Archives de catégorie : John Murphy

BAD+ Bordeaux, Valérie Sonnier, John Murphy, preview

Valérie Sonnier
Le bassin des Beaux-Arts (I), 2024
Fusain et acrylique sur papier coréen, 150 x 210 cm
Valérie Sonnier
Le bassin des Beaux-Arts (II), 2024
Fusain et acrylique sur papier coréen, 150 x 210 cm

Jean Auguste Dominique Ingres, Jacques-Louis David, Charles Garnier, Géricault, Jean-Baptiste Carpeaux, André Dunoyer de Segonzac, Brancusi, César, Delacroix, Henri Matisse, André Masson, Gustave Moreau se sont certainement promené par ici. François Mansart, Charles Lebrun ou André Le Nôtre aussi. Tous trois ont participé à l’embellissement des lieux. Nous sommes dans le jardin de l’Hôtel de Chimay, propriété de l’École des Beaux-Arts de Paris, là même où Valérie Sonnier enseigne le dessin morphologique depuis 2003. Il était logique, voire attendu, qu’elle se mette un jour en quête de l’esprit des lieux.

John Murphy
In their own dark, 2015
Photocopy, gouache, pen and ink on board, 46 x 54 cm

John Murphy s’est également intéressé aux dessins des Tiepolo et à la figure même de Pulcinello, cette collection de personnages, car Pulcinello est multiple et même nombreux, tout en étant, en quelque sorte, qu’une seule existence qui mange des gnocchis et fait des lazzis, toutes ces sortes de plaisanteries burlesques, grimaces et gestes grotesques. Déjà en 2006, alors qu’il fait sienne cette image extraite de La Grande Bouffe, la « grande abbuflata », de Marco Ferreri (1973), séminaire gastronomique et suicide collectif de quatre hommes fatigués de leurs vies ennuyeuses et de leurs désirs inassouvis et qui bouffent dès lors jusqu’à ce que mort s’ensuive, John Murphy rapproche ce plan où l’on voit Ugo Tognazi s’apprêtant à donner la pâtée à Michel Piccoli de quelques dessins des Tiepolo, père et fils, Giambattista et Giandomenico : des Pulchinello masqués, ventrus, pansus, bossus, constamment occupés à cuisiner des gnocchis, à les manger, à les digérer, à les déféquer. Plus récemment, John Murphy a sélectionné une série des dessins de la vie de Pulcinello, ce divertissement pour les jeunes gens. Tout l’art de Murphy consiste à rassembler une constellation de signes révélateurs d’une expérience poétique. Il dialogue sans cesse avec des œuvres existantes provenant pour la plupart d’un corpus littéraire, pictural, cinématographique. En ce cas, il a fait des copies de certains de ces dessins de Giandomenico Tiepolo et les a masqué, les recouvrant du sfumato d’une couche de gouache blanche. Ensuite, à la plume, il a retracé les motifs sous-jacents qui l’intéressent, comme s’il désirait nous révéler le secret de Polichinelle, sans aucun doute Pulchinello lui-même, affublé de son masque, doté de son gros nez crochu, portant sur la tête un étrange chapeau, sommet de sa difformité, revêtu de son costume blanc et spectral, confondu à la gouache, personnage grotesque, touchant et effrayant à la fois, sans cesse au bord de la chute entre une invivable tragédie de la destinée et le comique des situations, la comédie comme inéluctable répétition du caractère. A la fois, Murphy ravive le souvenir des dessins de Domenico Tiepolo, les révèle et s’en écarte, les efface, ne conservant que ce qu’il estime nécessaire à son propos. La compagnie des polichinelles s’affaire et s’agite, se montre du doigt. Rien pourtant n’empêchera la perte, la chute, la fin en soi. Le sublime et le grotesque se côtoient, l’un et l’autre évoquent la finitude de la condition humaine, ce dévalement de la vie qui se dissout dans la multiplicité et l’affairement.

Art Brussels 2024, les images

Aglaia Konrad
I love Rückbau, 2020
Video, color, sound, flatscreen, 16:9 vertical, 19 min.
 
Aglaia Konrad
Footnote 1. CAT, 2020
Digital print, clip frame, 42 × 30 cm
 
Aglaia Konrad
Footnote 3. Concrete, 2020
Digital print, clip frame, 42 × 30 cm
 
Aglaia Konrad
Footnote 2. Rückbaukristall, 2015
Digital print, clip frame, 42 × 30 cm
Michiel Ceulers
“Your clock will never fade like a flower (ah non je ne fais plus ça)”, 2024
oil, gloss, spray paint, wooden pieces, perspex, collage on canvas and wooden panel
60 × 103 cm
Suchan Kinoshita
Hängen Herum No. 5/6, 2023
metal, JBL flip essential, son

John Murphy
Selected works #2, #3, #6, #23, 1973
musical partitions, vitrine, h.99 cm
Jacqueline Mesmaeker
Contours clandestins, 2020
crayon sur papier, (10) x 42 x 29,7 cm
Aglaia Konrad
Shaping Stones, 2023
Impression sur bâche
Exhibition view
Alevtina Kakhidze
Sans titre, 2023
technique mixte sur papier, 20,5 x 15 cm, 2023
Michiel Ceulers
Immer Realistischere Malerei / Je cherche quelqu’un, 2024
Oil, acrylic and acrylic mirrors on canvas in found frame, 64 x 52 cm (4500) 
Benjamin Monti
Sans titres, de la série Miniatures, 2020 – 2022. 
Collages de photocopies, 9 x 9 cm (encadrés 25,5 x 18,5 cm)
Michel Assenmaker
Florence Delay, 2022
Collage, documents, 37,5 x 47 cm
 
Michel Assenmaker
Blumen, 2022
Collage, documents, 37,5 x 47 cm
 
Michel Assenmaker
Sans titre, 2021
Collage, documents, 37,5 x 47 cm
 
Michel Assenmaker
Berthe, 2021
Collage, documents, 37,5 x 47 cm
John Murphy
Portrait of the Artist as a Deaf Man, 1996
Framed photographic print, 70 x 60 cm
Michiel Ceulers
Pierre, Jacques et Jean endormis (thirty pieces of silver running away), 2024
Oil, spray paint, pigment and caulk on canvas / artist made frame; oil & caulk on canvas on wood, staples, 88 x 77 cm

Art Brussels, preview, John Murphy, Suchan Kinoshita, Michiel Ceulers

One of ltalo Calvino’s ‘Six Memos for the Next Millenium’ is concerned with the question of ‘lightness’. Quoting the De Rerum Natura of Lucretius, he muses on the idea that knowledge of the world tends to dissolve its solidity, leading to a perception of ail that is infinitely light and mobile. He talks, too (for these essays were conceived as lectures), of ‘the sudden agile leap of the poet-philosopher who raises himself above the weight of the world, showing that with all his gravity he has the secret of lightness. Lucretius, he tells us, is a poet of the physical and the concrete, who nonetheless proposes that emptiness is as dense as solid matter. Just so, as lightness is inseparable from precision and determination. ‘One should be light like a bird, and not like a feather’, said the poet Paul Valéry.

If lightness has to do with the subtraction of weight, then this body of work by John Murphy is light. Several of these canvases carry merely the delineation of an ear; the others refer to the state of being that remains when all weight has been removed. ‘Selected Works’, blank music paper bound and displayed in vitrines, push that liminal state a step further into the unknown, for they exist in a permanent state of potentiality, somewhere between birth and death.

A point of entry into this weightless world may be through ‘A Portrait of the Artist as a Deaf Man’, a recent work based on a painting by Sir Joshua Reynolds. To those who are in possession of all their senses, the condition of deafness, like that of blindness, can suggest both isolation and an acute awareness of an inner world. ln conjunction with ‘Selected Works’, are we to suppose that the artist, within himself, hears echoes of Baudelaire’s « La Musique », which was inspired by the work of the deaf composer, Beethoven? (‘l feel all the passions of a groaning ship vibrate within me, the fair wind andthe tempest’s rage cradle me on the fathomless deep- or else there is a fiat cairn, the giant mirror of my despair’). But perhaps he can hear nothing at all?

There is solitude in John Murphy’s work, as well as a little irony and a touch of the comic. (Calvino, again, remarks that ‘melancholy is sadness that has taken on lightness. Humour is comedy that has lost its bodily weight’). The space in these paintings is unidentifiable; it is neither close nor distant. So, too, is their colour, which is poised but unstable. Pink passes into blue; blue passes into pink.

Music and the metaphysical are seldom far apart. It is in and through music that many of us feel most intimately in the presence of meaning that cannot verbally be expressed. Murphy’s ‘Selected Works’ are either so full of meaning that they are inexpressible or, quite plainly, they have never existed. Like his paintings, the ‘Selected Works’ invoke the aesthetics of the sublime; they present the unpresentable to demonstrate that there is something conceivable which is not perceptible to the senses. The experience of the sublime, according to Kant, accords us simultaneous grief and pleasure, because it both opens and conceals. The sublime impedes the beautiful; it destabilizes good taste.

Francois Lyotard, who has written about a connection between the aesthetics of the sublime and postmodernism, suggests that it is the business of contemporary culture to invent allusions to the conceivable that cannot be presented – not to enjoy them but to impart a new sense of the unpresentable. Calvino makes a comparable point, more wonderfully. ‘Think what it would be like to have a work conceived from outside the self, he writes, ‘a work that would let us escape the limited perspective of the individual, not only to enter into selves like our own but to give speech to that which has no language, to the bird perching on the edge of the gutter, to the bee in spring and the tree in fall, to stone, to cement, to plastic… ‘. John Murphy conveys to us the activity of absence – its force and inner vitality.

John Hutchinson

Dublin, August 1996.

By titling her exhibition “Architectural Psychodramas,” Suchan Kinoshita effectively provides the salient keywords that lead to a possible mode of reception. Kinoshita invariably eschews fixed categories and definitions; she loves the changeable and the speculative. For her, architecture is built space, environmental space that influences us, but also some- thing that we shape. “Psychodramas,” experiences, memories and emotions stick to it, but without necessarily congealing; they remain changeable. This understanding of time and space, replete with the subject-object groupings and contexts of meaning that are constantly updated within it, also resonates recognizably in her background in music and performance art. The individual elements in the exhibition are not given one single role or meaning. Rather, it is about their “potential as objects,” as Eran Schaerf described it in the catalogue for Kinoshita’s exhibition at Museum Ludwig, Cologne (2010). As a result, there are countless connections to be discovered between the totality of the assembled elements, which coalesce and condense in a number of themes and ideas, no sooner to jump into another context once more. (…)

Suchan Kinoshita produce sounds  with the help of birdcalls. She presents them via instruments, made with by hand and with incredible creativity, in a kind of aviary, thus also adhering to the principle of granting a physical presence to the acoustic components of the exhibition. These objects, too, are architectures in Kinoshita’s understanding, since they form a dwelling place for sound. And this brings us back to the never-ending topic of change- ability: when Kinoshita deploys birdcalls, it is by no means to imitate them. Instead, it is about the creation of something new. Just as it is with every memory, every object, every word.

Kristina Scepanski,  introduction to the exhibition « Architektonische Psychodramen » Westfälischer Kunstverein, 2022.

Luxembourg Art Week, 2023, les images (1)

John Murphy, The Deceptive Caress of a Giraffe, 1993, oil on canvas, 264 x 168 cm
ohn Murphy
On the Way… Are you dressed in the map of your travels? 2003
Stuffed parrot, post card and stand. Parrot: 24 x 32 x 23 cm, stand: 83 x 73x 3,5 cm, framed postcard. 86,5 x 74,5 x 3,5 cm.
John Murphy, Words fall like stones, like corpses, 2015. Photocopy, gouache, pen and ink on board , 48 × 54 cm
Loïc Moons
Sans titre, 2023
Mixed media on canvas, 140 x 122 cm.
Loic Moons, Sans titre, 2023

Luxembourg Art Week, preview, John Murphy

John Murphy
The Deceptive Caress of a Giraffe, 1993
oil on canvas, 264 x 168 cm

La surface des peintures de John Murphy fait penser à une membrane, un rideau doux et translucide qui dissimule de grandes parties de ce qu’il couvre alors que des détails subtils nous parviennent d’un autre monde. Dans The Deceptive Caress of a Giraffe (1993), un ton orange indéterminé recouvre la grande toile tandis qu’en haut, à droite, les oreilles de deux girafes émergent. Un regard attentif permet de voir que les girafes s’enlacent dans une étreinte apparente de leurs deux cous Toutefois, le mouvement en soi n’est autre qu’une tentative de domination de l’une sur l’autre. La couleur est une superposition de fines couches « tachetées ». Sa densité semble transparente, presque immatérielle, ce qui fait que l’image fantomatique de la girafe suscite l’impression qu’elle flotte dans un espace indéfinissable. (Mélanie Deboutte)

John Murphy
On the Way… Are you dressed in the map of your travels?  2003
Stuffed parrot, post card and stand. Parrot: 24 x 32 x 23 cm, stand: 83 x 73x 3,5 cm, framed postcard: 
86,5 x 74,5 x 3,5 cm.

Le texte occupe une dimension cruciale dans l’ œuvre de Murphy Le titre est une entité autonome, physiquement séparée de l’œuvre – l’image, l’objet – et les deux coexistent sur un pied d’égalité. Les titres sont des extraits de textes existants, ils sont reconnaissables, mais difficiles à situer. Prenons On the Way. Are you dressed in the map of your travels ? (2003) le titre est aussi apposé en écriture manuscrite sur l’espace blanc qui entoure l’image encadrée, une carte postale trouvée représentant une mappemonde. Un perroquet empaillé, également un élément « recyclé », observe l’image à distance, figé dans le temps et l’espace. Comme souvent, le titre exprime un certain désir, un intérêt pour la sensualité, un penchant pour le toucher physique et mental. Chiens, girafes, un perroquet empaillé, les animaux apparaissent sous diverses formes dans son œuvre. Ils témoignent de l’intérêt que Murphy porte à la zoologie, outre l’inspiration qu’il puise dans la botanique, la cosmologie et l’histoire de l’ art.

John Murphy, History Tales. Fact and Fiction in History Painting, Akademie der bildenden Künste Wien, les images

John Murphy
The Joseph Conrad serie, 2003
Etching on offset and serigraphy (text), 85 x 101 cm. 

Dans The Joseph Conrad Series (2003), John Murphy reproduit 26 fois l’image d’un trois-mâts, chaque fois avec un titre différent. Il s’agit d’une photographie trouvée que l’artiste a récupérée. À partir de l’intérêt qu’il porte à la répétition, Murphy souhaite stimuler l’ œil du spectateur à chercher des similitudes et des différences, que seuls les titres contiennent. L’artiste ouvre à notre imaginaire un espace entre le mot, l’image et l’objet. Le bateau sur la photo porte le nom de Joseph Conrad, l’écrivain polonais-anglais connu pour ses récits de voyage qui se déroulent souvent en mer et s’articulent autour de valeurs morales et de solitude. Avec des titres comme E la nave va, Movement of the internai being et North of the future, John Murphy partage les sensibilités subtiles propres à son œuvre. Avec un raffinement froid, il crée une atmosphère mélancolique qui s’apparente à la saudade des chants de marins portugais. Le sentiment de manque est vague par essence et sa viscosité fait qu’il colle à l’âme. En même temps, le voyage promet de l’aventure, un déplacement dans le temps et dans l’espace et de nouveaux horizons. (Mélanie Deboutte)

John Murphy, History Tales. Fact and Fiction in History Painting, Akademie der bildenden Künste Wien

John Murphy, The Konrad Serie, Etching on offset and serigraphy, 85 x 101 cm,
2003

John Murphy participe à l’exposition History Tales. Fact and Fiction in History Painting à l’Akademie der bildenden Künste Wien 

In autumn 2023, the exhibition History Tales. Fact and Fiction in History Painting will focus on the representation of history with respect to narratives governing national identities. How is the rise and fall of civilizations presented historically? How has human hubris been allegorized in history paintings since the 17th century? And what have been the changes in depictions of myths, heroes and heroines, rulers male and female, and decisive historical events up to the present day – in the light of technological change and the invention of photography and film?

The exhibition examines the history painting with a view to the historical Art Collections – Paintings Gallery, Graphic Collection, Plaster Cast Collection – on the one hand and works by contemporary artists on the other. In so doing, it will shed light on the capacity of the history painting and its variations in the media age to oscillate iridescently between fact and fiction and its potential for focusing on historicity as an artistic theme in its own right.

Venue: Academy of Fine Arts Vienna, Paintings Gallery, Schillerplatz 3, 1010 Vienna.

27.9.2023–26.5.2024  Daily except Monday, 10–18 h

More information about the content of the exhibition can be found in the > Press Release pdf
 

John Murphy, Deep Deep Down, présentation de la collection, MUDAM, Luxembourg

John Murphy, A Clearer Conception of Vision, fig.1, fig.é, fig.3, fig.4, 1992 (photo : Remi Villaggi)

John Murphy participe à l’exposition Deep Deep Down, présentation de la collection, au MUDAM à Luxembourg. Commissaires : Shirana Shahbazi et Tirdad Zolghadr.

Soyons clairs : l’objectif n’est pas d’être critique. Ce qui est plus urgent, c’est d’essayer de transformer la collection en quelque chose que l’on peut saisir intellectuellement et physiquement. L’idée est de faire de cette invention étrange, spectaculaire, foisonnante et intimidante de la modernité européenne que nous appelons collection publique une expérience, quelque chose qui aille au-delà de l’inventaire ou du communiqué de presse.

Plus d’informations sur le site du musée. 

The Galleries Show IV, Antwerpen, les images

The galleries Show IV, Antwerpen
John MURPHY
The work of art is… A.J. J.M.
1977
John Murphy
The Joseph Conrad serie, 2003
Etching on offset and serigraphy (text),
85 x 101 cm. Ed. of 2.
The galleries Show IV, Antwerpen
Loïc Moons
Sans titre, 2023
Huile sur toile, 101 x 81 cm et 162 x 125 cm
Jacqueline Mesmaeker
Couloir, 2023
Technique mixte sur papier
Jacqueline Mesmaeker
Contours clandestins, 2022
crayon gris, feutres colorés,
crayons colorés sur papier
(9) x 29,7 x 21 cm

The galleries show IV, Antwerpen, John Murphy

John Murphy
Movement of the internal being (The Joseph Conrad serie), 2003
Etching on offset and serigraphy (text), 85 x 101 cm.  Ed. of 2.

Dans The Joseph Conrad Series (2003), John Murphy reproduit 26 fois l’image d’un trois-mâts, chaque fois avec un titre différent. Il s’agit d’une photographie trouvée que l’artiste a récupérée. À partir de l’intérêt qu’il porte à la répétition, Murphy souhaite stimuler l’ œil du spectateur à chercher des similitudes et des différences, que seuls les titres contiennent. L’artiste ouvre à notre imaginaire un espace entre le mot, l’image et l’objet. Le bateau sur la photo porte le nom de Joseph Conrad, l’écrivain polonais-anglais connu pour ses récits de voyage qui se déroulent souvent en mer et s’articulent autour de valeurs morales et de solitude. Avec des titres comme E la nave va, Movement of the internai being et North of the future, John Murphy partage les sensibilités subtiles propres à son œuvre. Avec un raffinement froid, il crée une atmosphère mélancolique qui s’apparente à la saudade des chants de marins portugais. Le sentiment de manque est vague par essence et sa viscosité fait qu’il colle à l’âme. En même temps, le voyage promet de l’aventure, un déplacement dans le temps et dans l’espace et de nouveaux horizons. (Mélanie Deboutte, dans le catalogue de l’exposition du musée Raveel)

John Murphy
Controlled Bleeding, 1993
Huile sur toile, 82 x 76 cm