, 2015, 135 x 90 cm

(…) Vacuité de l’art ou trop plein de consommation visuelle et mar- chande, le film est d’autant plus singulier, par ces commentaires simples et directs, à propos d’un objet, somme toute, fort banal, que tout ceci se déroule dans un endroit dédié à la recherche, où l’on pourrait s’attendre justement à un trop plein du discours théorique ou à la mise en place de stratégies hyper productives. Non, loin de toute tentation parodique, Charlotte Lagro trans- forme un réfrigérateur en « conversation piece ». Ouvrant, refer- mant le frigo, les protagonistes du film le remplisse ou s’y servent au fil de leurs considérations. Ce réfrigérateur n’est pas une œuvre d’art, mais il catalyse l’art, le recèle, suscite des consi- dérations sur sa ligne, sa forme, sa couleur, son histoire, son uti- lité, son environnement. En fait, la situation est bien moins absurde qu’elle n’en a l’air.
L’exposition qui en découle fonctionne dès lors comme un tout. En contrepoint de la projection du film, Charlotte Lagro met en exergue cette phrase prononcée par Gary Hill en 1996 : « And… it was quiet. Actually it was a lot more quiet than i could stand ». La citation fonctionne comme un statement. Cinq grands tirages numériques complètent le dispositif : une aubergine pas trop violette, une étrange licorne, un cœur déposé sur la claie d’un ré- frigérateur, la carrosserie d’une voiture, un avion en vol. C’est un ancêtre déjà, au fuselage riveté, aux hublots rectangulaires enca- drés de rideaux, tels ceux d’une maison rustique. Cinq images qui font référence à autant de réflexions émises par les protagonistes du film : ce réfrigérateur est tel une licorne, hybride par sa remise à neuf. « It just was so, it was like a unicorn or something ». Il est couleur aubergine. « it was like a little eggplant-y but not with a lot of purple in it ». Sa carrosserie est comme celle d’un avion. « or maybe it’s a like a plane ». Ou comme celle de la portière d’une voiture, de couleur grise graphite. Quant au cœur, il fait bien sûr référence à la clé même de l’ensemble de l’œuvre : «The art-shaped hole in my heart ». Et l’on percevra, discret dans l’es- pace d’exposition, le ronron du réfrigérateur de Skowhegan, un ronronnement qui est comme le battement même de l’œuvre. (…)

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