Eran Schaerf

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Eran Schaerf & Eva Meyer participent à l’exposition « La Répétition mise à l’épreuve », organisée par VOX, centre de l’image contemporaine, la Galerie Leonard & Bina Ellen et SBC galerie d’art contemporain à Montréal (Québec). Jusqu’au 26 novembre 2016

VOX, centre de l’image contemporaine, la Galerie Leonard & Bina Ellen et SBC galerie d’art contemporain accueilleront à l’automne 2016 un événement majeur intitulé La répétition mise à l’épreuve complété par un programme de films présenté à la Cinémathèque québécoise et à VOX. Les trois commissaires de l’exposition, Sabeth Buchmann, Ilse Lafer et Constanze Ruhm, réuniront plus de cinquante artistes de la scène internationale, qui examinent un ensemble de positions et de stratégies en art contemporain où la répétition est envisagée à la fois comme sujet et comme pratique. Si le thème de la « répétition » est fréquemment abordé au cinéma et au théâtre, de même que dans le domaine des beaux-arts, il est rarement pris en considération en histoire de l’art ou dans le discours sur l’art contemporain. C’est dans cette optique que l’exposition La répétition mise à l’épreuve interroge le rôle et la fonction de la notion de « répétition », conçue à la fois comme une méthodologie, un modus operandi et un médium, ainsi qu’un site de représentation et de réflexion pour les processus de production artistiques.

VOX, centre de l’image contemporaine, the Leonard & Bina Ellen Art Gallery and SBC Gallery of Contemporary Art will host a major event entitled Putting Rehearsals to the Test, accompanied by a film program presented at the Cinémathèque québécoise and at VOX. The three curators of the exhibition, Sabeth Buchmann, Ilse Lafer, and Constanze Ruhm, bring together over fifty international artists who address a set of positions and strategies in contemporary art that consider rehearsal as both subject and practice. While the subject of “rehearsal” is popular in film and theater, as well as in the fine arts, it has been scarcely considered in historical and contemporary art discourses. It is with this in mind that the exhibition Putting Rehearsals to the Test investigates the role and function of the notion of “rehearsal,” understood as a methodology, a modus operandi, a medium, a site of representation and reflection for artistic production processes.

Avec / With : Marwa Arsanios, Judith Barry, Martin Beck, Rainer Bellenbaum, Cana Bilir-Meier/Liesa Kovacs/Lisa Kaeppler en collaboration avec Nora Jacobs, Merlin Carpenter, Keren Cytter, Carola Dertnig, Discoteca Flaming Star, Loretta Fahrenholz, Harun Farocki, Heike-Karin Foell, Marie Claire Forté et Alanna Kraaijeveld en dialogue avec Sophie Bélair Clément, Hanako Geierhos, Jean-Luc Godard, Ana Hoffner, Oliver Husain, Richard Ibghy & Marilou Lemmens, On Kawara, Jutta Koether, Eva Könnemann, Krüger & Pardeller, Achim Lengerer (en collaboration), Rashid Masharawi, Jasmina Metwaly et Philip Rizk, Eva Meyer et Eran Schaerf, minimal club, Regina (Maria) Möller, Yoko Ono, Silke Otto-Knapp, Falke Pisano, Mathias Poledna, Marlies Pöschl, Isa Rosenberger, Constanze Ruhm, Susanne Sachsse, Klaus Scherübel, Eske Schlüters, Maya Schweizer, Wendelien van Oldenborgh, Clemens von Wedemeyer, Tanja Widmann, Katarina Zdjelar, Heimo Zobernig.

Eran Schaerf & Eva Meyer

Eran Schaerf & Eva Meyer

Vue de l’exposition La répétition mise à l’épreuve – En cours de production : l’image post-dramatique. Photo: Michel Brunelle.

(…) Dans l’installation d’Eva Meyer et d’Eran Schaerf, intitulée Pro Testing (2010), le concept d’ensembles temporaires devient à la fois une manifestation d’une répétition et, inversement, la répétition d’une manifestation, ainsi que le suggère le titre. Or c’est précisément la répétition qui provoque l’émergence des sujets politiques ; c’est en testant les règles du jeu que l’on que l’on obtient véritablement un « produit performatif », lequel s’avère à son tour être une répétition d’interactions sociales. Ceci met à contribution les principales caractéristiques des récits allégoriques : l’appropriation, la répétition et la métonymie. Sans oublier les trois termes centraux autour desquels l’œuvre de Meyer et Schaerf s’articule – Tableau (art, esthétique), Drapeau (signe d’identité nationale) et Bateau (une référence à l’histoire de l’art, mais également un signifiant contemporain dépourvu de référent) – qui symbolisent le parcours de l’esthétique au politique, en référence évidente et explicite à l’œuvre Un voyage en mer (1973) du Nord de Marcel Broodthaers. On relève ici le passage de la technologie à la peinture, une allégorie en cours de transition qui n’est pas sans rappeler la constellation de Widman.(…)

(…)In Eva Meyer and Eran Schaerf’s installation Pro Testing (2010), the notion of “temporary ensembles” transforms into both a demonstration of a rehearsal and, vice-versa, a rehearsal of a demonstration, as the title already suggests. It is precisely the rehearsal that triggers the becoming of political subjects. To test the rules of the game is the “performative product,” which turns out to be a rehearsal of social interactions. This implies significant characteristics of allegorical narratives: appropriation, repetition and metonymy. Not least, three central terms on which the work is based—Tableau (art, aesthetics), Drapeau (the flag as a sign of national identity) and Bateau (on the one hand, as art-historical reference; on the other, as contemporary media signifier without referent)—describe precisely the route from the aesthetic to the political, explicitly referencing, of course, Marcel Broodthaers and his work Voyage on the North Sea (1973). Here, a shift between technology and painting becomes discernible, an allegory in transition not unlike Widmann’s constellation.(…)

Eran Schaerf & Eva MeyerEran Schaerf & Eva Meyer

Eva Meyer and Eran Schaerf, Pro-testing, 2010, film stil

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Dans le cadre de l’exposition Aglaia Konrad, From A to K :
Tokonoma III, Museum M, Leuven
Suchan Kinoshita, Olivier Foulon, Jörg Franzbecker, Kris Kimpe, Aglaia Konrad, Willem Oorebeek, Eran Schaerf et Walter Swennen

Tokonoma

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Dans le cadre de l’exposition From A to K d’Aglaia Konrad au Museum M Leuven, un nouvel état de l’oeuvre processuelle et collaborative Tokonoma. Avec les collaborations de : Suchan Kinoshita, Aglaia Konrad, Willem Oorebeek, Eran Schaerf, Olivier Foulon, Walter Swennen, Kris Kimpe, Joerg Franzbecker. And guests

Tokonoma I
Galerie Nadja Vilenne, Liège, 05 > 09. 2012
Dans le cadre de Manifesta 2012

Tokonoma

Tokonoma

Tokonoma II
Ludlow 38, Goethe Institut New-York, 05 > 06. 2014

Tokonoma

Tokonoma

A tokonoma is a built-in recessed space in a traditional Japanese room in which items are displayed for artistic appreciation. Derived from the concept of the personal Buddhist altar, it has become a standard domestic feature with a decorative purpose. One only enters this space in order to change the display following a strict etiquette. Toko literally means « raised floor » or « bed », while ma describes the gap, space, or pause between two structural parts. A tokonoma is not created by compositional elements, but rather refers to one’s consciousness of place and awareness of form and non-form. It creates an experiential space emphasizing the interval, the in-between.

Suchan Kinoshita has been using her ongoing, continuously changing series Tokonoma to open similar in-between spaces of thought between the practices of different collaborators since 2012. Tokonoma functions as an open score to be performed by and negotiated with invited interpreters. The only preconditions of the Tokonoma are a set of fragile architectural elements, composed of a diagonal line that is supported by vertical planes. Together, these form an open structure of intervals to be punctuated by works chosen by the respective contributors. This installational setting facilitates a negotiation of the given conditions and positions, while challenging the status and manifestations of artistic media via various transitions: from sculpture to installation, to gesture, to presence and participation. Tokonoma thus opens a microcosm of inquiry into who, where, how, and what is being negotiated while on view—a microcosm for the investigation of how to confront the various realities and materialities of artwork, how to compose its different aspects, and finally of how to present individual works without granting one more importance than the other.

Tokonoma operates as an archive as well as an exhibition, bringing together varying working methods, processes, and works. Beside the notion of collaboration, it allows an approach towards performativity and the timeline of a show beyond singular events. Influenced by her study of musical composition, Suchan Kinoshita has been concerned with the possibilities of integrating time as a structural part of a total entity throughout her career. In relation to other artistic strategies and interpreters, she uses Tokonoma to destabilize claims for completeness via a structural embrace of transformation and change within the course of the presentation.

Tokonoma III
Museum M, Leuven, 05 > 09. 2016
Dans le cadre de l’exposition Aglaia Konrad, From A to K.

Tokonoma

Tokonoma

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Le duo Olivier Foulon / Ella Klaschka ainsi que Eran Schaerf participent à l’exposition « Mind Fabric », produite par A.VENU.DE.JET.TE, Institut de Carton avec Ester Goris.
Vernissage le samedi 23 janvier de 16 à 20h
Exposition accessible tous les dimanche de 14 à 18h jusqu’au 28 mai 2016

Avenue de Jette, 41, 1080 Bruxelles.

Mind Fabric

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Eran Schaerf

What difference does it make if a newspaper reports on a worker protest as if it were a theater piece? Why does an argument in the neighbors’ apartment sound like a radio play? When was the term Lebensraum decolonized? How can Little Red Riding Hood get hold of the copyright for her own character? Who dresses up as whom in order to belong to what group? What happens when not much is happening, but lots of airtime has been scheduled for news broadcasts?
At a radio station called The Listener’s Voice, freedom of speech is supposed to be guaranteed by a computerized moderator taking listeners’ calls. Yet, the moderator was not only programmed for an unplanned architecture of discourse that sprawls into environments of potential violence, ambiguous sexuality, and rowdy beauty, but also to make identifying data anonymous. Double-sided, invisible, and acoustic masks are at work. Cyber-radio comes into conflict with human memory.

Publisher : Archive books
Edited by
Herbert Kapfer and Joerg Franzbecker
Text Compilation
Eran Schaerf and Joerg Franzbecker
Designed by Flo Gaertner, magma, Karlsruhe
English
Softcover, 19.5 × 27.5 cm
200 pages, colour
ISBN 978-3-943620-34-4

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Eran Schaerf est l’invité d’ Etablissement d’en Face. Vernissage ce vendredi 4 septembre à 19h

Eran Schaerf

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Eran Schaerf

Eran Schaerf
Panorama, 2013 (Detail)
Foto: Eran Schaerf
© VG Bild-Kunst, Bonn 2013

Eran Schaerf Disorder of Appearance

Eran Schaerf erhält den diesjährigen Käthe-Kollwitz-Preis. Der 1962 in Tel Aviv-Jaffa geborene und seit 1985 in Berlin lebende Künstler, Hörspielautor und Filmemacher bewegt sich zwischen unterschiedlichen Medien und verschiedenen Sprachen. Seine Arbeiten wurden international gezeigt, wie auf der 54. Biennale di Venezia (2011), bei Skulptur Projekte Münster (2007), bei der Manifesta 2 in Luxemburg (1998) und auf der Documenta 9 in Kassel (1992). Seine Ausstellungen ähneln Probe räumen oder Dokumentationen, sind Untersuchungen von Bildern und Texten, ihrem Ver h ältnis zueinander, ihrer theatralischen Mittel und ihres politischen Gehalts. Verschiedene Er zählweisen und Möglichkeitsräume treten so zutage. Eran Schaerfs Ausstellung Disorder of Appearance, die er für die Akademie der Künste entwickelt hat, macht dies mit der Installation Panorama erfahrbar.

Ausstellung: 21. September – 3. November 2013, Di–So 11–19 Uhr Eintritt ¤ 5/3, bis 18 Jahre und am 1. Sonntag im Monat Eintritt frei. Sonntag, 6. Oktober, 17–22 Uhr, Eintritt ¤ 6/4 Documentary Credit – Filme von Eran Schaerf und Eva Meyer Filmabend mit Künstlergespräch, Moderation Hanne Loreck

Eran Schaerf

Eran Schaerf
Stock Footage #2897, 2013
Foto: Eran Schaerf/fm-scenario
© VG Bild-Kunst, Bonn 2013

Käthe-Kollwitz-Preis 2013 der Akademie der Künste an Eran Schaerf

Eran Schaerf erhält den mit 12.000 Euro dotierten Käthe-Kollwitz-Preis 2013. Mit dem Preis würdigt die Akademie der Künste ein international herausragendes Werk, das in stets neuartigen Werkprozessen mit unterschiedlichen Materialien und Medien die Grenzen sozio-kultureller Systeme auslotet. Das Wissen um die Rolle medialer Kommunikationssysteme in einer globalisierten Welt sowie deren Raum- und Zeitbezüge sind die relevanten Faktoren in Eran Schaerfs künstlerischem Koordinatensystem. Der Jury gehörten die Mitglieder der Sektion Bildende Kunst Heinz Emigholz, Hubertus von Amelunxen und Ulrich Erben an. Der Preis wird am 20. September 2013 verliehen. Eine auf den Ausstellungsort fokussierte Auswahl von aktuellen Werken des Künstlers in der Akademie der Künste, Hanseatenweg, schließt daran an.

Eran Schaerf wurde 1962 in Tel Aviv-Jaffa geboren. Er lebt und arbeitet seit 1985 in Berlin. Nach seinem Studium der Architektur an O.R.T. in Givatayim (IL) und an der Hochschule der Künste, Berlin, übernahm er eine Professur an der Hochschule der Bildenden Künste in Hamburg und lehrt derzeit an der Zürcher Hochschule der Künste. Der Künstler erhielt u.a. Auszeichnungen und Stipendien der Akademie der Künste, Berlin (1999), des Landes Baden-Württemberg (1999) und der Deutschen Akademie der darstellenden Künste für das Hörspiel des Jahres 2002. Seine Arbeiten wurden u.a. auf der 54. Venedig Biennale (2011), den Skulptur Projekte Münster (2007) und auf der Manifesta 2 in Luxemburg (1998) gezeigt.

Schaerf begann in den 1990er Jahren als Vertreter einer jüngeren Künstlergeneration, Ansätze aus der Konzeptkunst der 1970er Jahre aufzunehmen. Dabei beschäftigt er sich vor allem auch mit der durch Marcel Duchamp angestoßenen „Auseinandersetzung mit dem Standort der Kunst im gesellschaftlichen Kontext“. Der Preisträger lässt sich mittels Zeichnung, Sprache, Film (u.a. mit Eva Meyer) und Fotografie, Rauminstallation und Hörspiel auf künstlerisch einzigartige, komplexe Werkprozesse ein, die politische und historische Themen sowie individuelle und kollektive Wirklichkeiten analysieren. 1996 installierte er im Bahnwärterhaus der Galerie der Stadt Esslingen sein „Re-enactment“ mit verschiedenen Stoffen, Modeschmuck, Textfragmenten, Fotos und Displays aus seinem Objekt-Fundus, begehbar im Raum über einen „Laufsteg“ aus Paletten. Diese Installationen sind an jedem Ort anders; Schaerf lässt Interpretationsmöglichkeiten in alle Richtungen offen. 2002 realisierte er mit „Die Stimme des Hörers“ eines seiner intermedialen Projekte. Das Nachrichtenhörspiel besteht aus einem fiktiven Radiosender, der Höreranrufe annimmt. Die Anrufe werden von einem Softwareprogramm eingearbeitet und beantwortet. Auf fm-scenario.net können Nutzer aus Fragmenten der „Stimme des Hörers“ eigene Geschichten zusammenstellen. Eine dieser Montagen bildete dann auch den Ausgangspunkt für eine Installation, die Schaerf 2012 im Haus der Kulturen der Welt in Berlin realisierte: In den Dolmetscherkabinen des Auditoriums – in einer Architektur, die Übersetzungsprozesse widerspiegelt – verwischte er die Grenzen zwischen Wirklichkeit und Fiktion, Sender und Empfänger, Nutzer und Autor.

Der Käthe-Kollwitz-Preis wird jährlich an einen bildenden Künstler vergeben. Der Preis wie auch die dazugehörige Ausstellung und der Katalog werden mitfinanziert von der Kreissparkasse Köln, Trägerin des Käthe Kollwitz Museums Köln. Preisträger der letzten Jahre waren Douglas Gordon (2012), Janet Cardiff & George Bures Miller (2011), Mona Hatoum (2010).

Eran Schaerf

Eran Schaerf
Karneval der Kulturen, Berlin, 1996
Serie s/w-Fotografien, Ausführung variabel
Foto: Eran Schaerf
© VG Bild-Kunst, Bonn 2013

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The Collection as a Character is a review of the M HKA collection after 25 years of creative contingency: visions articulated by forceful personalities, opportunities presenting themselves, limitations inspiring novel solutions. In other words, this project attempts to portray the character of the collection as it has been shaped by the reality of institutional art collecting for the public domain.

M HKA, the Museum of Contemporary Art Antwerp, opened in 1987 with a retrospective of Gordon Matta-Clark, who had realised one of his last ‘cutting’ interventions, Office Baroque, in Antwerp ten years earlier. The museum is founded and funded by the Flemish Community. Its collection now consists of some 4,400 works by around 600 different authors from many different countries and contexts, grounded in the post-war avant-garde tradition in the region and mapping the emergence of today’s multi-polar international art world.

The historical basis of the M HKA collection is the extensive archive inherited from Antwerp’s International Cultural Centre, founded in 1970. Under the directorship of Flor Bex, who was also M HKA’s first director in 1987–2002, the ICC was an international cutting-edge exhibition venue and art production base. Another important source for the M HKA collection is the Gordon Matta-Clark Foundation, set up in 1979 to honour the late artist through an attempt to build a contemporary art museum in Antwerp around Office Baroque, which unfortunately failed.

The steady growth of the M HKA collection through acquisitions by the Flemish Community, donations and long-term loans continued, with a widened horizon, after Bart De Baere became director in 2002. The collection is continuously shown in various types of exhibition, inside and outside the museum.

The Collection as a Character is not only a large exhibition, put together by M HKA curators Anders Kreuger and Nav Haq. It is also a generously illustrated new book, edited by Anders Kreuger, that presents the M HKA collection as a ‘virtual exhibition’ with 200 selected artists. The book is organised around the notions of ‘image’, ‘action’ and ‘society’ that will continue to guide the development of the collection.

The ‘ensemble’ is key to understanding the M HKA collection. It is a coherent group of works that is significant in qualitative terms, and can be regarded as more than a presence of works or series of works by an artist. M HKA Ensembles is also the name of the museum’s online digital database. The new collection book functions as a hard-copy ‘portal’ for this source of information.

M HKA has important ensembles by prominent Flemish artists such as Luc Deleu, Paul De Vree, Jan Fabre, Toon Tersas or Luc Tuymans. Panamarenko is a special case, because of his donation to M HKA of his former home and studio at Biekorfstraat 2 in Antwerp, which opens to small groups of visitors in the summer of 2013.

M HKA also has significant ensembles by artists from other parts of the world, among them James Lee Byars, Jimmie Durham, Ilya Kabakov, C K Rajan, Wilhelm Sasnal, Yang Fudong and a number of artists from the former Soviet Union, India, China and North Africa. There are also sub-collections of a different kind, such as the Vrielynck Collection of objects from the prehistory of cinema or the newly started collection of artists’ novels.

M HKA is a member of L’Internationale, the confederation of European museums and other institutions that also includes Moderna Galerija in Ljubljana, Museu d’Art Contemporani (MACBA) in Barcelona, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía in Madrid, SALT in Istanbul and Ankara and Van Abbemuseum in Eindhoven. Together, the confederates represent a continent-wide collection of more than 70,000 works. The initiative is European, and generously supported by the European Union, but the question it tries to answer is international: ‘What is Europe’s place in the new multi-polar world?’

Artists in the exhibition The Collection as a Character:

Vito Acconci, Vyacheslav Akhunov, Alain Arias-Misson, Charif Benhelima, Guillaume Bijl, Sergey Bratkov, James Lee Byars, David Claerbout, Vaast Colson, Honoré δ’O, Manon de Boer, Berlinde De Bruyckere, Thierry De Cordier, Paul De Vree, Luc Deleu, Mark Dion, Lili Dujourie, Marlene Dumas, Jimmie Durham, Róza El-Hassan, Jan Fabre, Robert Filliou, Andrea Fraser, Bernard Frize, Anna Bella Geiger, Jef Geys, Douglas Gordon, Sheela Gowda, Keith Haring, Kati Heck, Rebecca Horn, Craigie Horsfield, Hamlet Hovsepian, Alfredo Jaar, Cameron Jamie, Donald Judd, Ilya & Emilia Kabakov, Gulnara Kasmalieva & Muratbek Djumaliev, K P Krishnakumar, Barbara Kruger, Jacques Lizène, Goshka Macuga, Mark Manders, Sergey Maslov, Rita McBride, Guy Mees, Andrei Monastyrski, Antoni Muntadas, Maurizio Nannucci, Bruce Nauman, Cady Noland, Maria Nordman, ORLAN, Ria Pacquée, Panamarenko, Hermann Pitz, Koka Ramishvili, Guy Rombouts, Thomas Ruff, Wilhelm Sasnal, Eran Schaerf, Allan Sekula, Steven Shearer, Cindy Sherman, Daniel Spoerri, Imogen Stidworthy, Ana Torfs, James Turrell, Luc Tuymans, Patrick Van Caeckenbergh, Koen Van den Broek, Jan Van Imschoot, Jan Vercruysse, Lawrence Weiner, Franz West, Yang Fudong and others

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A Berlin, Eran Schaerf a reçu le Käthe-Kollwitz-Preis 2013 der Akademie der Künste.

Eran Schaerf, Scenario Data #46 (w wie weiss w wie schwarz), 1988/2012

Eran Schaerf erhält den mit 12.000 Euro dotierten Käthe-Kollwitz-Preis 2013. Mit dem Preis würdigt die Akademie der Künste ein international herausragendes Werk, das in stets neuartigen Werkprozessen mit unterschiedlichen Materialien und Medien die Grenzen sozio-kultureller Systeme auslotet. Das Wissen um die Rolle medialer Kommunikationssysteme in einer globalisierten Welt sowie deren Raum- und Zeitbezüge sind die relevanten Faktoren in Eran Schaerfs künstlerischem Koordinatensystem. Der Jury gehörten die Mitglieder der Sektion Bildende Kunst Heinz Emigholz, Hubertus von Amelunxen und Ulrich Erben an. Der Preis wird am 20. September 2013 verliehen. Eine auf den Ausstellungsort fokussierte Auswahl von aktuellen Werken des Künstlers in der Akademie der Künste, Hanseatenweg, schließt daran an.

Eran Schaerf wurde 1962 in Tel Aviv-Jaffa geboren. Er lebt und arbeitet seit 1985 in Berlin. Nach seinem Studium der Architektur an O.R.T. in Givatayim (IL) und an der Hochschule der Künste, Berlin, übernahm er eine Professur an der Hochschule der Bildenden Künste in Hamburg und lehrt derzeit an der Zürcher Hochschule der Künste. Der Künstler erhielt u.a. Auszeichnungen und Stipendien der Akademie der Künste, Berlin (1999), des Landes Baden-Württemberg (1999) und der Deutschen Akademie der darstellenden Künste für das Hörspiel des Jahres 2002. Seine Arbeiten wurden u.a. auf der 54. Venedig Biennale (2011), den Skulptur Projekte Münster (2007) und auf der Manifesta 2 in Luxemburg (1998) gezeigt.

Schaerf begann in den 1990er Jahren als Vertreter einer jüngeren Künstlergeneration, Ansätze aus der Konzeptkunst der 1970er Jahre aufzunehmen. Dabei beschäftigt er sich vor allem auch mit der durch Marcel Duchamp angestoßenen „Auseinandersetzung mit dem Standort der Kunst im gesellschaftlichen Kontext“. Der Preisträger lässt sich mittels Zeichnung, Sprache, Film (u.a. mit Eva Meyer) und Fotografie, Rauminstallation und Hörspiel auf künstlerisch einzigartige, komplexe Werkprozesse ein, die politische und historische Themen sowie individuelle und kollektive Wirklichkeiten analysieren. 1996 installierte er im Bahnwärterhaus der Galerie der Stadt Esslingen sein „Re-enactment“ mit verschiedenen Stoffen, Modeschmuck, Textfragmenten, Fotos und Displays aus seinem Objekt-Fundus, begehbar im Raum über einen „Laufsteg“ aus Paletten. Diese Installationen sind an jedem Ort anders; Schaerf lässt Interpretationsmöglichkeiten in alle Richtungen offen. 2002 realisierte er mit „Die Stimme des Hörers“ eines seiner intermedialen Projekte. Das Nachrichtenhörspiel besteht aus einem fiktiven Radiosender, der Höreranrufe annimmt. Die Anrufe werden von einem Softwareprogramm eingearbeitet und beantwortet. Auf fm-scenario.net können Nutzer aus Fragmenten der „Stimme des Hörers“ eigene Geschichten zusammenstellen. Eine dieser Montagen bildete dann auch den Ausgangspunkt für eine Installation, die Schaerf 2012 im Haus der Kulturen der Welt in Berlin realisierte: In den Dolmetscherkabinen des Auditoriums – in einer Architektur, die Übersetzungsprozesse widerspiegelt – verwischte er die Grenzen zwischen Wirklichkeit und Fiktion, Sender und Empfänger, Nutzer und Autor.

Der Käthe-Kollwitz-Preis wird jährlich an einen bildenden Künstler vergeben. Der Preis wie auch die dazugehörige Ausstellung und der Katalog werden mitfinanziert von der Kreissparkasse Köln, Trägerin des Käthe Kollwitz Museums Köln. Preisträger der letzten Jahre waren Douglas Gordon (2012), Janet Cardiff & George Bures Miller (2011), Mona Hatoum (2010).

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The exhibition « Don’t Smile », sets out to track humour, the trippingly light kind, the roguish, the dry, as well as the self-reflexive. Humour that examines language, logic, society, the day-to-day and the art system both gravely and with tongue in cheek.

What is it that distinguishes humour? How is it expressed? In the artworks on show, it is sometimes the encounter between different worlds and value systems – such as everyday reality and intellectual imagination – that initiates comedy. Or it is a shift that transfers things from their frame of reference into a new meaning, thus triggering smiles. It is especially the overlapping of verbal and visual levels that conjures an open and humorous way of seeing things. And despite the comic level, great seriousness underlies the works on exhibit.

The exhibition has been organized in close collaboration with the artists Josef Dabernig, Rainer Ganahl, Bethan Huws, Anna Kolodziejska, Vaclav Pozarek, Kay Rosen and Eran Schaerf. Each artist has created an atmospheric and compact narrative specifically for « Don’t Smile ». The overall effect is of an edginess spanned between multifaceted and challenging commentaries that incite ulterior and subtle, indeed enigmatic, humour.

Wanderblog (Rotkäppchen im Vaterland), 2008/2012
Seil, Borten, Bänder, gelochte Katalogseiten (Offset) und Fotokopien, Hacken
Dimensionen variabel

Scenario Data #46 (w wie weiss w wie schwarz), 1988/2012
Elastisches Seil, Zeichenfilm (Polyester), Fotokarton, Haken, Würgeklemme
Dimension variabel

Scenario Data #44 (knotless location, blank page), 1999/2012
Elastisches Seil, gelochte Blätter (A4), Nägel

Scenario Data #45 (this sentence is weightless), 1999/2012
Elastisches Seil, Buchstaben-Blechschblonen, Nägel


Sprechstunde, 1990/2012
17 Karten (unlimitierter Offsetdruck), Tisch (variabel)

Interwoven into the exhibition are a selection of historical artworks that set the tone and the frame of reference. Of note are especially Marcel Duchamp, René Magritte and Kurt Schwitters. As significant forefathers from the beginning of the 20th century, they still today pose valid questions on contextualization, on compositional elements, on language as a medium of the visual arts, on wordplay, on the mutating image, as well as on the art of thinking. In addition, with John Baldessari, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Robert Filliou and Anne Marie Jehle, we find exemplary positions of the “see” change in 1960s art. “All artists make artworks” as Bethan Huws puts it in one of her word vitrines. But is that really so?The exhibition is a production of Kunstmuseum Liechtenstein, curated by Christiane Meyer-Stoll.

 

 

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Eran Schaerf participe à cette réflexion sur l’humour dans l’art, produite par Christiane Meyer-Stoll au Kunstmuseum Liechtenstein à Vaduz. Du 21 septembre au 20 janvier.

Le Communiqué du Musée :

« Comedy is simply a funny way of being serious. » Sir Peter Ustinov 
The exhibition « Don’t Smile », sets out to track humour, the trippingly light kind, the roguish, the dry, as well as the self-reflexive. Humour that examines language, logic, society, the day-to-day and the art system both gravely and with tongue in cheek.

What is it that distinguishes humour? How is it expressed? In the artworks on show, it is sometimes the encounter between different worlds and value systems – such as everyday reality and intellectual imagination – that initiates comedy. Or it is a shift that transfers things from their frame of reference into a new meaning, thus triggering smiles. It is especially the overlapping of verbal and visual levels that conjures an open and humorous way of seeing things. And despite the comic level, great seriousness underlies the works on exhibit.

The exhibition has been organized in close collaboration with the artists Josef Dabernig, Rainer Ganahl, Bethan Huws, Anna Kolodziejska, Vaclav Pozarek, Kay Rosen and Eran Schaerf. Each artist has created an atmospheric and compact narrative specifically for « Don’t Smile ». The overall effect is of an edginess spanned between multifaceted and challenging commentaries that incite ulterior and subtle, indeed enigmatic, humour.

Interwoven into the exhibition are a selection of historical artworks that set the tone and the frame of reference. Of note are especially Marcel Duchamp, René Magritte and Kurt Schwitters. As significant forefathers from the beginning of the 20th century, they still today pose valid questions on contextualization, on compositional elements, on language as a medium of the visual arts, on wordplay, on the mutating image, as well as on the art of thinking. In addition, with John Baldessari, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, Robert Filliou and Anne Marie Jehle, we find exemplary positions of the “see” change in 1960s art. “All artists make artworks” as Bethan Huws puts it in one of her word vitrines. But is that really so?

The exhibition is a production of Kunstmuseum Liechtenstein, curated by Christiane Meyer-Stoll. With John Baldessari, Joseph Beuys, Marcel Broodthaers, JOSEF DABERNIG, Marcel Duchamp, Robert Filliou, RAINER GANAHL, BETHAN HUWS, Anne Marie Jehle, ANNA KOLODZIEJSKA, René Magritte, VACLAV POZAREK, KAY ROSEN, ERAN SCHAERF, Kurt Schwitters

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20 septembre

Il y a quelques jours, Suchan Kinoshita me proposait de demander à chaque artiste les intitulés exacts de chacune des œuvres intégrées dans « Tokonoma ». De fait, bien qu’elles participent aujourd’hui du dispositif, elles conservent, toutes, leur autonomie.

Relisant les notes que j’ai prises durant ces quelques semaines, je me rend compte que toutes sont singulièrement ancrées dans le corpus personnel de chacun des participants et que leurs choix sont à cet égard particulièrement signifiants. Nous sommes surpris par la richesse de réflexions diverses qu’offre le dépôt de chacune d’elles au cœur même du dispositif. Toutes ces contributions y trouvent une énergie supplémentaire offrant dès lors un champ spéculatif élargi aux dimensions spirituelles du dispositif. Elles interagissent entre elles tout en participant de l’ensemble. Dans certains cas, elles génèrent même une lecture que l’on aurait, a priori, à peine soupçonné. Cette expérience spatio-temporelle a, en effet, multiplié les rapports, les contrastes, les conditions de perception, leur variabilité. Un visiteur, qui observait les artistes au travail, me faisait part de son admiration pour la précision des gestes ; il entendait par là, l’exactitude et la détermination du geste physique. Cette précision, me semble-t-il, est beaucoup plus fondamentale, ne laissant que peu de place au hasard. Chaque étape du travail fut en effet précise, y compris celles qui ne sont plus visibles, l’ensemble évoluant au rythme d’une mécanique interne d’autant plus troublante que jamais elle ne sembla s’enrayer. Certes, les artistes qui ont contribué à ce protocole initial se connaissent bien, parfois depuis longtemps ; ils ont une attention permanente pour leurs travaux respectifs. Certains ont déjà collaboré à des projets communs, Suchan Kinoshita prêtant sa voix à une pièce sonore d’Aglaia Konrad (Her City, 2005) ou collaborant à la mise en scène d’un film d’Eran Schaerf et d’ Eva Meyer (Pro Testing, 2011), Aglaia Konrad et Willem Oorebeek concevant une exposition de concert mise en espace par Kris Kimpe (Monolith/Life, 2011), Olivier Foulon s’appropriant une œuvre de Walter Swennen (Le Souffleur ou L’homme assis (dans le carré de) la peinture, 2008). Ces quelques exemples de connivences n’expliquent néanmoins pas tout. Il y  indubitablement, au delà des préoccupations personnelles, un sens commun, une forme d’être ensemble, entre les mots et les choses, là où l’image, dans son acception la plus large et y compris en son absence, fait sens. A ce titre, c’est ce Tokonoma, dans son entièreté, qui devient espace de pensée. Précaire, sans doute, et affirmé comme tel, dans un équilibre que d’un seul geste on peut anéantir. Il suffit pour cela d’ôter la rampe diagonale qui solidarise l’ensemble. Nous sommes ici, pour reprendre les termes qu’utilise Jacques Rancière, dans « un dispositif spatio-temporel au sein duquel mots et formes visibles sont associées en données communes ». Le problème posé, poursuit-il, « n’est pas d’opposer la réalité à ses apparences. Il est de construire d’autres réalités, d’autres formes de sens commun, c’est-à-dire d’autres dispositifs spatio-temporels, d’autres communautés des mots et des choses, des formes et des significations ». En quelque sorte créer des « configurations nouvelles du visible, du dicible et du pensable, et par là même un paysage nouveau du possible ». Ce « Tokonoma » n’a rien d’une nouvelle forme de cadavre exquis ; au contraire, chacun a réagi en connaissance de cause, informé de l’avancement des travaux, ou même de façon simultanée, en pleine compréhension de l’initiale proposition et du scénario envisagé par Suchan Kinoshita. Ce ne fut ni un network, ni un appel à participation à propos d’une préoccupation commune où chacun envisagerait l’une ou l’autre nouvelle production afin de se mettre en relation avec les autres participants. Au contraire, chacun puisa dans le corpus même de sa production, affirmant l’autonomie de l’œuvre ou des œuvres sélectionnées, tout en envisageant ce « display » comme un paysage nouveau du possible. Il me semble que tous partagent, d’une manière ou d’une autre et comme motivation première, celle qui conduit la nécessiter de créer, cette possibilité d’un ici et d’un ailleurs, d’un alors et d’un maintenant, sans pour autant anticiper le sens ou l’effet que l’œuvre produira. Y compris pour ce « Tokonoma », installation sans début, hormis bien sûr le Diagonale Dialemma de Suchan Kinoshita, catalyseur de ce statement, et sans fin annoncé car, de fait, celle-ci ne peut, de facto, être anticipée.

J’évoquais récemment avec Suchan Kinoshita l’espace investi par le dispositif, l’installation elle-même, y compris dans un sens pratique. Il faudra bien à un moment donné, et avec précaution, désolidariser la rampe de l’ensemble des plans qui s’y ancrent. Certes, ce « Tokonoma » a été dessiné aux dimensions de la nef de la galerie. Pourrait-il être installé ailleurs ? Assurément, me répond, Suchan Kinoshita, après n court temps de réflexion : l’installation crée son propre espace, physique et mental.

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Le Communiqué de la Haus der Kulturen der Welt :

In to the heart of Berlin’s government district, where decisions on the future of Europe are being negotiated, stands the Haus der Kulturen der Welt, formerly the Kongresshalle (congress hall): an architectural icon and relic of post-war modernity. The building and its history provide the point of departure for Between Walls and Windows. Architektur und Ideologie.

Only this autumn, from the 1st to 30th of September, the architectural monument, understood as an ideologically determined sculpture, will be returned to its original condition. With free admission and access from north, south, east or west, the exhibition promises new insights and perspectives on form, function, and history.

The project places the local history of the former congress hall in a new global context and casts a spotlight on the Haus der Kulturen der Welt as a sculpture. Curator Valerie Smith, head of the department of visual arts, film, and digital media, presents ten new site-specific productions by international renowned artists and architects, which turn the interior and outdoor spaces of the building into stages that question all that « architecture » can be.

The 2012 Pritzker Architecture Prize winner, Wang Shu, together with his wife and partner Lu Wenyu, will use for their Tile Theatre approximately 60,000 traditionally manufactured Chinese roof tiles recycled from their work for the 10th Venice Biennale of Architecture in 2006, thus creating an inhabitable pavilion on the roof of HKW. On the occasion of a visit by Kim Il-Sung to Indonesia in 1965 the former Indonesian President, Achmed Sukarno, presented his state guest with a specially hybridized orchid variety, which he insisted on naming « Kimilsungia. » Since then, the tradition of dedicating orchids to heads of state and political dignitaries has extended far beyond North Korea. At the main entrance of HKW, Arno Brandlhuber represents us to orchids as the transmogrification of power. Nowhere is ideology and architecture so closely linked than in embassy buildings. Terence Gower presents his research on US foreign policy as seen through architecture set in the stylized 1950s lounge interior of HKW.

In 1974, at the outbreak of the Carnation Revolution in Portugal, the 4 Estações Hotel in Maputo, Mozambique, was nearing completion. After remaining vacant and unfinished for 33 years the building was demolished in 2007 in order to make room for the US embassy. Ângela Ferreira follows the traces of destruction and reconstruction of ideologically motivated foreign policy both in Africa and beyond. The architect Hugh A. Stubbins saw his Kongresshalle, with the auditorium as its centerpiece, as the embodiment of freedom of speech and opinion. The theme of Iñigo Manglano-Ovalle installation is the influence of acoustic and spatial staging on the power of the spoken word. Immaterial structures also make a building into what it is. Marko Sančanin has improvised a ‘crypt’ of memories, of discarded or forgotten relics relating to the former Kongresshalle, arranged around an architectural drawing of the roof construction on a hidden wall of the HKW.

Eran Schaerf examines the constitution of the mass media and the space produced by it. The borders between fact and fiction, sender and receiver, user and author, become blurred questioning the production of space by means of language. From the roof terrace of the HKW there is a view of the Reichstag and the Kanzleramt (Chancellery). These two massive symbols of political power loom up as if they were cruiseliners on the brink of collision. The HKW roof kiosk drifts between them like a life raft. Here Studio Miessen creates an informal place of assembly. The kiosk changes from a hermetic vitrine to a walk-in display case. In the cloakroom the internationally operating architecture group, Supersudaca (sudaca: Spanish insult for Latin American immigrants) will stage a parody of Credit Rating Agencies, their influence on market dynamics and real estate investments taking up the cause of greater social justice.

Another way of approaching architecture and ideology is represented by the Initiative Weltkulturerbe Doppeltes Berlin (Initiative World Cultural Heritage Double Berlin), which aims to have the architectural ‘competitions’ of the once divided Berlin listed as UNESCO World Cultural Heritage. The congress halls in the Tiergarten (Haus der Kulturen der Welt) and at Alexanderplatz (BCC) are prime examples of dualling architectures: between 1945 and 1989, state, residential and cultural buildings were constructed in the divided Berlin to reflect the ideology of the respective systems.

The extensive accompanying program explores the dimensions of architecture as an instrument in the history of architecture, philosophy, and politics and includes speakers and experts such as, Louisa Hutton & Matthias Sauerbruch, Ashkan Sepahvand, Joanna Warsza, and Karin Sander.

The program includes Tours de Babel, multilingual tours as well as guided tours by architect and designer Van Bo Le-Mentzel, curator Valerie Smith, and art historian Steffen de Rudder.

Fm-Scenario – Where Palms Stand – Mask – Delay

Eran Schaerf’s project examines the constitution of the mass media and the space produced by it. The project offers users an Internet archive (fm-scenario.net) containing audio modules such as listener calls, features, and news, where they can compile stories. One such compilation will form the initial scenario for Schaerf’s installation. Located in the interpreter booths of the main conference room, an architecture which reflects translation processes, the borders between fact and fiction, sender and receiver, user and author, become blurred questioning the production of space by means of language.

Eran Schaerf (*1962 in Israel) is a Berlin-based artist with an academic background in architecture, urban planning and photography. His practice focuses on architectures of discourse in the intersection of fashion, mass media, language and the built environment. It interweaves historical and contemporary political narratives in print, in space, on air, and – often in collaboration with the author and philosopher Eva Meyer – in film. His work has been shown widely in exhibitions such as the 54th Venice Biennale (2011), Skulptur Projekte Münster (2007), and Manifesta 2 in Luxemburg (1998).

fm-scenario – where palms stand – mask – delay is a project in the framework of fm-scenario – The Listener’s Voice, a project of a production e. V., Berlin and Bavarian Broadcasting Corporation / Dept. Radio Play and Media Arts in cooperation with Hartware MedienKunstVerein, Dortmund; Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Les Complices*, Zurich; the Museum für Konkrete Kunst, Ingolstadt and the ZKM | Center for Art and Media, Karlsruhe. This project has been made possible by the generous support of the German Federal Cultural Foundation, 2012-2014

Between Walls and Windows
Architektur und Ideologie
Exhibition, Talks, Conference
September 1 – September 30, 2012

 

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8 septembre

Tokonoma a canalisé un dialogue entre les artistes ; le dispositif, de ce fait, établit également un dialogue entre les œuvres. Celui-ci s’est resserré au fil du temps, de telle sorte que l’ajout d’une contribution, même de modestes dimensions, induit qu’il faille réévaluer l’ensemble. Ainsi, cette petite œuvre qu’Olivier Foulon a confié à Suchan Kinoshita, deux petites photocopies d’un encadrement de tableau, découpées et ajourées, de telle sorte qu’il ne subsiste plus que les deux encadrement découpés. Ceci n’est pas sans rappeler les travaux qu’Olivier Foulon mena à propos de « L’Enseigne de Gersaint » de Watteau et des encadrements successifs de cette œuvre conservée à Berlin. Gersaint, on le sait, édita  entre autre des gravures de Watteau, ses arabesques, ses petits sujets ornementaux, ses gravures d’ornements. Guillaume Glorieux le rappelle dans son livre « À l’enseigne de Gersaint : Edme-François Gersaint, marchand d’art sur le Pont Notre-Dame » ; il écrit : « Très tôt, Gersaint a précisé l’usage auquel il destinait les gravures de Watteau qu’il éditait et commercialisait : « De pareils sujets peints sur des fonds blancs, conviennent à merveille aux découpures dont les dames font aujourd’hui de si jolis meubles », écrivait-il dans le Mercure de France en 1727, soit l’année où il commença à éditer des estampes avec Surugue ; toujours selon Gersaint, (…) « tous ces ornements réussissent parfaitement en découpures ».

Je ne sais si Olivier Foulon connaît ce texte, mais je constate qu’il découpe l’encadrement ornemental de l’Enseigne et que Suchan Kinoshita accroche ces découpures, comme chainées l’une à l’autre, sur le fond monochrome du mur de plâtre, central dans le dispositif. L’endroit semble aller de soi mais contraint dès lors Suchan Kinoshita à faire disparaître le dialogue précédemment établi entre le dessin de Walter Swennen, l’enchaînement des images de la « trahison » magritienne réévaluée par Eran Schaerf et ce mur banc monochrome aux arrêtes crémeuses. Qu’à cela ne tienne : l’œuvre d’Eran Schaerf fera désormais face à celle d’Olivier Foulon et le dessin de Walter Swennen émigrera. Suchan Kinoshita le décadre et le pose au sol, recouvrant une part du rectangle lumineux créé par ce projecteur de diapositives, très tôt déposé dans le dispositif mais auquel personne n’a encore dédié une image particulière. Suchan Kinoshita me fait remarquer que « quelque chose se passe », derrière le dessin de Swennen, dans l’ombre qu’il créée avec le plan vertical contre lequel il est posé ; elle constate également que l’agencement de ce petit dispositif rappelle « Le Souffleur ou L’homme assis (dans le carré de) la peinture », cette projection de diapositives qu’Olivier Foulon installa en 2008 (dans le carré) d’une peinture de Walter Swennen. Cette fois, c’est le dessin de Walter Swennen, cette superposition de plans, qui s’installe dans le carré de la projection lumineuse. On le voit, tout s’enchaîne, assurément.

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Triple vernissage ce jeudi 28 juin à la galerie Nadja Vilenne, dans le cadre des Parallel Events de Manifesta 09

Tokonoma (titre provisoire)

Suchan Kinoshita, Aglaia Konrad, Willem Oorebeek, Eran Schaerf, Olivier Foulon, Walter Swennen, Kris Kimpe (architect), Joerg Franzbecker (curator). And guests.

Le processus de ce dispositif commun, de cette œuvre collective, est en route depuis le début du mois de mai. On trouvera trace des premières étape de ce processus sur le blog de la galerie : #tokonoma. Nous vous invitons à venir découvrir un premier statement, avant que ce processus de création collective ne reprenne. Il ne se terminera que le 30 septembre.

Jacqueline Mesmaeker (Franz Hals / Paul Claudel)

Après son premier solo à la galerie fin 2011/2012, alors qu’elle est l’invitée d’Olivier Foulon au Wiels à Bruxelles dans le cadre de Un-Scene II et qu’elle exposera durant l’été aux côtés de Peter Downsbrough et de Philippe Durant au Musée des Arts Contemporains du Grand Hornu dans le cadre de l’exposition « Le Miroir et les Chemins » (commissaire Denis Gielen), Jacqueline Mesmaeker dévoile une œuvre à la galerie : « Franz Hals / Paul Claudel », réactivation d’un travail montré en 1990 au Franz Hals Museum de Haarlem. Jusqu’au 15 août.

Valerie Sonnier (Faire le photographe)

Le public de Art Brussels a pu découvrir quelques uns de ses dessins. En voici d’autres. Ainsi qu’un livre, récemment publié aux Editions Yellow Now, avec des textes de Bruno Girveau et Dominique Païni : « Le Cahier des morts minuscules ».

Dans les premières pages des Cahiers de Malte Laurids Brigge, Rainer Maria Rilke écrit : « On savait jadis (ou peut-être sentait-on) que l’on avait la mort en soi tel un noyau dans le fruit. Les enfants avaient une petite mort en eux, les adultes une grande. » […]
C’est peut-être l’idée d’une échelle réduite de la mort qui a conduit Valérie Sonnier à réaliser ces séries de dessins, il y a maintenant un peu plus de vingt ans, pour l’éloigner, cette mort, la rendre moins terrifiante, jouer avec elle. Jouer, ce n’est pas autre chose que s’emparer d’un monde en modèle réduit pour s’en rendre maître. Or, seuls les jouets permettent d’appréhender le monde des adultes tout en s’en préservant.

Née en 1967, Valérie Sonnier vit et travaille à Paris.
Elle est professeur de dessin et de morphologie aux Beaux-arts de Paris depuis 2003. Diplômée de cette même école en 1993, elle a suivi le séminaire de Jeff Wall à l’Université de British Columbia à Vancouver pendant la dernière année de son cursus. Elle développe, depuis, un travail personnel à travers une pratique multimédia. Elle utilise le dessin, la peinture, la photographie et le film Super 8 pour tisser des liens entre ses souvenirs intimes et la mémoire collective de l’enfance, et pour aborder les notions de présence, absence, apparitions fantomatique.
Exposition à la galerie jusqu’au 15 août. Signature du livre le 28 juin.

Durant l’été, jusqu’au 15 août, la galerie est accessible sur Rendez Vous. 00.32.4.227.19.91 – 00.32.475.90.52.26.

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