The pretty faces of apostles

I think of Ludwig Feuerbach, disciple and critic of Hegel, of this passage which Guy Debord did not hesitate to highlight in his “Société du Spectacle” (Society of the Spectacle) in 1967: “No doubt our time prefers the image to the thing, the copy to the original, representation to reality, appearance to being, writes the philosopher. What is sacred to him, is only illusion, but what is profane, is the truth. Better still, sacredness grows in his eyes as truth decreases and illusion increases, so that the highest degree of illusion comes to be the highest degree of sacredness.” Sophie Langohr has perfectly perceived this dialectic, this dichotomy – and confusion – between illusion and sacredness, even to the point of profanation, I would say, in the full sense of the term: to make the holy and pious image even more profane than it is, to reduce this image, while sublimating it, into an image of desire and happiness than can only be desired without ever attaining it. This glorious body, the body of the Blessed, the resurrection of the flesh, would it be that of the Christian resurrection or of a rampant ageism, a starified ideal, an iconizing paradigm, arty, crowned with both the glory and mystery of creation and transfiguration?

The question arises in the context of the new series of images produced by Sophie Langohr. After having transfigured the muses of fashion in virgins and saints, here she reverses the process and revamps the Fathers of the Church! And this time, it is a homogeneous set of fourteen polychrome sculptures of the 17th century, the happy compromise between a late Gothic and a measured Baroque style, that the artist appropriates. Sophie Langohr uses all the artifices of professional shooting and studio work to transfer all the glory and fame of the models, celebrities and models of today to these saints carved by Jeremias Geisselbrunn in around 1640 for the church of the Miners in Cologne, now standing at the pillars of the church of Saint Nicolas in Eupen. Here are the icons of the Apostles, posing for this unexpected second (of) eternity. The casting is rather curious, to say the least.

Apart from the apostle John who is, of course, the youngest, all these apostles are bearded, wise and in the fullness of life. Sophie Langohr has, in this respect, fashion and trends to thank for: thanks to the hipsters, advertising today is full of bearded and hairy men. Shaggy hair is all the rage. The hipster is actually “trendy”, his look is stylishly neglected, he sports a dishevelled hairstyle; hirsuteness is actually essential, to the point where some get hair implanted at great expense. The hipster is an “early adopter” who buys quickly and turns away even faster, from the moment he finds that what he consumes has become too common. Hipsters are therefore well known to the marketers who sell them what they think they invent. This is a target which advertising presents as an icon of modernity. As a phenomenon of the new century, the hipster is about to be dethroned. The webzines and social networks announce – and orchestrate – the arrival of “Normcore” in the fashion world. The phenomenon, whose name derives from the contraction of the words normal and hard-core, is based on the “non-style”; the aim is to express specialness to the point of sameness. Be crazy, be normal, look like a teenager from the early 90s or, if you are fifty or more, like Steve Jobs himself. This will make the heyday of black turtlenecks and straight-legged and faded blue jeans .

But back to our bearded men of advertising which Sophie Langohr has tracked on the net. The issues are not the same as with the muses of New Faces. Here, there is no question of smoothing the image down to the pixel; everything has to do with the expression, an artificial natural air corrected under the lights of the shoot and during the postproduction of the images. The care of the self, to use the terms dear to Foucault, the ego business, the staging and eroticisation of the appearance, the self esteem, hedonism, tribal fusion, the rational and the passionate: the male icons of advertising must above all be charismatic. These are style icons. This time, Sophie Langohr, confronting the apostles with the icons of fashion, sought similarities, affinities in the traits and attitudes, and photographed the faces of statues as if they were stars and models. The shooting has since taken over the infographical treatment; the artist only gave the pretty faces of these apostles some basic facial care. From that point on, blur, grain and backlight are all that is needed. Advertising has since long understood: “the starting point is absolute blackness, wrote Gérard Blanchard already in 1968 in Les Cahiers de la Publicité about the eroticisation of advertising, because the myths are more or less laced with shreds of night. The artifices of photography, soft focus, lighting and backlight are all ways to give the image an ambiguous air of interpretation. The Amphitrite of advertising is born at night.” The recipe still works.

So here we have St. Peter, as the false fraternal twin of Philip Crangi, a New York jeweller who uses historical quotes, ancient artefacts, Japanese armour, baroque silverware in his urban, punkish and ethnic creations. St. Matthew, the dark introverted one, has only to get a tattoo of a living dead on the shoulder or a Christ-like face crowned with thorns on the arm to fully resemble the Greek model Dimitris Alexandrou. Largely forgotten despite his prestige in the early church, James the minor was the leader of the Church of Jerusalem and wrote one of the apocryphal gospels. In life, we need to be able to bounce back, revive ourselves, says Aiden Shaw, writer and composer turned model after scouring the gay porn studios in Los Angeles, a route that has enabled him to enact the figure of the old dandy whose experiences make for a great face. He apparently enjoys cult status and his latest music video is called « Immortal ». Martin Scorsese has directed St. Paul while shooting the short film for Blue Channel, a veritable turnip by the way. Simon the Zealot and Jeremy Irons will have to choose: all that is needed is a cosmetic surgery on a nasal appendage for the one to pass as the other. Lee Jeffries photographs the faces of the homeless in major cities: his features are a perfect match with those of Saint Andrew. Model Mariano Ontanon has the look of the Latin lover, even if he just grew his beard for Givenchy’s Fall/Winter 2013 campaign. And now he looks like Saint Bartholomew. Among these diptychs, there is one particular exception to the rule of the portrait: Sophie Langohr has appropriated a profile photograph of Thomas Medard, a young singer from Liège, photographed by Gilles Dewalque. From the front he looks like Saint Thomas, you have to see it to believe it.

Sophie Langohr profaner? Yes, in the sense that – without secularising them, quite the contrary – she desacralizes the faces of saints by placing them under the lights of the current media illusions. Yes, since she appropriates their use, abolishing all separations through a subjective photographic practice that is quite opposite to the usual documentary truth when it comes to photographing works of art. Sophie Langohr somehow takes the works of Jeremias Geisselbrunn out of the museum.

By confronting works of the past, distant auratics in the sense understood by Walter Benjamin, with immediate, virtual images, gleaned on the Internet, her works make us aware of the collapse of distance and the intense proximity within which we live. Undoubtedly, the works of art of the past are no longer seen by artists as a repertoire of subjects or models to imitate or rebel against; “they appear under the guise of an “already there”, a familiar environment whose components are just as real and current as any everyday object.” The artist, and this is good, experiences them as material, interacts with them, uses them as tools. Indeed, he rediscovers their use.

[sociallinkz]

Saint Matthieu par Gérémie Geisselbrunn (1595 – 1660) photographié comme Dimitris Alexandrou par Errikos Andreou, de la série Glorious Bodies, photographies noir et blanc marouflées sur aluminium, 2 x (33 x 45cm), 2013 -2014

DE BELLES GUEULES D’APôTRE

Je repense à Ludwig Feuerbach, disciple et critique de Hegel, à cet extrait que Guy Debord n’hésita pas à placer en exergue de sa « Société du Spectacle » en 1967 : « Et sans doute notre temps préfère l’image à la chose, la copie à l’original, la représentation à la réalité, l’apparence à l’être, écrit le philosophe. Ce qui est sacré pour lui, ce n’est que l’illusion, mais ce qui est profane, c’est la vérité. Mieux, le sacré grandit à ses yeux à mesure que décroît la vérité et que l’illusion croît, si bien que le comble de l’illusion est aussi le comble du sacré ». Sophie Langohr, a parfaitement perçu cette dialectique, cette dichotomie – et cette confusion – entre illusion et sacré, jusqu’à la profanation, dirais-je, dans le plein sens du terme : rendre l’image sainte et pieuse plus profane encore que ce qu’elle est, réduire cette image, tout en la sublimant, à une image du désir et du bonheur que n’on ne peut que désirer sans jamais l’atteindre. Corps glorieux, corps du Bienheureux et de la Bienheureuse, celui de la résurrection de la chair, serait-ce celui de la résurrection christique ou celui d’un jeunisme effréné, d’un idéal starifié, d’un modèle égériaque, « arty », auréolé de toute la gloire et du mystère de la création comme de la transfiguration ?

La question se pose devant la toute nouvelle série d’images produites par Sophie Langohr. Après avoir transfiguré les égéries de la mode en vierges et saintes, voici qu’elle renverse le processus et relooke les Pères primitifs de l’Eglise ! Et cette fois, il s’agit d’un ensemble homogène de quatorze sculptures polychromes du 17e siècle, heureux compromis entre le gothique tardif et un baroque mesuré que l’artiste s’approprie. Sophie Langohr use de tout l’artifice du shooting et du travail en studio afin d’imposer toute la gloire et la célébrité des mannequins, stars et modèles actuels aux saints sculptés par Gérémie Geisselbrunn vers 1640, destinés à l’église des Mineurs de Cologne et aujourd’hui campés aux piliers de l’église Saint-Nicolas d’Eupen. Voici les icônes des apôtres posant pour cette inattendue seconde (d’)éternité. Le casting est pour le moins singulier. A part l’apôtre Jean, bien sûr, le plus jeune, tous sont barbus, sages et dans la plénitude de la vie. Et Sophie Langohr peut, à ce sujet, rendre grâce à la mode et la tendance : grâce aux hipsters, la publicité est aujourd’hui pleine de barbus et chevelus. Le poil en bataille à la cote. Le hipster est effectivement « tendance ». Son look est faussement négligé, sa coupe de cheveux est déstructurée, le port du poil est indispensable, quitte même à se le faire implanter à grands frais. C’est un « early adopter », qui achète vite et se détourne encore plus vite, dès le moment où il juge que ce qu’il consomme devient trop commun.
Les hipsters sont bien connus des marketeurs qui leur vendent ce qu’ils croient inventer. C’est donc une cible que la publicité présentera comme une icône de la modernité. Phénomène de ce début de siècle, le hipster est en passe de se faire détrôner. Les webzine et réseaux sociaux annoncent – et orchestrent – l’arrivée du « Normcore » dans la sphère fashion. Contraction des mots normal et hardcore, le phénomène se base sur le « non-style », l’objectif étant d’être tellement différent qu’on en devient normal. Soyez fou, soyez normal, vous ressemblerez à un ado du début des années 90 et, pour les quiquas ou plus, à Steve Jobs, soi-même. Cela fera les beaux jours des cols roulés noirs et des jeans bleus, droits et délavés.

Mais revenons-en à nos barbus de la pub que Sophie Langohr a traqué sur le net. Les enjeux ne sont pas les mêmes que pour les égéries des «New Faces ». Ici, il n’est plus question de scruter le lissage de l’image au pixel près ; tout se joue dans l’expression, un faux naturel corrigé sous l’éclairage du shooting et lors de la postproduction des images. Le souci de soi pour reprendre les termes chers à Foucault, l’égo business, la mise en scène et l’érotisation de l’apparence, le self estime, l’hédonisme, la fusion tribale, le rationnel et passionnel : les icônes masculines de la publicité se doivent d’être avant tout charismatiques. Ce sont des icônes du style. Cette fois, Sophie Langohr, confrontant les apôtres et les icônes de la mode a recherché les ressemblances, les affinités dans les traits et les attitudes et a photographié les visages des statues comme s’il s’agissait de stars et mannequins. Le shooting a dès lors pris le dessus sur le traitement infographique ; l’artiste a juste dispensé quelques soins du visage à ces belles gueules d’apôtre. Floutage, grain, contre-jour sont dès lors parfaitement efficients. La publicité l’a compris depuis longtemps : « Il faut partir du noir absolu, écrivait déjà Gérard Blanchard en 1968 dans « Les Cahiers de la Publicité » à propos de l’érotisation de la publicité, car les mythes sont plus ou moins entremêlés de lambeaux nocturnes. Les artifices de la photographie, le flou artistique, l’éclairage en faisceau, le contre-jour sont autant de manière de donner à l’image une marque équivoque d’interprétation. L’Amphitrite publicitaire nait la nuit ». La recette fonctionne toujours.

Voilà donc saint Pierre faux jumeau de Philip Crangi, un orfèvre new-yorkais qui use de la citation historique – artefacts antiques, armures japonaises, orfèvrerie baroque –, dans ses créations urbaines, punk et ethniques. Saint Matthieu, l’introverti ténébreux, n’a plus qu’à se faire tatouer une morte vivante sur l’épaule ou un visage christique couronné d’épines sur le bras pour s’identifier totalement au mannequin grec Dimitris Alexandrou. Grand oublié malgré son prestige dans l’Eglise primitive, Jacques le Mineur fut chef de file de l’Eglise de Jérusalem et écrivit l’un des évangiles apocryphes. Dans la vie, il faut pouvoir rebondir, renaître de soi-même, tel Aiden Shaw, écrivain, compositeur, reconverti dans le mannequinat, après avoir écumé les studios de porno gay à Los Angeles, un itinéraire qui lui permet aujourd’hui de camper la figure de l’old dandydont le vécu vaut la tête bien faite. Il est culte paraît-il et son dernier clip s’appelle « Immortal». Martin Scorsese a dirigé saint Paul lors du tournage du court-métrage pour Bleu de Chanel, un navet soit dit en passant. Simonle Zélote et Jérémie Irons devront choisir : il ne manque qu’une opération de chirurgie esthétique de l’un ou l’autre appendice nasal, pour que l’un puisse se faire passer pour l’autre. Lee Jeffries photographie les visages des sans domicile fixe des grandes villes : le mimétisme est parfait avec le visage de saint André. La mannequin Mariano Ontanon a le look du latin lover, mais c’est juste pour la campagne automne/hiver 2013 de Givenchy qu’il s’est laissé pousser la barbe. Ainsi ressemble- t-il à saint Barthélémy.

Parmi ces diptyques, l’un déroge de façon singulière à la règle du portrait : Sophie Langohr s’est approprié une photographie de profil de Thomas Médard, ce jeune chanteur liégeois, photographié par Gilles Dewalque. De face, c’est saint Thomas qui apparaît, il faut le voir pour le croire. Sophie Langohr serait-elle profanatrice ? Oui, dans le sens où, sans les séculariser, bien au contraire, elle désacralise ces visages de saints, les plaçant sous les feux des actuelles illusions médiatiques. Oui, puisqu’elle s’en octroie l’usage, abolissant toutes les séparations par la mise en oeuvre d’une pratique photographique subjective opposée à la vérité documentaire usuelle lorsqu’il s’agit de photographier des oeuvres d’art. Sophie Langohr « démuséalise », en quelque sorte, les oeuvres de Gérémie Geisselbrunn. Confrontant des oeuvres du passé, lointaines auratiques, au sens où Walter Benjamin l’entend et des images immédiates, virtuelles, glanées sur internet, ses travaux nous font prendre conscience de cet effondrement de la distance et de l’intense proximité dans laquelle nous vivons. Sans aucun doute l’oeuvre d’art du passé n’est plus aujourd’hui perçue par les artistes comme un répertoire de sujets ou de modèles à imiter ou à combattre ; « elle apparaît sous les traits d’un ‘déjà-là’, d’un environnement familier dont les composantes s’avèrent tout aussi réelles et actuelles que tout objet du quotidien ». L’artiste, et c’est tant mieux, les éprouvent comme matérielles. Il dialogue avec elles, il les utilisent comme outils. En fait, il en retrouve l’usage.

Saint André par Gérémie Geisselbrunn (1595 – 1660) photographié comme un sans abri par Lee Jeffries, de la série Glorious Bodies, photographies noir et blanc marouflées sur aluminium, (33 x 33) et (33 x 31cm), 2013 -2014.

Saint Jacques le mineur par Gérémie Geisselbrunn (1595 – 1660) photographié comme Aiden Shaw par Kalle Gustafsson pour Uniforms for the dedicated , de la série Glorious Bodies, photographies noir et blanc marouflées sur aluminium, 2 x (80 x 53 cm), 2013 -2014.

[sociallinkz]