Archives mensuelles : septembre 2013

Benjamin Monti, Alternatives, Bandes dessinées contemporaines / Maison des arts de Cajarc

Cible 1 (Ce que devient l’enfant) – Planche inédite (Recto) – 2013. Encre de chine sur papier, 29,7cm X 42 cm.

Les influences entre bande dessinée et art contemporain ne sont plus à prouver depuis que la porosité entre ces deux mondes s’est exposée sur les murs des villes et dans les espaces d’exposition. Le centre d’art contemporain accueille pour la première fois des représentants du 9e art qui pratiquent cette hybridation des genres. L’exposition articule leurs propos comme un scénario in progress, le récit d’un voyage au cœur de la création dessinée. Les supports traditionnels – et notamment le livre et l’album – s’émancipent et cherchent de nouvelles formes dans l’exposition. La bande dessinée conquiert l’espace avec des volumes, des papiers peints, des vidéos… pour imaginer d’autres alternatives aux univers du récit dessiné.

avec STÉPHANE BLANQUET, JOCHEN GERNER, DOMINIQUE GOBLET, BENOÎT JACQUES, ETIENNE LÉCROART, LOLMÈDE, MANUEL, GÉRARD MARTY, FRANCIS MASSE, BENJAMIN MONTI, MOOLINEX, LES REQUINS MARTEAUX, RUPPERT ET MULOT, AURÉLIE WILLIAM-LEVAUX

Vernissage samedi 21 septembre 2013, à 18h30.
Commissariat Camille Escoubet et Martine Michard, historien de l’art pour la bande dessinée; exposition associée à Graphéine, saison du dessin contemporain à Toulouse.

La Maison des arts Georges Pompidou, association loi 1901, gère le centre d’art contemporain à Cajarc, et les Maisons Daura, résidences internationales d’artistes Région Midi-Pyrénées à Saint-Cirq-Lapopie. L’association participe au réseau art contemporain en Midi-Pyrénées. Elle est membre de dca/ association française de développement des centres d’art.

La Maison des arts Georges Pompidou
134, avenue Germain Canet, BP 24
46160 Cajarc
France
http://www.magp.fr/

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Aglaia Konrad, Joyful Wisdom at Rezan Has Museum, Istanbul

Aglaia Konrad, Iconocopicity, détail

Artists: Aglaia Konrad, Burak Delier, Jalal Toufic, Jan Kaila, Lonnie van Brummelen & Siebren de Haan, Marion von Osten, Mick Wilson, Tiong Ang & Co. Curator: Henk Slager

How to avoid institutional routine and academic rigor is a question emerging time and again in current discussions on the topic of artistic research. Therefore, the project Joyful Wisdom intends to address the original spirit of the field; that is, artistic research as a radical, experimental playground. From that perspective, the project presents artistic research as a topical interpretation of Nietzsche’s reflections on Joyful Wisdom (Gaya Scienza): an untimely plea for a different form of thinking detaching knowledge from the leveling tendency of classification and reinvolving speculative and symbolic forms of understanding. Pending questions, then, are: How can artistic research as a situation-based thinking process escape from the disciplining logic of knowledge production? Should the strategic form of an epistemic guerrilla be deployed?

Taking this as a starting point, Burak Delier’s project Art Talks defeats the force of institutional frameworks by staging the artist-as-researcher as a street vendor: an artist aware of the current condition of existence who offers his specific contribution to knowledge production in the public space of the city of Istanbul.

Pavilion of Distance II (Cross Roads and Hazy Maze), Tiong Ang’s collective production, is a confrontation of two film projects where artistic thinking processes dissolve into public space: a rhythmic montage of a modernistic, impersonal suburban scenery versus the narration of a temporary formation of a group of young artists within an urban setting. A singular, performative event will juxtapose the moving, pre-recorded images with their real-life counterpoint. (Cast: Sebastian Gonzalez de Gortari, Eduarda Estrella, Adriana Ramirez, Robert Wittendorp, Hiroomi Horiuchi, Frans van Lent, Heleen Langkamp, Sobia Zaidi. Crew: Ryan de Haan, Marina Stavrou, Zeynep Kayan, Efrat Gal. Director of Photography and Editor: Alejandro Ramirez).

Mick Wilson’s video-text work The Seminar rehearses a process of artistic enquiry in a laconic and downbeat manner that moves across themes of mortality and public-ness to reveal a tragi-comic incompletion. Woven through the text are anecdotes and philosophical references but the overall effect is of a workaday failure to achieve seriousness because of a disconnect between intentions and actions.

Point of departure for Marion von Osten’s research project The Route of Friendship is the illusion of a globalized modernism. The project focuses on the utopian, visual imagery of a public sculpture project at the time of the 1968 Mexico Olympics. The Route of Friendship shows a cosmopolitan imagination that seems to continuously provoke protests in the public domain because of its inherent contradictions.

Sleep, a project by Jan Kaila, also departs from public space. In a series of images, Sleep shows citizens embodying in an almost sculptural sense the silent knowledge of the urban interior. Through an ontological investigation emphasizing the presence of absence and a post-medial translation into moving images, the work demonstrates a novel artistic and intellectual perspective on what seem already to be established facts.

In researching spatio-economic conditions, Aglaia Konrad’s Iconocity deals with the physical quality of photographic reality in the form of a wall-size collage charting a worldwide series of urban landscapes through a fluid taxonomy of affective associations and artistic probing. At the same time, the outcome becomes spatially integrated in the exhibition context.

Jalal Toufic’s mixed media Vertiginous Variations on Guilt and Innocence Witnessed in 39 Steps through the Rear Window consists of the video Variations on Guilt and Innocence in 39 Steps and two conceptual film posters titled Rear Window Vertigo. “Hitchcock’s Rear Window and Vertigo may best be viewed as one film, and his The 39 Steps may best be viewed as an entangled trilogy.”

Lonnie van Brummelen & Siebren de Haan’s film project Episode of the Sea has a strong materialistic approach. By deploying an undisciplined research perspective and a drifting studio practice, the impact of a continuous flexibility forced on primary professions by the world market is articulated and a presentation evolves negotiating between the act of making and the process of making.

Joyful Wisdom is made possible by the support of Netherlands Consulate General Istanbul, Embassy of Finland Ankara, ifa (Institut fuer Auslandsbeziehungen e.V., Germany), Kunsten en Erfgoed (Belgium) and MaHKU/Utrecht School of the Arts.

September 14–October 20, 2013
Parallel event to the 13th Istanbul Biennial
Forum: September 13, 5–7pm
Kadir Has University, Moderator: Asli Narin
Opening: September 13, 7pm
Performance: Tiong Ang & Co: September 13, 7:30pm

Rezan Has Museum
Kadir Has Üniversitesi
Cibali – İstanbul, 34083
Hours: Daily 9am–6pm

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Eleni Kamma, the Mediterranean Experience, Macedonian Museum of Contemporary Art, Thessaloniki

The Mediterranean Experience:
The Mediterranean as a spatial paradigm for the circulation of ideas and meaning.
An introduction.
Curator: Denys Zacharopoulos
Exhibition presented by the Macedonian Museum of Contemporary Art in the context of the main program of the 4th Thessaloniki Biennale of Contemporary Art.

The exhibition will be open on Tuesday 17 September 2013.
Duration: 18 September – 31 December 2013 The Mediterranean Experience: The Mediterranean as a spatial paradigm for the circulation of ideas and meaning. An introduction. Curator: Denys Zacharopoulos Exhibition presented by the Macedonian Museum of Contemporary Art in the context of the main program of the 4th Thessaloniki Biennale of Contemporary Art. The exhibition will be open on Tuesday 17 September 2013. Duration: 18 September – 31 December 2013 The Macedonian Museum of Contemporary Art presents, in the context of this year’s fourth edition of the Thessaloniki Biennale of Contemporary Art, the exhibition « The Mediterranean experience: The Mediterranean as a spatial paradigm for the circulation of ideas and meaning. An introduction », curated by Denys Zacharopoulos. The exhibition will open to the public on 17 September 2013 and will be visitable on the 18th of September, when the official inauguration of the 4th Thessaloniki Biennale of Contemporary Art will take place. As the artistic director of Macedonian Museum of Contemporary Art, Denys Zacharopoulos notes: « The subject of ‘the Mediterranean’ has been extensively researched by the greatest historians of the twentieth century. In our exhibition « The Mediterranean experience: The Mediterranean as a spatial paradigm for the circulation of ideas and meaning, » we did not intend to follow a Braudelian approach or ponder on the composition of the cultural environment of a region that lies, in every conceivable way, at the crossroads of Europe, Asia and Africa. Our approach and research are different; they are based on an intuition, which does not aspire to any kind of composition or even analysis, but simply represents an initial, tentative, critical and systematic taxonomy of our material. Our ambitions are rather modest. We have consciously limited ourselves to the collection of evidence, facts and works, purposely avoiding generalizations, ideological constructs and the pervasive folkloric depictions of the Mediterranean. Our definition of the Mediterranean experience is about people and things that are not directly related to the Mediterranean as a geographical and historical notion. The history of forms which focuses on quotidian practices and social representations, impressions, experiences and mentalities, now represents an important chapter of historical research, which deals with everyday life. Only rarely, however, are artistic practices and individual artworks studied in connection to the mentalities of everyday life. Even more rarely does art history recognize that artists, from Gustave Courbet onwards, emanate from or participate in everyday life and that their work is inspired by and addressed to their surrounding reality. Had it done so, it would have allowed one to realize that the experiences and practices of everyday life permute, or occasionally overturn, the standards and norms of intellectual, specialized artistic practice. »

The exhibition features works from the following artists: Marina Abramovi?, Art and Language, Isabelle Arthuis, Nikos Alexiou, Dimitris Alithinos, Alexis Akrithakis, Stephen Antonakos, Mona Breede, Alighiero Boetti, Miros?aw Baika, Marie Jos? Burki, Daniel Buren, Lothar Baumgarten, Marcel Broodthaers, Herbert Brandl, Pedro Cabrita Reis, Pier Paolo Calzolari, G?rard Collin-Thiébaut, Vlassis Caniaris, Lizzie Calligas, Ernst Caramelle, Lawrence Carroll, Cherif et Silvie Defraoui, Jimmie Durham, Diohandi, Danil, Diego Esposito, Donald Evans, Lionel Estève, Angus Fairhurst, Michel François, Agnès Fornells, Gaylen Gerber, Apostolos Georgiou, Rodney Graham, Giannis Gaitis, Giorgos Gyparakis, George Hadjimichalis, Giorgos Harvalias, Panos Haralambous, Lisa Haver, Jenny Holzer, Ann Veronica Janssens, Alain Jacquet, Mike Kelley, Ed Kienholz, Dionisis Kavallieratos, Joseph Kosuth, Tadashi Kawamata, Peter Kogler, Eleni Kamma, Aris Konstantinidis, Martin Kippenberger, Dimitris Kozaris, Nikos Kessanlis, William Klein, Niki Kanagini, Nikos Kouroussis, Richard Long, Jim Lutes, Robert Longo, Anna Lascari, Stathis Logothetis, George Lappas, Yorgos Lazongas, Matt Mullican, Juan Munoz, Come Mosta-Heirt, Reinhard Mucha, Cildo Meireles, Miltos Manetas, Eliseo Mattiacci, Erwan Mah?o, Max Neuhaus, NSK, Xavier Noiret-Thom?, Stratos Dontsis, Rivane Neuenschwander, Nikos Navridis, Gabriel Orozco, Meret Oppenheim, Dennis Oppenheim, Pino Pascali, Manfred Pernice, Emmanuel P?reire, Michelangelo Pistoletto, Maria Papadimitriou, Ilias Papailiakis, Leda Papaconstantinou, Rena Papaspyrou, Ulf Rollof, Jean-Pierre Raynaud, Patrick Raynaud, Chryssa Romanou, Thomas Struth, Thomas Schutte, Kostas Sahpazis, Remo Salvadori, Joe Scanlan, Adrian Schiess, Mariella Simoni, Georgia Sagri, Yorgos Sapountzis, Vasilis Skylakos, Kyrillos Sarris, readymades belong to everyone®, Filippos Tsitsopoulos, Petros Touloudis, Dimitris Tsoumplekas, Thanasis Totsikas, Takis, Theodoros, Henk Visch, Vassilis Vassilakakis, Franz West, Lawrence Wiener, Daniel Walravens, Constantin Xenakis, Georgios Xenos, Gilberto Zorio.

A special edition will published to accompany the exhibition. The exhibition team: Curator: Denys Zacharopoulos, Artistic Director, MMCA

Eleni Kamma
Systèmes de construction II , 2008
Two stop-motion animation films projected simultaneously next to each other, 3:40 min

Systèmes de construction II is a proposition on how to look into a book. I produced a 50 page notebook by manually copying, page after page, the reproduction of a 15th century Turkish decorative tile. Going through the notebook from left to right, the form of the tile slowly shifts to Mondrian’s Boogie Woogie. From right to left, Boogie Woogie’s reproduction slowly shifts back to the Turkish tile. Confronted with the finished form of this notebook, in order to lower the inherent elements of this type of narrative object (the book with a beginning and an end, hierarchies),I decided to produce a stop-motion film consisting of two parts, projecting simultaneously next to each other two different versions of the same action: turning the pages of the notebook. Although this animation emphasizes the transformative nature of the notebook, the coexistence of the two asymmetrically mirrored parts disrupts and confuses the rhythm of the turning pages. The coexistence of the two equal-in-size projections produces a third space that superimposes itself on them, giving the final rhythm to the piece.(Eleni Kamma)

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Jacques Lizène, Repeat / repeat (bis)

La découverte, toute récente, dans les Archives de l’Art Contemporain en Belgique (AACB) de deux documents, nous amène à émettre quelques précisions quant au « Contraindre le corps d’un jeune fille », actuellement présenté dans l’exposition « Repeat/repeat ». L’œuvre, nous l’avons déjà indiqué, a été conçue pour l’exposition CAP 4 qui se tient au Château Malou en 1973. Les photographies utilisées ont, quant à elles, été prises en 1971. Jacques Lizène abandonne cette œuvre sur place, après l’exposition. Jamais on ne la retrouvera. Ce n’est pas vraiment négligence ou désinvolture de la part du Petit Maître ; ceci participerait même d’une attitude. L’époque est au processus, au concept, et la matérialité de l’œuvre passe au second plan. L’idée subsiste ; elle est dès lors un potentiel de remakes, pratique singulière de Jacques Lizène. Le remake lizénien, ancré sur les principes d’auto-historicité précisément mis en place par l’artiste, est l’un des principaux moteurs de l’œuvre entière, une machine puissante qui fonctionne en parfait circuit fermé, une implacable logique autarcique et endogène, un épuisement complet de l’idée mené de façon idiote, l’artiste répétant inlassablement les mêmes gestes, jusqu’à l’absurdité. Fondé sur l’attitude de l’artiste, le remake cultive donc le rebours, la systématisation, la répétition, l’inachèvement que l’artiste tente – en vain – d’achever. Au réel rebattu sur lui-même répondent des œuvres et des idées en permanence ressassées.

Le Contraindre du Château Malou, appelons-le ainsi, n’échappe par à la règle. Les « Contraindre », et celui-ci particulièrement, font d’ailleurs tous partie d’une geste qui consiste, idée émise dès 1971, à « Contraindre toute sorte de corps nus ou habillés, y compris des corps de policiers à s’inscrire dans les limites du cadre de la photo ». Jacques Lizène ne contraindra jamais un corps de policier ; ou du moins, il ne l’a pas encore fait. Dès 1971, Lizène décide également de (faire) photographier des personnages refusant de subir la contrainte des limites d’une cadre d’une photo. En fait, il n’existe qu’une seule photo du genre, cette photo d’une ménagère en Roture à Liège, appuyée sur son balai, contrainte bien malgré elle, par le cadrage imposé à l’image lors du développement du cliché, mais qui, déclare l’artiste, refuse de se laisser contraindre.

Pour cette exposition CAP 4, Lizène décide de réunir ces deux concepts. En guise de contribution au catalogue, il envoie deux photos : celle de la ménagère refusant la contrainte, ainsi qu’un cliché de la jeune fille nue photographiée en 1971, courbant l’échine, contrainte à mi – mouvement par l’objectif de l’appareil photographique. Pourquoi les réunit-il ? Peut-être parce que cela donne la prépondérance à la notion de récit, au structural, au relationnel, au (non) participatif sociétal, toutes idées très en vogue au sein du Cercle d’Art Prospectif. Dans l’exposition, par contre, Lizène ne pousse pas cette logique plus avant. Il propose une sélection de huit photos du « Contraindre le corps nu d’une jeune fille », les dispose en échelle sur deux lattes en bois, ajoute à la base un carton de la même dimension que les photographies en guise de cartel. L’échelle, comme un déroulé cinématographique est posée contre une porte fermée d’un salon du château Malou. Ce n’est donc qu’en 2009, lorsqu’il fut question de rééditer l’œuvre, cette fois en fixant les photographies sur deux cornières de métal, que Jacques Lizène intègre à l’œuvre le portrait de la ménagère non participante à sa geste.

Un second document nous apprend que le 16 novembre a lieu un débat dans l’exposition, animé par Jean-Pierre Van Tieghem. Ce débat est précédé par la projection de deux films de Jacques Louis Nyst. Deux performances sont également prévue, la première, par Jacques Lennep (le Cercle Vicieux), la seconde par Lizène. Une note manuscrite sur le document précise que Jacques Lizène n’aurait pas réalisé sa performance. Je l’interroge à ce sujet :

– Jacques, ne te serais-tu pas rendu à cette soirée débat ?
– Si si si.
– Lennep a ajouté sur le document de l’invitation que tu n’as pas fait ta performance.
– Si si si.
– Mais…
– Je me suis contraint dans le cadre de l’image, à côté de mon œuvre. Mais je l’ai fait tellement vite, que Lennep ne l’a pas vu !
Dont acte et rectificatif.

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Suchan Kinoshita, 5e biennale de Moscou

Catherine de Zegher, the Curator of the Fifth Moscow Biennale of Contemporary Art was the Artistic Co-Director of the 18th Biennale of Sydney, Australia (2012), Guest Curator in the Department of Drawings at the Museum of Modern Art in New York and Visiting Curator at Tapies Foundation in Barcelona. In previous years, de Zegher held positions as Executive Director and Chief Curator of The Drawing Center in New York (1999-2006) and was Director of Exhibitions and Publications at the Art Gallery of Ontario in Toronto.

Commenting on her plan for the upcoming biennale, Catherine de Zegher emphasized: “Entitled ‘Bolshe Sveta / More Light’ the 5th Moscow Biennale promotes enlightened conversation and action, at the crossroads, where different concepts of space and time, and consequent structures of thought and sensibility, are elaborated. In many parts of the world, the contemporary global network society is developing a very specific space-time dimension that tends to clash with other space-time dimensions. In this interconnected world, space and time concepts no longer acknowledge our place in a present that is here and now, because in the flow of globalization, a local chronotopy in which our perception of time is connected to a geographically defined place, is supplanted by a global chronotopy. With world time increasingly ticking in a homogeneous manner to the rhythm of neo-liberal capitalism, space is obliterated by time. The artists in the 5th Moscow Biennale point out an urgent need to enact another kind of movement in the world. By entering slow time and slow attention, there is an increased receptiveness to sensation and movement—an unfolding that profoundly belongs to art and aesthetics. Together with audiences, these artists engage in the continuities between past, present, and future, through a focus on daily routines and habits, in a time that is of the present, sometimes intimate and domestic, and that is related to our environment. The most familiar meanings of place and time are here linked with great currents of space-time, of thought and art, in an attempt to shed more light on large problems and questions of our time in society.”

Catalogue

The catalogue of the 5th Moscow Biennale, one of the most memorable art events of the year in Moscow, will not only introduce innovative thinking and practices of a wide group of international and local artists, but will also contain a set of unique texts by leading historians and critics of contemporary art. The authors include Keti Chukhrov, Alexei Penzin, Pascal Gielen, Svetlana Boym, Gabriel Gorodetsky, Souchou Yao, and Catherine de Zegher.

Location: Manege

The main project will be shown in the central exhibition hall of Manege. Today, Manege is one of the most prestigious venues in Moscow. Its building was initially constructed in 1817 by Spanish engineer Agustín de Betancourt. The Manege is an architecturally unique building and is situated next to the Kremlin in the centre of Moscow. In 2005 the building underwent major reconstruction and is now equipped with the most modern exhibition facilities.

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Emilio López-Menchero, Qui barre démarre, vernissage le 20 septembre, Space Collection, Liège

Emilio Lopez Menchero, Trying to be Cadere, photographie NB marouflée sur aluminium, 2013

Barre de bois rond, rail Vignole, tube de polyéthylène : Emilio López-Menchero déambule et, barre à la main, cela ne passe pas inaperçu, qu’il s’agisse d’essayer d’être André Cadere, d’introduire dans l’enceinte d’une foire d’art contemporain un tube de PE de 12 mètres de long, un peu comme l’on glisse le fil dans le chas d’une aiguille, ou d’orchestrer le déplacement d’un rail de chemin de fer au travers de la ville, en guise de tentative de résilience collective face à quelque aberration urbanistique.

Conçue à l’occasion de l’acquisition par la Space du « Trying to be Dutroux », un projet commandité à l’artiste en 2009 à l’occasion de l’exposition « Toute cruauté est-elle bonne à dire ? », cette exposition d’Emilio López-Menchero met l’accent sur trois œuvres récentes de l’artiste. La première est une réflexion sur l’icône, deux barres de bois rond de Cadere à l’épaule. La seconde est une approche pénétrante d’un espace sociologique compact, réévaluant l’œuvre, le monument et la notion de travail. La troisième explore le champ urbanistique, ses failles et cicatrices. Toutes trois ont pour paradigme commun la déambulation d’un objet rectiligne de fort élancement, toutes trois s’inscrivent dans une pratique rituelle, toutes trois s’apparentent au jeu. Et comme au whist, lorsqu’un joueur surenchérit d’un pli : Qui barre démarre.

La présentation de ces « Trying to be Cadere » œuvres inédites produites pour cette exposition, prend, à Liège, une coloration singulière. Très lié à Jacques Charlier, André Cadere exposa en 1975 à la galerie Véga, sise à l’époque rue des Croisiers. En 1978, peu de temps avant son décès, il est reçu chez divers amateurs liégeois afin d’y présenter son travail. A ce titre sera également exposée une barre de bois rond d’André Cadere, l’une de celles avec lesquelles Emilio López-Menchero déambula à l’occasion de la production de ces nouveaux « Trying to be ».

Cette exposition est conçue en collaboration par la SPACE Collection et la galerie Nadja Vilenne.

Vernissage : le vendredi 20 septembre à 19h
Exposition du 21 septembre au 19 octobre
Parallel Event : conférence à propos d’André Cadere avec Jean-Michel Botquin, Jacques Charlier et Emilio López-Menchero. Présentation du catalogue « Space Collection 2003-2013, 10 ans d’acquisitions ». Le vendredi 18 octobre à 19h.

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Pol Pierart, Trois fois rien, CRAC Montbéliard

Existera
Acrylique sur toile libre, 170 x 223 cm
2003

Cette exposition rassemble des artistes dont les œuvres fonctionnent sur une économie du peu, comme si le moins permettait le plus, tant au niveau des perceptions et des images que des associations qu’ils peuvent provoquer chez le spectateur. Ils nous proposent une poétique de la discrétion et de la modestie qui a pourtant les ambitions les plus grandes : celles de nous faire éprouver des expériences essentielles, dans un silence, une respiration ou l’espace d’un instant ; si on y prête attention. S’y ajoutent, pour une part d’entre eux un humour et une ironie qui sont l’affirmation d’une légèreté recherchée contre la pesanteur des choses ; mais sans oublier que l’humour peut aussi être la politesse du désespoir. Beaucoup de ces artistes viennent d’horizons qui voient se croiser art minimal ou art conceptuel, des mouvements comme Fluxus, les néo-dadaïstes, Support-Surface ou encore BMPT.

(…)

Nous y avons associés des artistes singuliers comme François Bouillon qui travaille toujours avec une économie de moyens extrême et met en forme des fictions très épurées et de petits rituels symboliques, Pol Pierart et ses mots doubles peints, Roberto Elia avec son affection pour l’infra mince, Marie-Claude Bugeaud pour ses petit riens peints qui font images et peintures ou encore Jean-Loup Cornilleau pour ses objets et images fragiles fais de chutes et de bouts de ficelles du réel.

Philippe Cyroulnik

Burkard Blümlein – François BOUILON – George BRECHT – Marie-Claude BUGEAUD – Pierre BURAGLIO – Damien CABANES – Jean-Loup CORNILEAU – Patrick DEKEYSER – Daniel DEZEUZE – Noël DOLLA – Stan DOUGLAS – Roberto Horacio Elia – Isabelle FERREIRA – Robert FILIOU – Pierre-Yves Freund – Fabienne Gaston-dreyfus – Patricio GIL FLOOD – Jean-François GUILON – Jean LAUBE – Lucrecia Lionti – Colombe Marcas iAno – Antoinette Ohannessian – Pol PIERART – Niele Toro ni – Anu TUOMINEN – Richard TUTTLE
Le 19, Centre régional d’art contemporain de Montbéliard
19 avenue des Alliés, 25200 Montbéliard | tel 03 81 94 43 58 | www.le19crac.com
Mardi-samedi : 14h-18h, dimanche : 15h-18h | Le 19 est membre de DCA et TRAC.
Vernissage vendredi 13 septembre à 18h30
14 sept. > 24 nov. 2013

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Aglaia Konrad, Diffractions of Destroyed Design, Netwerk, Aalst

Diffractions of Destroyed Design
Adel Abdessemed / Ronan & Erwan Bouroullec / Dirk Braeckman / Bertrand Gadenne / Aglaia Konrad / Kelly Schacht / Florian Slotawa / Erik van Lieshout / Frederik Van Simaey
DI 15.09 — DI 17.11 2013
Netwerk Aalst

Aglaia Konrad participe à l’exposition Diffractions of Destroyed Design, conçue par Netwerk à Alost, sur le thème des rapports entre le design, l’art contemporain expérimental et l’architecture. L’exposition établit un dialogue entre quelques œuvres clés de la collection design du FRAC Nord-Pas de Calais et des travaux de Kelly Schacht, Frederik Van Simaey ainsi que d’Aglaia Konrad. Le point de départ des réflexions que propose cette exposition s’appuie sur quelques caractéristiques de la philosophie de l’Agence Lacaton et Vassal, actuellement en charge du projet de nouvelle implantation du FRAC Nord Pas de Calais à Dunkerque et à qui, entre autres projets, réalisa les transformations du Palais de Tokyo à Paris.

Aglaia Konrad s’intéresse à la représentation d’architectures aux formes sculpturales. Ce film est consacré à une maison située sur un vaste terrain à flanc de colline, dans la région de Liège en Belgique. Construite entre 1967 et 1968 par l’architecte Jacques Gillet (1931), en collaboration étroite avec le sculpteur Félix Roulin (1931) et l’ingénieur René Greisch (1929-2000), elle découle d’une recherche de synthèse entre les dimensions fonctionnelle et esthétique du bâtiment. Constituée de nombreux voiles de béton, la maison offre des points de vue multiples. Par la vidéo, Aglaia Konrad tente de saisir dans un continuum le regard porté sur l’architecture. Ce film capture ainsi la composition des masses, des volumes, des pleins et des vides, en mêlant plans fixes et lents déplacements de la caméra. L’artiste porte sur ce bâtiment un regard analytique dénué de toute rhétorique. Par une grande maîtrise formelle, elle réussit à rendre les qualités organiques et sculpturales du bâtiment. Dans des variations infimes de lumière et de séquences, elle capte l’expressivité et la plasticité des surfaces de béton brut. Traitant l’architecture en plans rapprochés, elle ne fait apparaître l’environnement naturel que parcimonieusement ; le montage de la vidéo qui entremêle des plans intérieurs et extérieurs, montre alors la continuité plastique inhérente à la conception de cette maison. En marge du film, le spectateur peut écouter à travers un casque des extraits de « conversations », entre les architectes Wim Cuyvers et Jacques Gillet, ainsi qu’entre Félix Roulin et l’artiste Jöelle Tuerlinckx. Aglaia Konrad distingue ainsi dans l’espace et le temps d’exposition différents modes d’accès à une même architecture : appréhension lente, contemplative et muette par l’image ; ouverture à une dimension subjective, historique et critique, par le son.

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Jacques Halbert, Repeat / repeat (3)

Jacques Halbert, Peinture, huile sur lin, 2008, 100 x 100 cm

« Comment peindre une cerise » (1975)
Pour mener à bien cette entreprise, il est conseillé dêtre habile et patient. Le travail s’effectue en huit phases et temps de séchage :
1. Vous dessinez un cercle vaguement ovale que vous remplissez de carmin
2. Vous appliquez sur la partie gauche de la cerise une lune de terre de sienne brûlée
3. Vous mettez du rouge vermillon sur le bout de votre index droit et vous l’appliquez sur le milieu de la cerise, un peu à droite
4. Vous mettez maintenant du rose sur le même doigt, très peu, et vous le posez au centre de la tâche rouge vermillon
5. A l’aide dun pinceau fin, vous appliquez un point blanc sur la tâche rose
6. Toujours avec ce pinceau fin, vous mettez un filet de terre d’ombre brûlée sur l’extrémité gauche de votre cerise
7. Vous dessinez au pinceau fin chargé de vert émeraude la queue du fruit
8. Vous éclaircissez, avec du blanc, votre vert émeraude et vous en mettez un filet sur la queue.
Si vous avez suivi à la lettre ces conseils, vous avez sous les yeux une cerise peinte par vous. Vous êtes donc un artiste. »

Jacques Halbert
Free floating canvas, 2007
Acrylique sur coton, 130 x 57 cm

(…)
Scandaleuse liberté, digne héritière de l’exhubérance Dada, tendance Picabia. Et révolte supérieure de l’esprit. Celle-ci sied à Jacques Halbert qui, rappelons le, se permit un jour en guise d’appropriation et d’hommage, d’apposer – sans dommage - l’une de ses cerises sur un Picabia du musée. Comment, ici, ne pas rappeler le « Manifeste cannibal », la scansion de « Dada n’est rien. Comme vos paradis : rien ». « Y’a bon Picabia ! » bonimente, avec le rire de Jacques Halbert, le tirailleur sénégalais de Banania, peint sur le coffre de la Peugeot 403, version 1962, couverte de cerises, customisée dira-t-on, et aujourd’hui garée au beau milieu de l’atelier18. Oui l’empreinte de la cerise, au sens toronien du terme, s’applique partout. Sur des boîtes de camembert, des affiches Mao, des bons points distribués aux enfants méritants, des reproductions de tableaux de maîtres anciens et modernes, des peintures trouvées. Elle contamine tout support et surtout se peint sur toile, cerise toujours dupliquée, jamais épuisée. Rarement solitaires, au moins par paires, souvent alignées, en quadrilles, essaimées, constellantes, les fruits sont à maturité. Il y a des « Cerises bleues sur fond bleu », des « Cerises blanches sur fond blanc », des « Cerises vertes sur fond vert », des « Cerises jaunes sur fond jaunes » et, on s’en doute, des « Cerises rouges sur fond rouges ». Le sujet résiste au fil de ces inlassables répétitions d’une même cerise.
J’aime le protocole que Jacques Halbert établit dès 1975. Il tient de la méthode ABC Ecole de Paris (« comment peindre une cerise en huit phases et temps de séchage »), de la recette de cuisine, se teinte d’esprit Fluxus et remet dès lors en question avec impertinence l’absolutisme des positions minimalistes et conceptuelles en vogue à l’époque, qu’il s’agisse, dans le paysage français du moins, du dogmatisme de Support / Surface ou du radicalisme des positions de B.M.P.T.
Avec la vivifiance du chant du merle moqueur, l’obsessionnelle aventure cerisiste élargira ses horizons : Jacques Halbert se revendique d’un art d’attitude, au sens où l’entend Ben Vautier, entretenant des rapports étroits avec les arts de la table, lorgnant du côté de l’ « Eat Art » de Spoerri, rien d’austère assurément ; parce qu’il est vital d’arpenter les lieux de l’art avec un triporteur transformé en « galerie Cerise », afin de vendre, comme à la criée, tartelettes et tableaux aux cerises, important de chanter des recettes ou de déclamer un menu cerise devant les Noces de Cana de Véronèse, essentiel de naviguer sur la Loire toute toile aux cerises dehors, excitant d’organiser des Fashion Show cerisistes à New York ou de se prendre pour un pâtissier pâtissé, inattendu d’offrir un « dix nez » aux cerises à toute une kyrielle de convives ou de se commettre dans des séances de peinture au marteau. (…)

Jacques Halbert
Peinture, 2013
Huile sur lin, 40 x 30 cm

Jacques Halbert
Peinture, 2013
Huile sur lin, 70 x 50 cm

Jacques Halbert
Brush Stroke, 2004
Acrylique et pinceau, 36 x 56 cm

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Jacques Charlier, No style, only ideas, cultuurcentrum Hasselt, vernissage le 15 septembre, 15h

Jacques Charlier – No style, only ideas
Centre culturel d’Hasselt. Vernissage le 15 septembre à 15h

zo 15 sep 2013 – zo 10 nov 2013 / grote exporuimte
di t/m vr 10 tot 17 u, za & zo 13 tot 17 u / gratis toegang
Jacques Charlier (°1939, Luik) is als kunstenaar autodidact. Hij begint zijn loopbaan als bediende op de provinciale technische dienst. Wanneer hij docent grafiek wordt aan de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten van Luik betekent dat een voedingsbodem voor zijn persoonlijke productie. Zijn demarche wordt ondersteund door een kritische analyse van de kunstwereld, de kunstmarkt en de avant-garde. In zijn zoektocht naar het afstemmen van idee en medium geeft hij voorrang aan een multidisciplinaire benadering. Door beurtelings te kiezen voor schilderkunst, fotografie, video, muziek, schrift, beeldhouwkunst, installaties, stripverhaal, publiciteit… assimileert hij met evenveel gemak de taal van de diverse stijlen en stijlperiodes.
Jacques Charlier stelt regelmatig tentoon in binnen en buitenland. Hij is ook vertegenwoordigd in talrijke privé collecties, collecties van Belgische instellingen zoals de Franse Gemeenschap, de musea voor moderne kunst van Antwerpen, Brussel, Gent en Oostende, evenals in het Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean in Luxemburg.
vernissage: zondag 15 september 2013 om 15 u in de fotogalerij
Op 1 november 2013 is de tentoonstelling geopend van 13 tot 17u

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